Loominguline uurimus "Woe from Wit" teatrilavastusest. Komöödia “Häda teravmeelsusest. töö üldine kirjeldus

"l="0">

M. A. Vološin.

"l="0">

____________________

"l="0">

[...] "Häda vaimukust" uuslavastus on õhus olnud viimased paar aastat ja muutunud paratamatuks.

Sel ajal jõudsid Aleksandri ajastu, mis oli meile seni lähedane vaid filmides “Häda vaimukust”, “Onegiinis” ja “Sõjas ja rahus”, sama ajastu kirjandusteosed ja joonistused - igaüks omalt poolt. Vene maalikunst. 19. sajandi alguse olustiku ilu muutis meile intiimselt lähedaseks Benois' ja Somovi Peterburis ülestõstetud liikumine, mida kajastas Musatov Moskvas. Varem, sel ajastul, olid meile tuttavad vaid tegelased ja sündmused, nüüd on lähedaseks saanud ruumid, asjad ja kleidid. Isegi rohkem kui lähedal, sest just sellesse ajastusse pöördus kogu meie kurbus vene antiikaja pärast. Sellest uuest tundest valgustatud "Woe from Wit" uuslavastus on muutunud ajalooliselt vajalikuks.

Kuid Kunstiteater pidi mitte ainult käima kunstnike poolt välja toodud radu, vaid ka ise looma. Viidati Somovi ja Benoiti üksikasjalikule antiikaja arengule

210 Peterburi, mitte Moskvasse. Nad andsid ainult meetodi ja Kunstiteater pidi seda Moskva ajastul rakendama. See täiesti uus pilt Moskvast on Kunstiteatri kõige olulisem ja tõelisem teene.

Peategelaseks oli siin Moskva vana mõisahoone [...].

Esimese vaatuse tegevuspaik üllatab oma mitmekesisusega [...], kuid siiski puudub sisemine terviklikkus. Siin torkavad silma piibeldav kell ja osa ruumi eraldav hele roost tara ja Famusovi triibuline siidist hommikumantel, mööbli kuju ja miniatuursed portreed seintel, kuid see kõik pole veel ühtlustunud.

Teise vaatuse tegevuspaik annab kõigile neile lahknevatele muljetele kohe terviklikkuse. See on pikk ja kitsas portreetuba, mille taga on aken. Seinte ääres ripuvad portreed ja kaks triibulist diivanit seisavad üksteise vastas. Punased toolid, valge kahhelahi. Aknast väljas lumega kaetud katused ja kõiges - see on Moskva talvehommiku tunne, avar soe tuba, hommikutunnid õhtusöögini, mil kuidagi pole midagi teha ja hingelt veidi igav ja väga mugav .

Kolmas vaatus on ball, kostüümide tegevus par excellence. Kuid kogu selle seade - nii valged sambad kui ka kaks lapis-lasuli vaasi ja kolmekordne vaatenurk, mis avaneb elutoa uste kaudu tantsusaali, trepile, mida mööda külalised tõusevad, ja ruumi balustraadi taha. trepid - kuuluvad kõige geniaalsemate arhitektuurikontseptsioonide hulka.

Neljanda vaatuse tegevuspaik toob palju intiimsust. See on tõeline Moskva eesruum - ruumikas, kuid mitte väga lai. Vasakul laskub teiselt korruselt trepp ja paremale läheb sügavale väljapääsu sisse varikatus ning kahekordse klaasukse vahelt kumab läbi lumine koidik, mis annab kõigele toimuvale mingisuguse erutatud väsimuse erilise varjundi. peale magamata ööd.

Komöödia näitlejad voolasid otse vana maja sisustusest ja sellega saavutati paljudes stseenides uus tõlgendus. Nende peamine omadus oli see, et nad kõik olid figuurid, kuid mitte tegelased. Ja see polnud puudus, vaid suurepärane lavastustakk. Klassikaline lavastus "Häda teravmeelsusest" andis ennekõike tegelased, tüübid. Kõik Vene lava hiiglased lõid selles komöödias oma tegelased. Kunstiteater mõistis suurepäraselt, et ta ei suuda nendega sellel teel võistelda, ning taandus selle ülesande ees tagasihoidlikult, võttes niiviisi meilt õiguse esitada talle selles vallas oma nõudmisi.

Kui ma ütlen figuurid, pean ma silmas kostüümi ja nägu. Kostüümid Kunstiteatris on terve avastus. Chatsky traditsiooniline frakk on asendatud pika kõrge vöökohaga kaftaniga, millel on lai kõrgele keeratav krae, mida saab kinnitada

211 nagu ungarlane. Chatsky esineb selles kaftanis esimeses vaatuses. Kolmandas vaatuses esineb ta frakis, väga kõrge, elegantse ja väga tagasihoidliku lameda satsiga. Kolmas vaatus on tegevuspaiga ja lavastuse apoteoos.

Kunstiteater käsitles suurima tõsidusega kõiki kolmandas vaatuses esinevaid pea- ja kõrvaltegelasi ning püüdis luua mitmeid Aleksandri ajastule iseloomulikke tegelasi, sarnaseid "Sõja ja rahu" tegelaskujudega ning pole kahtlustki. et Djagilevi ajalooliste portreede näitus mõjutas nende mõistmist otsustavalt.. üks . Moskva tegelaskuju oli edasi antud kõigis nägudes, kommetes ja moes. Sellise lavastusega harjumatu silm torkas algul daamide kostüümide kirjusus ja liialdus. Siis aga meenus Štšukini Vene antiigi muuseum ja selgus tõelise Moskva stiili saladus, mis seisneb kõigi lääne trendide ja moe äärmusesse viimises 2 . Euroopa kunsti vorme jumalakartmatult liialdades ja viimse piirini viiv Moskva on alati loonud oma vaimu ja stiili nii 17. sajandi puidust sari ning Püha Vassiliuse Õndsa lokkis kuplites ja Kremli katedraalides. ja 18. sajandi naiste ehetes ja Aleksandrovskaja ajastu aadlimõisates ja Moskva ajaloomuuseumi hoones ning praegustes "dekadentlikes" majades, mis kogu oma lõikava mitmekesisusega juba algavad. et siseneda Moskva radade iseloomu.

Moskva pruutide pretensioonikad kleidid ja võluvad soengud, teeseldud koketeeritus ja maneerid (“Lihtsalt ei ütle nad sõnagi – kõik grimassiga”), aasiapärane kangaste kirevus, paelad, lopsakad vanaproua mütsid, patriarhaalne luksus kõikvõimalikest triibulistest mantlitest ja kasukatest reisil, uhked meigid vanad aukandjad ja Moskva ässad, kellest vürst Tugouhhovski (härra Višnevski) paistab silma oma surmava ja pühaliku maskiga vanast aadlikust, vanadusest tuim, kuus printsessi, kes kõik koos värisevad ja muretsevad oma üksiku kuuejalgse kehaga, vana naine Khlestova (pr. Samarova) meigis ja Katariina II kostüümis, printsess Tugoukhovskaja (Raevskaja), meigitud krahvinna Liveni portree järgi - kõik sellel on vana maali ja vanade portreede autentsuse iseloom.

"Pidulik vagunite rong
müristas; parukate puuderdamine
Potjomkin on aastates võrdne,
Ilmusid vanad ässad-vanad mehed
Parimate soovidega...
Vanaprouad, endise õukonna daamid” 3 .

Viimases vaatuses, pärast pidulikku pilti kõigi nende Moskva muististe lahkumisest, pärast neid painutatud ja riietatud

Vanade lakeide kuldsetes liveerides lahustas vana maja ootamatult oma saladused ja tüdrukute omad ning kui Famusov küünlaga trepist alla läks, paistis tema selja tagant välja mõisniku maja teine pool - mõned särkides talupojad, valgetes saradressides naised. pea ümber ööseks seotud sallid. Tundus, nagu oleks vana maja asustanud valged kummitused tõesti püsti tõusnud.

