Voi Wit Modern Productionsilta. Teoksen "voi nokkeluudesta" lavastus lavalla. Lavatarina "Voi nokkeluudesta"

Lavatarina "Voi nokkeluudesta"

Näytelmän ensimmäiset esitykset

Jerevanissa, joka vapautettiin vuonna 1827, lavastettiin ensimmäisen kerran A. S. Griboyedovin loistava teos ”Voi nokkeluudesta”. Lisäksi kirjoittajan läsnäollessa.

Tiedetään, että Gribojedovin pyyntöä näytelmän näyttämisestä venäläisissä teattereissa ei hyväksytty, koska he näkivät siinä "Moskovan herjauksen". Erilainen tilanne on kehittynyt äskettäin liitetyillä Armenian alueilla. Korkeasti koulutetut upseerit, mukaan lukien maanpaossa olevat dekabristit, palvelivat Jerevanin varuskunnassa, jota johti kenraali A. Krasovski. Rauhallinen ajanjakso, tauko vihollisuuksista mahdollisti Melpomenen innokkaiden fanien piirin muodostamisen. Sekä tuttavuus kuolemattoman komedian kirjoittajan kanssa että kaipaus suloiseen kotimaahan olivat roolinsa. Esitys pidettiin joulukuussa Sardarin palatsin peilisalissa. Sen kuvaus sisältyy Gribojedovin matkamuistiinpanoihin hänen ensimmäisestä Jerevanin vierailustaan: "Halli on suuri, lattiaa peittävät kalliit kuviolliset matot... kupera katto edustaa peilipalojen kaaosta... Kaikilla seinillä, kahdessa rivissä, päällekkäin, on maalauksia - seikkailuja Rostom."

Näytelmän esiintyjät kutsuivat kuuluisan kirjailijan arvioimaan teoksen laatua, "mitä hän huomaa menestyneenä ja epäonnistuneena suorituksessa". Tarjous hyväksyttiin "ja hän varmisti ilmaista mielipiteensä."

Teatteripiirin toiminta oli pysyvää. "Woe from Wit" -elokuvan tuotantoon liittyi ohjelmiston laajentaminen, suunnittelun parantaminen ja suoritustason nousu. Dekabristin E. E. Lachinovin "tunnustuksessa", päivämäärällä 7. helmikuuta 1828. huomioitu: " Teatterimme paranee tunti kerrallaan: maisemia lisätään, vaatekaappi käynnistetään; ja mitä tulee näyttelijöihin, Moskovan teatterin ystävät olisivat huutaneet hurrauksia useammin kuin kerran, jos heillä olisi sellainen. Viimeiset esitykset olivat erittäin hyviä, ja seuraava on parempi."

Maslenitsassa esitettiin "otteita venäläisten kirjailijoiden parhaista runokomedioista". Kiehtovuus teatteria kohtaan oli endeemistä, ja se kattoi esitysten osallistujien virallisen ajan. Tämän todistaa I. F. Paskevichin 17. maaliskuuta päivätty raportti kenraaliesikunnan päällikölle, kreivi I. I. Dibichille. Tarkastuksesta raportoidessaan hän huomautti mm. ”Erivaniin avattiin teatteri, jossa upseerit esittivät näyttelijöitä jopa vartioaseman aikana. Hän tiesi tämän olevan sääntöjen vastaista, joten hän kielsi sen ankarasti.

Teatterin upseerit tarkoittivat korkean koulutuksen ja hyvin luettujen esiintyjien läsnäoloa. Tästä syystä kiinnostus "komediaa jakeessa" kohtaan on selvä. Suosittuja venäläisten koulutettujen piirien keskuudessa olivat Aleksanteri Šahovskin näytelmät "Jos et pidä - älä kuuntele, mutta älä häiritse valehtelemista" ja "Oma perhe tai naimisissa oleva morsian". Viimeisessä työssä yksittäiset kohtaukset kirjoittivat Griboyedov ja N.I. Khmelnitsky. Hmelnytskyn komedia "Castles in the Air" oli melko kuuluisa. Mutta tuotantojen palmu annettiin Griboyedoville. Samaan aikaan hän sai valmiiksi näytelmän "Rodamist ja Zenobia". Poliittiset intohimot Rooma-Armenia-Parthia-kolmiossa ensimmäisellä vuosisadalla, traagiset persoonallisuudet ja "suuren miehen" toiminta muodostivat juonen perustan. Historiallisen kankaan tarjosivat Movses Khorenatsin teokset "Armenian historia" ja Shagen Jrpet "Utelias otteita Aasian muinaisesta historiasta". Näytelmä heijasti Griboedovin tutustumista armenialaisten henkisiin arvoihin, ja Armavir on toiminnan näyttämö.