"Häda teravmeelsusest" oli kunagi satiir. See oli tema esialgne eesmärk. Kuid tõeline kunstiteos elab edasi oma elu ajal, mil selle autori eesmärgid ja eesmärgid on kaotanud oma esialgse tähenduse. Meie aja jaoks on "Woe from Wit" lakanud olemast satiir ja sellest on saanud igapäevane ajalooline komöödia. Kunstiteater mõistis seda ja jättis kolmandast vaatusest välja kurja karikatuuri elemendi, mida kõigis lavastustes alati rõhutati.

Tänu sellele ajalooliselt rahulikule pilgule neile iseloomulikele Moskva tegelastele tekkis siin-seal komöödia teistsugune ja sügavam tähendus. Sõnad "koguge kõik raamatud kokku ja põletage" omandasid traagilise, mitte koomilise iseloomu. Repetilovi kuju (Lužski linn) tuletas meile ootamatult meelde, et tegevus toimub 1822. aastal, kolm aastat enne detsembrikatastroofi ning et kõigi selle ajastu Moskva vestluste kaja sumiseb ja kordab Repetilovi suus, et see on idealistlike vandenõude ja entusiastlike salaühingute ajastu. Stseen, kus Skalozub (härra Leonidov) lahkub ja Zagoretski (härra Moskvin) jäetakse üksi Repetilovi vastu ja nad üksteisele otsa vaatavad, omandas ootamatu, jubeda tähenduse, justkui korduks kaks tühja peeglit, mis on asetatud üksteise vastu. teine lõpmatuseni ja tardus õudusest, nagu tunneksid kaks tühja kummitust äkki teineteist ära.

Kuid nende ajalooliste tegelaste keskel seisis üks terviklik ja terviklik tegelane. See oli Chatsky-Kachalov. Härra Kachalov lõi uue ja täielikult valmis Chatsky. Chatsky roll on alati segadusse ajanud nii selle esinejad kui ka kirjanduskriitikud. Tänu pikkadele monoloogidele ja süüdistavatele tiraadidele oli Chatsky segase iseloomuga, nii deklameeriv esimene armastaja kui ka näidendi moraliseeriv Starodum. Kõigi jaoks ja alati rääkis Chatsky autori nimel ning see haletsusväärne jutlus talle täiesti võõraste inimeste ja rumalate inimeste ringis muutis ta naeruväärseks ja pani ta enda mõistuses kahtlema.

Kachalov mõistis ja mängis rolli teisiti. Tema Chatsky on väga noor mees, peaaegu poiss. Ta on üheksateist-kakskümmend aastat vana. Tema sõnasõnalisus, tema äge, tema meeleheide, tema hukkamõist, mis on naljakas küpse abikaasa suus, nagu oleme harjunud Chatskyt laval nägema, on üsna loomulikud, siirad ja põhjustavad meie sügavat kaastunnet selle noore, noore poisi suus. .

Et kujutada ette Chatsky küsimuse sellise lahenduse lihtsust ja truudust, tuleb meeles pidada, kes olid selle ajastu, kahe sajandivahetuse kangelased. Noorte kuningriik sai alguse 18. sajandi lõpus. [...] Elu sellel ajastul algas väga varakult. Viieteist-kuueteistaastaselt oli õpetamine juba läbi ja elu algas. See algas rügementi vastuvõtmisega, nagu see oli Chatsky elus. Just seal toimusid esimesed romaanid ja esimesed südametragöödiad, mis tänu keha noorusele ja õrnusele jätsid sügavad ja tugevad jäljed, võtsid Byroni saatuslike kirgede mõõtmed. Ja nüüd peidavad selles vanuses noored neid byronilikke impulsse ja kirgi, kuid nad sisenevad oma halli ellu unenäo, mitte reaalsusena, ja kirjandus on nüüd vanemate, kogenumate ja seetõttu vähem otseste inimeste käes. Varsti pärast kahekümnendat eluaastat (vahel varem, vahel hiljem) saabub noore mehe elus terav psühholoogiline ja füsioloogiline pöördepunkt, mis viib ta päris surma äärele ning esitab igavese elu ja olematuse küsimusi. See toonane pöördepunkt langes kokku pettumuse ja täiskõhutundega, mis tekkisid pärast esimesi rahutuid eluaastaid ning põhjustasid seetõttu Wertheri või Byroni meeleolu.

Kui kujutame ette kõiki neid süngeid kangelasi kõnelemas pühalikke sõnu nende tõelises mastaabis ja vanuses, saavad nad meile taas siiruse ja nooruse seletamatu võlu. Tänu sellele arusaamale saab Chatskyst Kachalovi esituses kogu komöödia kõige elulisem ja atraktiivsem nägu, nagu ta olema peabki. Esimeses vaatuses puhkeb ta rõõmsalt, naerul, elevil ning kallis ja kauaoodatud kohting. Ta räägib nagu poiss. Tal pole pahatahtlikkust, pahatahtlikkust ega hukkamõistu. Ta on põnevil, ta on rõõmus, ta on vaimukas, ta mäletab, ta tahab näida väga huvitav. Ta ise naerab närviliselt oma teravmeelsuste üle. Vaid seitsmeteistkümneaastane, temast veelgi noorem Sophia suudab tema sõnu tõsiselt võtta ja öelda endale: "Mitte mees pole madu."

Vestlustes Famusoviga, Skalozubiga, vestlustes Tšatski ballil on pidevalt näha see säravate silmadega rõõmsameelne poiss, kes on Moskva arvamuste peale lapselikult nördinud, jutlustab oma teooriaid, räägib oma vanematele jultunult. See on tema esimene päev tagasi Moskvas ning tema sõnasõnalisust õigustab põnevus ja muljete rohkus. Samas peab ütlema, et Katšalov oskab luulet lugeda. Ta ei otsi tarbetut realismi. Ta ei püüa riime varjata ja arvestit sassi ajada, vaid paneb need veidi kõrvale ja tema suus kõlab Gribojedovi värss kogu oma täidlusega ning tänapäevaste harmooniate järgi rafineeritud kõrv imetleb nende ajatute riimide ilu.

Kachalovi viimane tegevus viiakse läbi täiesti originaalsel viisil. Tundub, et Chatsky on väsinud ja tahab magada,

214 ja et ta oli solvunud nagu laps, sügavalt, pisarateni, et kõik tundus talle mingi metsik ja võimatu unistus, kõik need vanad mehed, kurjakuulutavad vananaised, Moskva haigused, Sophia armastus Molchalini vastu. Ja siis need vana maja pimedad koridorid ja sinine koit akna taga ja väsimus, mis paneb silmalaugud kinni, ja raskus, mis selle kalli blondi pea kummardab.

Sellega, et Chatsky üksi jäi näidendis tegelaseks ja kõik teised olid kujundid, võib täitsa nõustuda. Ta on nende kummituste seas ainus päris inimene. Kuid selle Moskva unistuse tegelaste seas oli neid, kes jätsid rahulolematuse tunde. Seda noorust, mida Tšatskis nii hästi mõisteti, polnud Sofias (pr. Germanova) üldse. See ei olnud seitsmeteistkümneaastane tüdruk, kes oli just lapsepõlvest esile kerkinud, vaid täiesti küps naine, kahekümne viie aastane, väga kogenud, silmatorkav oma mõnevõrra raske idamaise iluga, sobides Judithi, kuid mitte Sofya figuuriga. Pavlovna.

Liza (pr. Lilina) oli jumestatud Venetsianovi maalide järgi ning tema nägu, liigutused, iga poos olid võluvad ja vaieldamatult ajaloolised, kuid tema toon, realistlik luule kõnelemismaneer riivas kõrva. Tahtsin mitte kuulata, vaid ainult vaadata ja imetleda.

Famusov (härra Stanislavski) tekitas väga keerulise, kuid lõpuks rahulolematu tunde. Hr Stanislavski oma pika, kõhna, sünge vanamehe meigis ning nuriseva ja pilkava tooniga andis oma sööbiva vanamehe sarkasmiga kuju, mis meenutas vana Jakovlevit (Herzeni isa). Aga teisalt oli ta pigem ametnik kui Moskva härrasmees ja kogu aeg mingis närvilises hüsteerilises agitatsioonis. Kuid üksikutes stseenides ja üksikutes sõnades oli nii palju arutlust ja erinevate klassikaliste lõikude täiesti uut tõlgendamist, et see pani sageli unustama näo närvilise grimassi.

Üldiselt tuleb välja tuua erakordne taktitunne, millega kõik esinejad lähenesid nendele tekstiosadele, mis said vanasõnadeks. Peaaegu iga koha jaoks leiutati midagi uut ja ennekõike oli see Famusovi rollis. Tuleb vaid märkida, kuidas Famusov lausus oma fraasid: "Ma ei kuula, ma olen kohtu all!" ja "Mida ütleb printsess Maria Aleksevna!" - või nagu Chatsky peaaegu sosinal omaette ütles: "Vanker mulle, vanker!" Ühtegi neist fraasidest ei räägitud eraldi, nagu neid tavaliselt hääldatakse, need kõik olid seotud tervikuga. Lisaks on teksti edukalt värskendatud algversioonide lisadega. Need tõid üllatuse ja värskuse kõigile peast tuntud koopiate sihvakatele nõudmistele.

Ülejäänud tegelased, nagu Skalozub (Leonidov), mille moodustavad Aleksei Petrovitš Jermolov, Molchalin

215 (Adashev), Platon Mihhalõtš ja tema naine (Gribunin ja Litovtseva), Petruška (Artem), Zagoretski (Moskvin), Repetilov (Luga) moodustasid näidendi täiesti tervikliku ja harmoonilise tausta, ühtlase ansambli, mille jaoks Moskva Kunstiteater on kuulus.

Woe from Wit’i lavastuses olid kõik tema plussid ja miinused ühtviisi eredad. Rollide individualiseerimise puudumine, mille pärast Kunstiteatrile tavaliselt ette heidetakse, on piiratud ja peitub tema doktriini tuumas. Ja kunstiteose õigeks hindamiseks on vaja, nagu Goethe nõuab, võtta selle looja seisukoht, mida me siin just tahtsimegi teha. Häda Witist saaks muidugi veel teisiti ja ilmselt isegi paremini lavastada, aga Moskva Kunstiteatri lavastus muutis vana klassikalise lavastuse paljudes selle põhijoontes enam vastuvõetamatuks. Chatsky roll sai meie aja jaoks uue ja minu arvates lõpliku tõlgenduse.

artikkel fundamentaalsest elektroonilisest raamatukogust feb-web.ru

Lavaelu "Häda teravmeelsusest"

1824. aastal valminud ja Gribojedovi eluajal vaid katkenditena avaldatud näidend ei lastud pikka aega lavale. Kui 1825. aastal valmistasid lavastuse ette ühe Peterburi kooli õpilased, siis kuberner M.A. Miloradovitš sekkus ja etendust ei toimunud. Detsembris 1829, pärast autori surma kasuetendusel, esitas näitlejanna M.I. Valberkhova mängis näidendi 1 vaatuse. Alates 7. fenomenist. 31. jaanuaril 1830 etendati komöödia 1. vaatus M.S. Shchepkin Moskva Suures Teatris. Suurepärane näitleja mängis Famusovit. Samal aastal lavastati 3. vaatus Peterburis ja Moskvas. Alles 1831. aastal kogu näidendi lavaletoomine. Aga tsensuuriga. Lavastus kujunes ootamatuks ja lavale ebatavaliseks. Ja väljaspool lava elas lavastus edasi. See algas Gribojedovi enda näidendi korduvatest lugemistest erinevates majades. Tuhandetes nimekirjades hakkas ta kogu Venemaal laiali minema. Komöödia tekst täitis kampaania üleskutsete eesmärki. Möödunud sajandi alguses oli Vl. I. Nemirovitš-Dantšenko kurdab, et nad mängivad Chatskit, koormavad tema kuvandit üle. Chatsky on komöödias ainus kangelaslik inimene. Komöödia kui dramaatiline looming taandus tagaplaanile. Armastuskogemused peatasid ainult I.V. Samarin, kes hakkas seda rolli täitma Moskvas 1839. aastal. Samoilova mängus pöörab Sofia Tšatski teravmeelsused kavalalt enda vastu. Aastal 1836 ei kehtinud enam keeld lavastada provintsi teatrites "Häda vaimukust". Aga sellest ei peetud lugu. Kiievi lavastused 1831, 1838. Kaasan 1836, 1840. Astrahan 1841. Harkov 1840, 1842. Odessa 1837. Tambov 1838. Kursk 1842. Selliste lavastustega kaasnesid hädad. 1850. aastal Kalugas näidend keelati. Omandihierarhilise süsteemi kokkuvarisemine kutsus esile uue mõtteviisi, elunähtuste range üksteisest eraldamise põhimõtte tagasilükkamise. Ja teatrietendust tajuti üha enam tervikliku organismina, mille “komponentide” sisemiselt siduv seos. Alates 1863. aastast käis etendus vabalt üle riigi. Esimest korda avaldati lavastaja partituur – V.I. Rodislavsky pakkus välja komöödia kolmanda vaatuse arenduse, kus näidendi sündmuste kulgemisse toodi tantsud. 1864. aastal kasutas seda partituuri Maly teater. 1960. aastad eraldasid reformieelse ajastu reformijärgsest ajast. Lavastust sai nähtud – minevik. Ja oli nõudmisi mängida lavastust iidsetes kostüümides. Esimene katse 1870. aastal Noble Clubi amatööretendusel. 1866. aastal loodi kostüümid 19. sajandi alguse ajakirjade järgi. 1864. aastal rõhutati Maly teatris Chatsky paatost. Näitleja N.E. Vilde kestis Chatsky rollis 1,5 kuud. Teda asendas S.V. Šumskaja. Ta hakkas mängima õnnetu armastuse tragöödiat. Etenduse keskmes on Sofia ja Chatsky stseenid. Kangelasi juhtis ainult süda. Inimese terviklikkust kogu 19. sajandi vältel kaitsesid vene klassikud. I.A. Gontšarov kõneles seoses etenduse esietendusega Aleksandrinski teatris näidendi terviklikkuse eest. 1906. aastal lavastas etenduse Kunstiteatris Nemirovitš-Dantšenko. Töötati välja psühholoogiline analüüs. Selleks ajaks õnnestus tragöödiatel-külalisesinejatel luua traditsioon mängida Chatsky rolli "väljaspool kodumaist arengut, väljaspool süžeed". Nii et nad mängisid Chatsky M.T. Ivanov-Kozelsky, M.V. Dalsky, P.V. Samoilov. Moskva Kunstiteater pidas suurt tähtsust iga teo, isegi iga tegelase liikumise motivatsioonile. Eeldati, et ka tsiviilpaatos saab uut jõudu ja pinnast. Näidendi rada oli nagu võitude ja kaotuste tee. 19. sajandi lõpuks taandus värsi hääldus lavalt retsiteerimiseks või jäeti tähelepanuta. Lahendust ei leidnud ka Moskva Kunstiteatri etendus. Lavastuste ajalugu avab hiljem V.E. Meyerhold 1928. temanimelises teatris. Chatsky tegutses sotsiaalse kurjuse süüdistajana. Autor pöördus tagasi algse pealkirja juurde "Häda mõistusele". Chatsky luges revolutsioonilist mustandluule. Sophia lähenes otsustavalt Molchalinile. Chatsky rolli mängis E.P. Garin. Siis K.P. Khokhlov. Meile lähim lavastus oli 1962. aastal Gorki Leningradi Draamateatris. Tovstonogov. Komöödiat pole palju aastaid kinodes näidatud. Ja tema lavale naasmisest teatati rangelt ja pidulikult. Etendus oli mõeldud vahetuks kontaktiks publikuga. Chatsky, mängib S.Yu. Jurski saabub Moskvasse täis lootust. Ja siis nägi ta vastaseid. Chatsky pöördus publiku poole mõistmise saamiseks. Molchalini esitab näitleja K.Yu. Lavrov selgitas palju. Sophiast on saanud dramaatiline inimene. Ta pandi näidendi keskmesse. Esineb T.V. Doronin. Kriitikud leidsid, et selline näidend on kaotanud oma põhikonflikti. Tulemas on ka teisi etendusi.