Voit nimetä useita teatteriryhmän jäseniä, jotka ovat peräisin Paskevitšin raportin ajoilta. Nimitetty helmikuussa 1828. Jerevanin linnoituksen päämiehen avustajana dekabristi A.S. Gangeblov todistaa muistelmissaan: "Pitkän vaeltelevan elämän jälkeen Erivan vaikutti minusta pääkaupungilta ... He tutkivat kirjallisuutta: joten eräänä iltana, piirimme yleisen toiveen mukaisesti, minä ja Filosofov luimme Woe from Wit -kirjan, jonka tein takaisin. Pietarissa, pian sen jälkeen, kun Gribojedov itse luki (kuten he sanoivat, ensimmäistä kertaa) tämän Fjodor Petrovitš Lvovin teoksensa.
Seurueen toiminnan pysäytti paitsi Paskevitšin kielto myös Venäjän ja Turkin sodan puhkeaminen.

Upseeri-dekabristiteatterin osallistujat pyysivät liittyä armeijaan. Teatralinen intohimo, Gribojedovin töiden ihailu vaihtui kiihkeisiin sotilaallisiin taisteluihin: Gangeblov, Konovnitsyn, Lachinov ja eversti Koshkarev osallistuivat Karsin linnoituksen hyökkäykseen 23.6.1828. Näytelmän "Voi nokkeluudesta" myöhempiä tuotantoja suoritti Griboedovin appi, prinssi Aleksander Chavchavadze Tiflis-armenialaisen teologisen seminaarin salissa 26. tammikuuta 1831, sitten Pietarin näyttämöllä.

Maly-teatteri ja kuolematon komedia.

1800-luvulta nykypäivään"Voe from Wit" -elokuvan suosituimmat ja kuuluisimmat tuotannot ovat Maly-teatterin tuotanto.

Vuonna 1830 sensuuri salli näytelmän vain tiettyjen kohtausten esittämisen, josta tuli tärkeä tapahtuma Malyn elämässä, ja vuonna 1831 Moskova näki sen kokonaisuudessaan ensimmäistä kertaa. Esitykseen osallistui kaksi Moskovan lavan suurta mestaria - Shchepkin Famusovin roolissa ja Mochalov Chatskyn roolissa.

Maly-teatterin taiteilijat, jotka näyttelivät rooleja Griboedovin näytelmässä:

M. Tsarev - Chatsky, I. Likso - Sofia.

M. Tsarev - Chatsky (1938)

M. Klimov Famusovina

Vitaly Solomin Chatskyna

Tuotanto "Woe from Wit", jossa Vitaly Solomin näytteli Chatskin roolia, sai suurta mainetta.

Yu.A. Dmitrievin kirjasta "Academic Maly Theatre. 1941-1995"

Uuden "Voe from Wit" -tuotannon ensi-ilta tapahtui 4. joulukuuta 1975. Esityksen on lavastanut V. Ivanov, mutta M. Tsarevin taiteellisen ohjauksen alaisena ja esityksen suunnitteli E. Kumankov. Tästä esityksestä lähtien hänet hyväksyttiin Maly-teatterin päätaiteilijaksi.

Esitys aiheutti keskustelua. Erityisesti kaikki eivät olleet tyytyväisiä siihen, kuinka V. Solomin näytteli Chatskyn roolia. Siksi on mielenkiintoista tietää, mitä näyttelijä itse ajatteli tästä hahmosta? Hän sanoi: "Aiemmin olin kiinnostunut Chatskyn monologien merkityksestä, nyt - hänen käytöksensä merkityksestä" (V. Solomin. Ainutlaatuisuus. - "Sov. Venäjä", 1985, 3. marraskuuta).

Näyttelijä yritti näyttää Chatskyn lyyrisen olemuksen. "Chatskyni ymmärsi täydellisesti, mitä Famusov ja hänen kaltaisiaan olivat. Mutta Famusovin talossa häntä piti syvä ja vahva rakkaus Sofiaan, hän ei voinut asettaa rakkaansa samalle tasolle muiden kanssa. Siksi hänen monologinsa. Ne on osoitettu Sofialle, ei kenellekään muulle” (Solomin V. Uniqueness. -" Sov. Russia ", 1985, 3. marraskuuta).