Teemal: metoodilised arendused, ettekanded ja märkmed

Lavalavastus "Mis on hea ja mis on halb"

Selle ürituse eesmärk on näidata halbade harjumuste negatiivset mõju inimese tervisele ja moraalsele iseloomule läbi satiiri ja huumori...

Episoodi tähendus. Lavatõlgenduse roll kujundi paljastamisel. Ettevalmistus kirjutamiseks – arutlused episoodi tähenduse üle. (N.V. Gogoli komöödia "Valitsuse inspektor" järgi: IV vaatus, javl. XII - XV)".

Eriti raske on ümber jutustada poeetilist või dramaatilist teost. Gogoli naeru taga on alati peegeldused, sest naljakas ja traagiline on alati olemas, lahutamatud. Seetõttu oleme koos...

"Õppetunni tehnoloogiline kaart - esietendus" Lavaline tõlgendus A. N. Ostrovski poeetilisest muinasjutust "Lumetüdruk" kooliteatris "OXYUMORON"

Elu mõtet kool muidugi ei õpeta – seda ei saa õpetada! - selle peab iga inimene iseseisvalt üles leidma. Kuid "juhiste seadmine" - teadmiste õpetamine ...

Näitlemise algõpetuse tund. Lavaline liikumine. "Lill - seitsme lilleline"

Tund "Lille-Semitsvetik" on teatristuudio sissejuhatav tund. Lapsed saavad teada. mis on teater, kui see ilmus, tutvu selle vormide mitmekesisusega....

Näitlemise algõpetuse tund. Lavaline liikumine. "Aus"

"Tund "Laat" on mõeldud lavalise liikumise treenimiseks. Lapsed, püüdes reprodutseerida erinevaid kujundeid, õpivad kujutama erinevat tüüpi inimesi ja loomade tegelasi. Mängu käigus arendab ...

Näitlemise põhialuste tund number 3. Lavakõne tehnika. Rollimäng "Rätsepa juures külas".

Tund on üles ehitatud rollimängu vormis. Tunnis osalejad etendavad stseeni linlaste saabumisest käsklustega Rätsepale....

A. S. Gribojedovi komöödia “Häda teravmeelsusest” on oma aja kirjanduses ja üldse vene kirjanduses erakordsel kohal. Ta peegeldas ajastu peamist poliitilist konflikti - ühiskonna konservatiivsete jõudude kokkupõrget uute inimeste ja uute suundumustega ning peegeldas seda kogu kire ja satiirilise jõuga.

Tšatski üllas kuju - mitte ükskõikne, aktiivne, võitlev - esindab sisuliselt dekabristi tüüpi või sellist inimest, kes oli valmis dekabristide ridadesse astuma. Aga ta on näidendis üksi ja võitleb siiani üksi. Chatsky vastandub Molchalinile - kui noore mehe teistsugusele käitumisviisile: väliselt korralik, tagasihoidlik, kuid sisuliselt alatu. Famusovit on kujutatud režiimi sõjaka esindaja ja "sambana". Skalozubi kuvandis on tembeldatud araktšeevismi - sõjalis-bürokraatliku riigi vastik toode. Famusovi tütar - Sofia - tegelane pole täiesti selge, põhjustades erinevaid tõlgendusi. Ta on ka toode, aga ka reaktsioonilise keskkonna ohver. Moskva reaktsioonilise aadli kollektiivse kuvandi moodustavad mitte ainult need ja teised lavale toodud komöödia põhinäod, vaid ka arvukad monoloogides ja repliikides mainitud põgusad kujundid: tühi "kirjanik" Foma Fomich, aadlik Tatjana. Pärisorjateatri omanik Jurjevna, kes müüs “ükshaaval” oma pärisorjatrupi maha

"Häda vaimukust" lavastuste ajalugu

Vene draamateatri teened ühiskonna järjestikuste põlvkondade poolt teose Woe from Wit ideoloogiliste ja kunstiliste saavutuste valdamisel on tohutud. Siin saab dramaatiline teos sellise tõlgendaja ja propagandisti, nagu romaanil pole. A. S. Gribojedov unistas komöödia trükkimisest ja selle laval lavaletoomisest. Kuid näidend on täis dekabristismi vastukaja: oleks olnud mõeldamatu, et see oleks 1825. aastal laval – see oleks olnud poliitiline meeleavaldus. Isegi teatrikooli õpilaste poolt autori osalusel koostatud amatöörlavastust ei lubatud. Alles 1829. aastal, Gribojedovi surma-aastal, viis aastat pärast kirjutamist, ilmus Peterburi lavale "Häda teravmeelsusest". Lõigu meelelahutuslik iseloom aitas tal peagi Moskva lavale ilmuda. "Woe from Wit" jõudis napilt lavale.

Alates 1830. aastatest kuni tänapäevani on komöödia olnud nii suurlinna- kui ka provintsiteatrite repertuaaris. Paljud kunstnikud said kuulsaks oma rollidega selles näidendis: M. S. Štšepkin, P. S. Motšalov, I. I. Sosnitski, I. V. Samarin, V. N. Davõdov, A. A. Yablochkina, O. O. Sadovskaja, V. N. Rõžova, A. P. Lenski, I. K. M. S. Stanlov ja A. K. S. Juzhin. teised.

1941. aasta jaanuaris meelitasid Leningradi Puškini teatris lavastajad N. S. Raševskaja ja L. S. Vivien sellised silmapaistvad kunstnikud nagu E. P. Kortšagina-Aleksandrovskaja, V. A. Michurina-Samoilova, nomineerisid noored esinejad: T. Alešina (Sofja), V. Merkuri. Etendust värskendati mõne uue misanstseeniga. Lavastus sisaldab palju episoode, mis on arendatud lähenedes sellele kõrgrealistlikule stiilile, milles Gribojedovi teos ise on loodud. Juubeliaastal 1945 vastas umbes nelikümmend teatrit Gribojedovi komöödia lavastustega. Tähtpäeva omapäraks oli mitmete rahvusteatrite kaasamine sellesse töösse.

Woe from Wit’i lavaelu esimestel aastatel valmistas näidendi lavastus lavastajatele ja kriitikutele vähe muret; näidend oli endiselt "kaasaegne", juttu polnud kostüümidest, grimmist, seadetest jne. Näitlejad lõid oma rollid värske legendi järgi, osaliselt autorilt endalt, Sosnitski, Štšepkini vahendusel. Oma mängus said nad otse kopeerida üht või teist elavat tüüpilist moskvalast. Arvustajad hindasid ainult esinejate andekuse astet. Hiljem, kui Gribojedovi kujutatud elukäik hakkas taanduma ajaloolisse minevikku, tõusis esikohale küsimus komöödia lavastamise ülesannetest; ta seostas end paratamatult kogu komöödia ja selle üksikute tegelaste uute ümberhinnangutega. "Häda vaimukust" lavale tulek tähistas revolutsiooni Vene teatri ajaloos. See kõrgrealism, mille poolest vene teater kuulsaks sai ja maailma kunstiajalukku sisenes, saab alguse lavastustest “Häda vaimukust”. Oma realismi jõul õpetas Woe from Wit näitlejaid ümber. Motšalov, kes alguses tõlgendas Chatskit Moliere’i misantroobi stiilis, muutus hiljem pehmemaks, lüürilisemaks ja lihtsamaks. Štšepkini realistlikul Famusovi lavastusel oli oma tähendusrikas ja pikk ajalugu. Psühholoogilise realismi tohutu võit oli kuulsa Moskva näitleja I. V. Samarini 1940. aastatel Tšatski rolli täitmine. Samarini loomingulisi saavutusi, mis mõjutasid Tšatski Peterburi esinejaid, tajusid ka teatrikriitikud.

A. S. Gribojedovi looming rikastas Vene lava oma kõrgete teenetega, aitas kaasa teatri pööramisele realismi teele. Lavastuse esteetilisi ja ideoloogilisi rikkusi oli teatril aga raske hallata ning need jõuti järk-järgult. Samuti oli komöödia tekstis teadaolevaid ebaselgusi, raskusi, isegi osalisi vastuolusid, mis tegid laval esinemise keeruliseks. Esimest korda lavale astudes põrkas Woe from Wit kokku vanade traditsioonidega, mis olid näitekirjaniku julgele uuendusele võõrad või vaenulikud. Tuli ületada mahajäämus ja inerts lavastus- ja näitlemismeetodites. Seevastu parimate esinejate ja lavastajate kõrged anded paljastasid särava teose aarded ja lõid järk-järgult rikkaliku lavakunsti traditsiooni.

Armastus "Häda vaimukust" vastu Venemaa ühiskonnas sai lavaajaloos kasulikuks teguriks; Võitluses tsensuuri vastu, "Woe from Wit" lavastamise administratsiooni vastu on teatritöötajad alati toetunud ühiskonnale, vaatajatele ja lugejatele.

Famusovi kuulus monotükk "Selle üle te kõik olete uhked!" - üks Famusovi sotsiaalsete ja eetiliste omaduste aluseid ja samal ajal - Katariina aja "üllas" aadlis. Ütlematagi selge, kui palju see tegi näitleja ülesande keeruliseks, kui palju rikkalikke võimalusi läks korraga hukka kunstiliseks kehastuseks intonatsioonides, näoilmetes, kogu näitleja näitlejatöös. Sama Famusovi koopiatest viskas teatritsensuur välja palju muid olulisi ja kaalukaid sõnu, näiteks:

Sergei Sergejevitš, ei! Kui kurjus peatada:

Võtke kõik raamatud ära, aga põletage need ära.

Tšatski ridades ja monoloogides tehti suuri erandeid. Kogu komöödia teatritekst jäi sandiks. Mitte ainult ei pehmendatud ega söövitatud välja sotsiaalpoliitilist satiiri, vaid kustutati isegi psühholoogilised ja igapäevased jooned. Niisiis ei olnud Famusovi järgmine eneseiseloomustus lubatud:

Vaadake mind: ma ei kiitle oma põhiseadusega;

Samas rõõmsameelne ja värske ning hallide juusteni elanud,

Vabad, lesed, ma olen oma peremees.

Klooster on tuntud oma käitumise poolest!.

Ja näitleja, kes teadis originaalset, täielikku Gribojedovi teksti, oli sunnitud publiku ees sõnadega lämbuma.

Sophia kuvandi kirjandus- ja lavalugu osutus keeruliseks. Paljude aastate ja isegi aastakümnete jooksul ei pakkunud Sophia rolli täitmine ühtegi näitlejannat ja see polnud õnnetus. Noor näitlejanna peaks mängima seitsmeteistkümneaastast Sophiat, kuid kõige kogenumalt, vanemalt näitlejalt nõutakse oskusi, kunstiküpsust ja läbimõeldust. Legendi järgi keeldusid mõned näitlejannad alguses Sophiat mängimast. Sophia kuvand, mis paljudele autoriteetsetele kirjandustundjatele ebaselgeks jäi, sisaldab keerulist ja rasket kombinatsiooni kolmest mõttereast: sügav, tugev, kuum olemus, väline raamatulik sentimentaalsus ja rikkuv sotsiaalne haridus. See kombinatsioon pärssis põhjalikult nii kriitikat kui ka lavastajaid ja rolli esitajaid.

Lisa roll on seotud traditsioonilise klassikalise prantsuse subreti rolliga. Gribojedovi komöödia eredate tüüpiliste tegelaste lavaline kehastus oli üliraske. Mõõtmatult lihtsam oli asendada lavalise tüpeerimise loomeülesanne elavate isikute, prototüüpide, originaalide mehaanilise kopeerimisega, mille otsimine siis minema kandus, või võrdsustada Gribojedovi kujundeid stereotüüpsete "rollidega". "Häda teravmeelsusest" aitas kaasa pöördepunktile lavalise loovuse tehnikates. Lavastuse tegelased olid sedavõrd kunstiliselt arendatud, et andekas näitleja sai võimaluse esile tõsta "teise-" või "kolmandajärgulist" rolli. Nii jõudsid esimestel etendustel edasi Gorichi abikaasade esinejad, Repetilov - I. I. Sosnitsky, Skalozub - P. V. Orlov, hiljem - krahvinna-vanaema - O. O. Sadovskaja.

Tõeliselt Gribojedovi teksti hoolikas lugemine annab juba iseenesest nii lavastajale kui ka näitlejale kõik, mis on näidendi lavaliseks teostuseks hädavajalik. Samuti on teatris hästi arenenud biograafilised, ajaloolised, ajaloolised ja kodumaised, ajaloolised ja teatrimaterjalid. Teatri erikirjandus teemal "Häda teravmeelsusest" on sama rikkalik kui mis tahes muu vene draama meistriteoste lavastamise erikirjandus. Nüüd on igal uuel Famusovi, Chatsky, Sofia, Molchalini, Lisa, Skalozubi rollide esitajal suur teatrikogemuse ja teatrimõtte pärand.

"Häda teravmeelsusest" tänapäeva laval

2000. aastal lavastati Moskva Maly teatris Sergei Ženovatši lavastatud etendus. Tahtlik askeetlikkus laval, püüdlus igati autorimaterjali säilitada, mitte suhtuda sellesse, hoomamatu mitteagressiivne režii on märgid uuest lavastusest. Maly repertuaaris olev Ženovitši "Woe from Wit" näeb välja nagu "tükk avangardist". Kasvõi juba sellepärast, et teater pole laval sellist vaesust näinud: ei elegantset interjööri, ei mingit elustiili; esiplaanil - maja sümbolina kõrge pliit ja diivan, tagaplaanil kolm-neli tooli samast komplektist. Ülejäänud ruumi täidavad laiad tasapinnalised tasapinnad, liikudes kohati lava taga, kohati moodustades tinglike uste ja seinte geomeetria.

Esimene vaatus kuulub täielikult Juri Solominile Famusovi rollis. Ei isa, ei paksupäine loll, ei Moskva aadlik - selle Famusovi kindlas turvis, tema liigutuste kiiruses on märgata "Suvorovi" juuretise pensionil ohvitseri kannatlikkust. Vormis, saledale lesknaisele Famusovile meeldib oma majas peremees olla. Tema hoolitsetud sõrmuse käes on valge pitsist taskurätik - ja ta keerutab seda nagu ohvitserikinnas, jagades korraldusi, julgustades, halastades ja karistades. Mitte mingil juhul pole ta martinet ja mitte sõdalane, pigem on ta "sõdurite isa", harjunud olema kergesti alluv ja isegi armastatud.

Hommikune sagimine tüütab teda, nii nagu mõnikord tüütab tema tütar Sophia (Irina Leonova). Ta püüab asendada tema ema (ja selles soovis on ilmselt vajalik liigutav "inimene" Solomini esituses), kuid ta ei tea, kuidas, ei tea, kuidas. Ja vihane, et see ei tööta. Monoloogi "Kuznetski sillast ja igavestest prantslastest" lausub Famusov, vihkades kogu seda koketeerimise, afektimaailma; tema jaoks on need naiste nipid. Ühise elu maalib ta Petruškaga oma kalendrisse samamoodi nagu koolilapsed rivistavad vihikuid - väsitav, igav, aga vajalik. Famusov tunneb sama oma tütre vastu – temaga tuleb pidevalt tegeleda; "emadus" on tema jaoks väga väsitav. Ta kohtleb Chatskyt nagu tolmutükki - kuigi seda on vastik puudutada, peate selle maha kummardama ja puhastama, voodi alla panema. Ja seetõttu valmistab Famusovi lõplik kättemaks mõlemale tõelist rõõmu; sulastega tegeleb ta isalikult - lööb rusikaga pähe, paneb põlvili, lapitekib taskurätikuga. Väsinult hüüab Sophiale: "Kõrbesesse! Sa-ra-tovisse!" - ja torkab nimetissõrmega kuhugi allapoole, aina sügavamale maasse.

Famusov ei märka elu keerukust, ta on valmis tütrele prantsuse romaani kombel ette heitma armuseiklust, kuigi Sophia hinges mängitakse läbi peaaegu iidne tragöödia. Tema jaoks on pagulus Saraatovisse tõeline rõõm, klooster, kus saatusliku vea korral on lihtsam üle elada. Ta ise tahab end karistada oma pimeduse ja aeglase taiplikkuse eest.

Lavastuse peategelaste suhetes valitsev traagiline pinge on nii suur ja põnev, et ballistseeni on siin vaja vaid emotsionaalse hingetõmbena, koomilise vahepalana. Pavlov Zagoretski, Pankovi ja Kajurovi rollis - Tugoukhovsky, Eremeeva - krahvinna Hrjumina. Balli peategelane – Khlestova – Elina Bystritskaja – kerkib lava tagant välja võiduka kuningannana, kelle juustesse on kootud pehmed siidsuled. Tema käitumine, kehapöörded, käteliigutused, näoilmete muutumine – rafineeritud stiil "isekandmine", mis on omane nii tegelasele kui näitlejannale.

Tšatskit mängis Gleb Podgorodinsky. Tema Chatsky on vaikne, peaaegu märkamatu – üleni musta riietatuna näeb ta välja nagu tume laik, vari lavakaadrite monokromaatilisel taustal. Teda ei kuulata, välditakse, tal pole eduvõimalusi. Tänu sellele ebaefektiivsusele, hääletusele tundub Podgorodinski Tšatski vastupidiselt kõikidele teooriatele tark: ta räägib oma arvamust. Chatsky pole sellest maailmast pärit. Podgorodinski esituses kõlab ühtäkki võimsaim monoloog "Prantslane Bordeauxist, rinnust punnis." Toolil istudes ja otse saali vaadates ütleb ta sügava, peaaegu enesetapuliku meeleheitega: "Moskva ja Peterburi – kokkuvõttes Venemaa, / et inimene Bordeaux linnast / ainult suu avas, tal on õnn / inspireerib osalema kõigis printsessides.

Riigimees Tšatski (sarnane siin riigimees Gribojedoviga), kes mõtleb ja teab rohkem Venemaa välis- ja sisepoliitikast kui ühiskonna käitumisseadustest, ei tunnusta Moskvas Moskvat, nagu ei näe temas kunagist armastust. Sophia. Ta näeb kobedat, loid, tähtsusetut maad, kus kõik on kellegi teise, mitte meie oma.

Yu. Ljubimov lavastas Taganka teatris oma 90. sünnipäevaks “Woe from Wit” (2008). "Kui tunnete puudust vene klassikast, kuid soovite tunda sõõmu värsket õhku ja olla üllatunud juba kaugele reisitute ootamatust uudsusest, siis olete siin," kirjutab Dmitri Romendik. Kriitik märgib laval toimuva värskust, kergust, õhulisust ja graatsilisust. Lavastaja tuletab meelde, et vaatamata püstitatud küsimuste tõsidusele ja pikaealisusele on Gribojedovi meistriteos siiski ja ilmselt ennekõike komöödia. Ta ei karda naeru ja julgustab meid naerma, sest naer on võimas puhastav element, milles peab hävima kõik ebaehtne, inertne ja vananenud ning elujõuline, kes on naerust läbi käinud, vastupidi, ärkab ellu ja särab uued värvid.

Tegelasi esitatakse täpselt varjudena, siluettidena. Famusov, Skalozub, Molchalin, balli külalised on nii äratuntavad, nii “kujunenud” aastatepikkuse teatriajaloo järgi ja lapsepõlvest meie teadvusesse sisse ehitatud, et neid on juba võimatu kujutada elavate inimestena ilma iroonilise distantsita. Näeme meie ees “Famusovit”, “Skalozubit”, “Vürst Tugoukhovskyt”, “Krahvinna Hryuminat” ja tundub, et järgmise minuti pärast - ja kõik nad kaotavad justkui võluväel mahu, kaalu, muutuvad lamedaks. . Muidugi paistab sellel eluta taustal silma Chatsky, kes iseseisvalt mõtleva inimesena ei sulandu keskkonda. Näitleja Timur Badalbeyli mängib teda psühholoogilise motivatsiooniga. Pole juhus, et kunstniku välimusele omistati sarnasusi Aleksander Sergejevitš Gribojedoviga. Sophia, kelle hing Chatsky püüab Famuse ja Silenti seast tagasi võita, balansseerib käegakatsutavalt nende varjulisuse ja tema animatsiooni piiril ehk kahe maailma vahel. Nagu teisedki näidendi naistegelased, pani kaval lavastaja Sophiale (Elizaveta Levashova) jalga pointe kingad ja andis tema pildile keeruka koreograafilise mustri. Selles esituses on palju muusikat (lisaks A. S. Gribojedovi enda muusikale I. Stravinski, F. Chopini, G. Mahleri, V. Martõnovi teosed).

Asjakohasus, mis ülistas Ljubimovit 80ndatel, ei vea teda praegu alt: tema "Häda vaimukust" on hiilgav satiiriline illustratsioon tänapäevast. Siin levivad kuulujutud Chatsky hullusest musta PR seaduste järgi: nii selgub, et isegi sõbrad leiavad temas idioodi jooni. Selles kaasaegses reaalsuses on teravalt mõtlemise ja hetkeolukorra analüüsimise oskus uskumatult nõutud. Chatsky ei näe enam välja nagu omaenda kaustlikkuse ohver, vaid meie sajandi kangelane – loov või juht, kelle jaoks on skandaal tõhus viis reklaamida. Oma intellektuaalset üleolekut nautides käitub ta nii enesekindlalt, et tekib kahtlus, et tal ei olnud oma kolmeaastasel eksirännakul aega kuskil New Yorgi börsil aktsiisimaaklerina töötada. Ja kui Chatskyle finaalis vankrit pakutakse, siis tundub, et talle serveeritakse vähemalt Porschet või isegi Ferrarit.

Sovremenniku teatris tuuakse ka lavastust "Häda vaimukust". Asjaolu, et see teos on lavastatud Sovremennikus, ütleb meile, et häda teravmeelsusest jääb aktuaalseks, kaasaegseks ka tänapäeval. Tuntud Leedu lavastaja Rimas Tuminase lavastus tekitas suuri poleemikat ega leidnud üheselt vastuvõttu. Peaosades mängivad tuntud artistid Sergei Garmaš (Famusov), Marina Aleksandrovna (Sofja), Daria Belousova (Lisa), Vladislav Vetrov (Molchalin), Ivan Stebunov (Tšatski) jt.

Grigori Zaslavski kirjutab 13. detsembril 2007 ajakirjas Nezavisimaya Gazeta: "Režissöör lühendas otsustavalt, võib isegi öelda, jõhkralt maha suruda õpiku teksti." Kriitik esitab etenduse üsna karmilt: „Kindlasti on võimatu, et „Woe from Wit“ ei peaks olema ei Sophiat ega Chatskyt. Vahepeal jäid esilinastusel mõlemad eredalt kirjutatud Famusovi (Sergei Garmaš) varju. Peategelane on muidugi Famusov, aga ka Chatsky ja Sophia pole episoodilised tegelased. Ja siin ei saa nende kohta tegelikult midagi erilist öelda. Ei midagi head. Sofia (Marina Alexandrova) on muidugi kaunitar, aga niipea, kui ta rääkima hakkab, kaob võlu kuhugi ja hääbub peagi. Plastikus on see peaaegu täiuslik, ühesõnaga - paraku. Tšatski (Ivan Stebunov) karjub palju ja kuigi tema roll moodustab tubli poole kõigist lavastajafantaasiatest, on neis siiski näha mõningast näitlejakogenematust või ebaküpsust. Võib-olla rolli ebaküpsus. Tuminase esituse üks põhilisi eeldusi on aga see, et Famusova ja Sofia ja Sasha (Aleksandr Andreyich Chatsky) on mõlemad nagu oma lapsed ning talle on kurb, et Tšatski on selline kloun, pätt ja üsna ebatervislik.

Kuid kuidas kriitikud Sovremenniku uuslavastust ka ei võtaks, märgivad peaaegu kõik, et Rimas Tuminase lavastus ei jäta kedagi ükskõikseks.

Marina Zayonts kirjutab 24. detsembril 2007 väljaandes "Itogi": "Viimasel ajal on enamik nähtud etendusi, halbu ja keskmisi, korralikke ja mitte väga, silmapilkselt meelest läinud. Nad ei klammerdu millegi külge. Neis pole elavat elu, kõik on tuttav, tuttav, kustutatud ja meeleheiteni igav. Ja kaasaegne esitus, nii ja naa, kohmakas, seda ei saa peast välja, see tegi väga haiget. Las keegi on nördinud, sunnitud vihastama - need on ju tunded, mis on elusad, põnevad, sündinud siin ja praegu. Teater on aegade algusest nende põhjal tehtud ja me hakkasime võõrutama. Kirjanik Gribojedovi dramaatiline värssteos "Häda vaimukust" - me kõik saame koheselt standardpiltideks. Koolis saadi läbi, süüdistavad monoloogid jäeti pähe. Me kõik teame "miljonist piinast" ja Famusovi Moskvast, olles mures "mida ütleb printsess Marya Aleksevna!" Nõukogude koolis õppis ka Rimas Tuminas ja umbes viis minutit hiljem on dekabrist Chatsky kursis ja paigalseisvast feodaalist Famusovist. Tundub, et sellest ajast saadik on ta kogu sellest raipest haige. Vähemalt on tema esitus aktiivses vastuolus traditsiooniga (loe, klišeede), võitlus naha maharebimiseni, verevalamiseni. Nii palju, et tuntud, vanasõnadeks ja kõnekäändudeks rebitud esseed praegu ära tunda ei saa. Ja seda ei tasu proovida."

Vladimir Putin külastas teatrit Sovremennik ja oli kulisside taga nördinud Tšatski "nõrkuse" üle Rimas Tuminase tõlgenduses ja näitleja Ivan Stebunovi esituses. Venemaa riigipea sõnul on Tšatski "tugev mees" ega tohiks nutta.

„Tõevõitleja Tšatski ja valgustaja Tšatski“ tõlgendust kritiseerisid Gribojedovi kaasaegsed, sealhulgas Aleksandr Sergejevitš Puškin, kes kirjutas Bestuževile saadetud kirjas: „Esimene märk intelligentsest inimesest on esmapilgul teada, kes sa oled. tegeleda ja mitte loopida Repetilovide jms pärleid ette. »

Vladimir Putin märkis: „Ma ei karda siin näida mitteprofessionaalina, sest ma olen mitteprofessionaal, aga miks sa talle, Tšatskile, algusest peale nutmas näitasid? Kohe jääb mulje, et ta on nõrk inimene. Režissöör meenutas oma tõlgendusest rääkides, et Chatsky oli sugulasteta jäänud orb. See argument presidenti aga ei rahuldanud: «Kardan eksida, aga Aleksandr Matrosov oli samuti orb, aga ta kattis ambrasuuri endaga. Ta on tugev mees."

Putini tõlgendus Tšatskist kui tugevast tõesõjalasest, kes läheb vastu inertsele maailmale, on võetud otse nõukogude kooliõpikutest. Selles kehastuses on "Chatsky kahtlemata arenenud ühiskonna esindaja, inimesed, kes ei taha leppida jäänustega, reaktsiooniliste käskudega ja võitlevad nendega aktiivselt."

Eelmise Sovremenniku laval «Häda vaimukust» lavastuse lavastaja Oleg Efremov pidas sellist nägemust naiivseks ja nõrgaks.

Pjotr Vail ja Aleksander Genis nõustuvad sellega: „Kui Tšatski on loll, on kõik korras. Nii peabki olema: sügavust ja jõudu täis inimene ei tohiks pikkade sõnavõttude peale aeg-ajalt psühhopaatiliselt välja murda, lakkamatult sõnamäng ja tähelepanu vääritute teemade üle nalja heita.

Järeldus.

Kaasaegsete lavastajate kuulsa näidendi tõlgendusega võib nõustuda või mitte nõustuda. Üks on kindel: A. S. Gribojedovi komöödia “Häda vaimukust” on surematu, kui paneb meie kaasaegsed, 21. sajandi esindajad mõtlema, kannatama, vaidlema.

Griboedov hakkas oma komöödiat aadli salongides lugema juba 1823. aastal, äratades sellega kõigi tähelepanu. Seejärel, 1824. aastal, jätkas ta avalikke ettelugemisi Peterburis, taotledes samal ajal luba selle lavastamiseks. Kuid tema tekitatud segadus äratas kahtlust: Moskva teatrite direktor Kokošin ütles Moskva kindralkuberner Golitsõnile, et see on "otsene laim Moskva vastu". Ja komöödia ilmus ainult fragmentidena 1825. aastal.

Peterburis õnnestus Karatõgini ja Grigorjevi eestvõttel teatrikooli õpilastel lavastada komöödia. Kuid selle mängimine avalikkuse ees oli rangelt keelatud.

Alles 1828. aastal nägi Griboedov oma komöödiat esimest korda Kaukaasias laval; seda mängiti Erivanis, mille Vene väed olid just vallutanud, Sardiinia palees a 2. jalaväediviisi kiirohvitserid. See oli amatööretendus.

1829. aastal Griboedov tapeti Teheranis. Avalikkuse tähelepanu poeedi traagilisele surmale sundis valitsust näidendi keelustamisest loobuma ning 2. detsembril 1829 mängiti Peterburis Suures Teatris esimest korda ühte stseeni esimesest vaatusest. Sosnitski mängis Tšatskit, Boretski mängis Famusovit. See stseen oli lavastatud divertismentina pärast viievaatuselist tragöödiat. ( Vene teatris säilis pikki aastakümneid traditsioon, kui viievaatuselise etenduse järel anti divertiseeringuna vodevill või stseen komöödiast).

1830. aastal mängiti ka III vaatust divertismentina (ball Famusovi juures). Siis mängiti samal aastal Peterburis Maly teatris divertismentina (balli järel sõitmine) ka neljandat vaatust.

Ja alles 26. jaanuaril 1831 näitleja Brjanski kasuetendusel esimest korda mängiti kõik komöödia, kuigi see oli kärbete ja tsensuuriga moonutatud. Tšatskit mängis V. Karatõgin, Sofjat - E. Semenova, Repetilovit - Sosnitski. Karatõgin mängis Tšatskit "antiigi teatrikangelase" arhailis-klassitsistlikus stiilis.

Samal ajal ja samal viisil tungis komöödia ka Moskva lavale. 27. novembril 1831 toimus Maly teatris esietendus. Tšatskit mängis P. Mochalov, Famusovit - M. Štšepkin. Štšepkini mängus sattus näidendi realistlik algus teatrirutiiniga vastuollu, ta lõi kuvandi suurest süüdistavast jõust. Ja Mochalov edastas Chatsky kodanikupaatost entusiastlikult ja ilmekalt. Alates 1839. aastast hakkas I. Samarin mängima Chatskit. Tema esituses saavutati harmooniline kombinatsioon Chatsky avalikust ja isiklikust draamast.

Provintsi teatrites ei lubatud lavastust "Häda teravmeelsusest".

Chatsky kuju tõlgendamisest laval

Kuni 1860. aastateni Chatsky rolli esitajad seadsid esikohale ajakirjanduslikud hetked ning välja on kujunenud traditsioon mängida Chatsky rolli Famuse ühiskonna süüdistajana.

1864. aastal mängis Moskva Maly teatri näitleja S.V. Shumsky esimest korda esitage küsimus teistmoodi: te ei saa Chatskyt teha ainult ühiskonna kommete süüdistajaks, seetõttu muutub ta kiduraks. Ainult monoloogide oskuslikku hääldamist on võimatu nõuda. Chatsky on noormees, kes on Sophiasse kirglikult armunud ja teeb kõik, et tekitada temas vastastikuseid tundeid. Ta kannatab sügavalt armastuse all. Nii püüdis Shumsky murda Chatsky esinemise traditsiooni. Tema Chatsky muutus "inimlikumaks". See aga näitas teist äärmust: komöödia süüdistav pool kadus. See Tšatski tõlgendamise traditsioon püsis kuni 20. sajandi alguseni. Nii mängis Tšatski Maly teatris Lenski, Gorev, Ostužev, P. Sadovski (lapselaps). Ja Aleksandrinskis - Maksimov, Dolmatov.

1906. aastal lavastati Moskva Kunstiteatris "Woe from Wit". Tšatski tõlgenduse kohta kirjutas Nemirovitš-Dantšenko, et Tšatski on peamiselt armunud noormees. Hiljem saab temast isegi vastu tahtmist süüdistaja.

Hiljem, juba nõukogude laval, püstitati ülesandeks isikliku draama ja sotsiaalse võitluse elementide orgaaniline ühendamine Chatsky kuvandis. See Chatsky tõlgendamise traditsioon säilis kuni 20. sajandi keskpaigani.

Kahtlemata pakub huvi Vs.E. komöödia "Häda vaimukust" lavastus. Meyerhold (näidendi "Häda nutikusele" esimene trükk - 1928, teine trükk - 1935). Raskus seisnes selles, et näidend oli juba omandanud tiivuliste sõnade, lemmikütluste ja ütluste kogumi iseloomu, muutunud iganenud ajastu muuseumipildiks. Ja ma tahtsin naasta tema luule juurde, elava elu juurde, mis oli täis valu, mõtteid, viha, armastust, pettumusi, inimliku mõtlemise julgust ja tundejõudu. Meyerhold püüdis komöödia tõlgendamise traditsioonist eemalduda. Näidendi lugemisel tutvustas ta oma temperamendile iseloomulikke avastusi, arusaamu ja oletusi, kunstilise nägemuse sügavust ja teravust.

Ta jagas neljavaatuselise komöödia teksti 17 episoodiks; kanoonilisse teksti sisse toodud näidendi originaalväljaannete vahetükid ja meelevaldsed lõiked; etendustes mängis olulist ja aktiivset rolli muusika, mis ei olnud ainult taustaks, vaid mõjus ka tegelasena. Rollide jaotus šokeeris ka kaasaegseid: Chatskit mängis koomiline näitleja Erast Garin (roll - lihtlabas).

Siin on mõned episoodid, mille Meyerhold etenduses tutvustas: “Kõrts”, “Eestuba”, “Tantsutund”, “Portree”, “Diivan”, “Raamatukogu ja piljardisaal”, “Tir”, “Ülemine vestibüül”, “Söögituba”, “Kamin”, “Redel” jne. Tegevus toimus nii Famusovi suure maja erinevates osades kui ka väljaspool seda (“Suvikõrvits”, kus husaarid joovad, “Tir”). Raamatukogus loeti vabadust armastavaid luuletusi, pubis Molchalin, Sofia kuulas Repetilovi seltsis Pariisi laule - need ja teised episoodid maalisid pildi ajastu elust.

Ja etenduse nimi on "Häda mõistusele". See ei ole Meyerholdi leiutis, vaid versioon Gribojedovist endast. Chatsky - Garin väljendas komöödia lüürilist ja dramaatilist joont suuremal määral kui satiirilist, süüdistavat, mille pärast kriitikud Meyerholdile ette heitsid. Kuid tegelikult oli see režissööri peamine avastus: ülemeelik poiss, mitte tribüün! Ta nägi Chatskis lüürilist kangelast. Ja Molchalin – näitleja Mukhin – on pikk, uhke, oskab kanda frakki. Selline tegelaste kõrvutamine oli ootamatu, kuid just see on Meyerholdi tõlgenduses huvitav. Chatsky on üksi. Ja sellele ei vastandu mitte lagunev, lagunev, jõuetu maailm, vaid maailm, mis on täis elavat mahla, tugevaid traditsioone, maailm, mis on kindel oma olemasolu kõigutamatus kindluses. Kõik Chatsky vastased "ravitakse terveks" lavastamisega. See on Famusov ja Skalozub, Molchalin ja isegi Khlestova. Nende maailma eitamine tundub neile haigusena, hullumeelsusena ja Chatsky tundub neile ekstsentriline. Tšatski hullumeelsuse kohta kasvavate kuulujuttude stseen oli üles ehitatud nii. Laval portaalist portaali on laud, kus Famusovi külalised õhtust söövad. Laua erinevates nurkades kõlavad ühed ja samad tekstikillud, kõmu kordub, varieerub, hõljub ja haarab aina uusi külalisi ning selle arendust juhib laua keskel istuv Famusov. See kulminatsioonistseen on üles ehitatud muusikalise teema kasvuseaduste järgi. Esiplaanile ilmunud Chatsky mõistab, et on sattunud valesse kohta; see näriv külaliste mass, justkui närides, ajab ta lavalt minema. Ja on arusaadav, miks päevasündmustest täiesti kurnatud Chatsky etenduse lõpus vaikselt, peaaegu sosinal ütleb: "Vanker mulle, vanker ...".

Etendus ei leidnud kriitikute poolt head vastuvõttu. Esimesed etteasted olid ebaühtlased, kuid etenduselt muutus ta saledamaks, kompositsioonilt rangemaks ning lõpuks saavutas publiku seas väljateenitud edu. (Sellest esitusest lähemalt raamatus: A. Gladkov. Meyerhold, köide 1. - M .: STD, 1990).

Pärast seda lavastust pöördusid teatrid korduvalt komöödia poole. Kuid selle tõlgendused jäid sotsiaalse optimismi traditsioonidesse ja Chatsky tõusis taas Famuse ühiskonna süüdistaja kothurnadele.

Kuid 1962. aastal Leningradis Suures Draamateatris G.A. Tovstonogov lavastas "Häda vaimukust" ebatraditsiooniliselt. Esialgu üllatas rollide jaotus: Tšatski - S. Jurski, Molchalin - K. Lavrov, Sofia - T. Doronina, Lizanka, neiu - L. Makarova, Famusov - V. Politseymako, Repetilov - V. Strželtšik jne. . Ja seal oli veel üks tegelane - "teatri nägu" (S. Karnovich-Valois). See tegelane alustas näidendit näitlejate tutvustamisega. Ta lõpetas etenduse, kuulutades pidulikult: "Etendus on läbi." “Nägu teatrist” rõhutas toimuva teatraalsust, tuletas meelde, et oled teatris kohal ja laval toimuvat lahutab praegusest ajast suur vahemaa. Ja kõik, mis etenduses toimus, peegeldas täpselt Gribojedovi ajastut - kostüümides, rekvisiite, seades, etiketis. Ja ometi oli see terav kaasaegne esitus. (Sellest lähemalt raamatus: Yu. Rõbakov. G.A. Tovstonogov. Lavastamise probleemid. - Leningradi kunstiharu, 1977, lk 85-95)

Peterburis õnnestus Karatõgini ja Grigorjevi eestvõttel teatrikooli õpilastel lavastada komöödia. Kuid selle mängimine avalikkuse ees oli rangelt keelatud.

1830. aastal mängiti ka III vaatust divertismentina (ball Famusovi juures). Siis mängiti samal aastal Peterburis Maly teatris divertismentina (balli järel sõitmine) ka neljandat vaatust.

Provintsi teatrites ei lubatud lavastust "Häda teravmeelsusest".

Chatsky kuju tõlgendamisest laval

Kuni 1860. aastateni Chatsky rolli esitajad seadsid esikohale ajakirjanduslikud hetked ning välja on kujunenud traditsioon mängida Chatsky rolli Famuse ühiskonna süüdistajana.