V. Solominin tulkinnasta Chatskyn roolista oli erilaisia ​​mielipiteitä. Tunnettu filologi V.I. Kuleshov uskoi, että taiteilijan rooli ei ollut onnistunut, että Famusov päihitti Chatskyn, että Chatsky näytti joltakin arkistonuorelta, hauraalta, silmälasien kanssa. Näissä monologeissa, joita hän lausui, ei ollut painostusta, suuttumusta. Ja tieltä hän ilmestyi, vaikkakin lampaannahkaisessa turkissa, mutta paidassa, joka ei ollut ollenkaan sopiva pakkaselle - apash (Katso: Kuleshov V. Tarkkuutta ja totuutta etsimässä. M., Sovremennik, 1986, s. 226).
Mutta oli myös päinvastaisia ​​mielipiteitä. Väitettiin, että näyttelijä, joka näytteli tätä roolia, toimi keksijänä, että hänen kuvansa osoittautui omituiseksi, mutta varmasti mielenkiintoiseksi.

Työntämällä palvelijan pois avoimessa lampaannahkatakissa Chatsky-Solomin syöksyi Famusovskin taloon ja putosi yhtäkkiä kaikella voimallaan. Mutta hän ei ollut nolostunut, vaan nauroi, kuten älykkäät ja iloiset ihmiset voivat nauraa. Kääntyen Sophiaan hän sanoi: "Vähän valoa - jo jaloissani! ja minä olen sinun jaloissasi." Hän ei ole kaukana komeasta: lyhyt, nuhainen, vaaleatukkainen, silmälasit. Siinä ei ollut mitään romanttisesta teatterista. On epätodennäköistä, että Sophia voisi pitää hänestä nyt.

Chatskyn draama, kuten Solomin osoitti, koostui suoran tunteen yhteensopimattomuudesta normien kanssa, sen yhteiskunnan koko tavan kanssa, jonka kanssa hän kohtasi. Hän osoittautui tämän yhteiskunnan täsmälleen vastakohtaksi. Ja lukiessaan monologia "Ranskalainen Bordeaux'sta" vieraat eivät hajaantuneet, he kuuntelivat tarkkaavaisesti, mutta Chatsky kääntyi yksin Sofian puoleen. Hän kuitenkin lähti, ja vieraat jatkoivat väkijoukkoja, ja täällä vieraat saivat ensimmäistä kertaa käsityksen, että heidän joukossaan oli hullu.

Ja ennen kuin hän lähti Famusovien talosta, lausuttuaan vihaisen monologin, Chatsky ryntäsi portaita ylös Sofian seisomaan katsoakseen viimeisen kerran hänen silmiinsä. Ja vasta sitten, tullessaan hyvin lähelle ovea, hän käski: "Käyntiä minulle, vaunu!" Kuten kriitikko kirjoitti, se ei ollut tappio, ei pako, vaan mielen voitto (katso: Kachalov N. Meet Chatsky. - "Come, True", 1976, 8. huhtikuuta).

Solomin näytteli Chatskia ilkikuriseksi, ei tottunut piilottamaan tunteitaan. Hän tuli sisään, tai pikemminkin, juoksi Famusovin taloon hyvin nuorena ja lähti paljon vanhempana. "Tässä esityksessä he eivät pelänneet antaa Chatskin pelata, kun Griboedov itse ei pelännyt tätä" (Ovchinnikov S. Ensiesitys ilman ilmoitusta. - "Neuvostokulttuuri", 1980, 20. kesäkuuta).

Tsarevin Famusovin roolin esitys itse teatterissa arvioitiin seuraavasti: "Famusovia näyttelemällä Tsarev astui taisteluun modernin filismin kanssa, hän vastusti famusovismia koko ajan. Ja jokaisessa esityksessä hän on erilainen ajatuksissaan sankaristaan ​​”(“ Sov. Rossija ”, 1983, 30. marraskuuta).

V. Solomin - Chatsky, M. Tsarev - Famusov

Sofia-N. Kornienko ei heti piilottanut Chatskylta, ettei hän tarvinnut häntä. Hän on älykäs, liike-elämän tyyppinen tyttö, joka on hyvin tietoinen asemastaan ​​perheessä ja yhteiskunnassa, eikä hän tarvitse Chatskyn "vääriä" ideoita ollenkaan. Hän pystyy järjestämään elämänsä, eikä Chatsky ole hänen avustajansa tässä. Hänen intonaationsa ovat kuivia, asiallisia, joskus ironisia. Sinun täytyy olla rakkauden sokea, kuten Chatsky, jotta et huomaa kaikkea tätä.

Molchalin, kuten B. Klyuev osoitti hänelle, oli erittäin hillitty, mutta hänessä ei ollut orjuutta. Hän kehitti oman käsityksensä elämästä ja seurasi sitä, ystävällisesti hän selitti Chatskylle, kuinka hänen pitäisi käyttäytyä. Hän ei ole vihainen, ei ilkeä, älä vain häiritse häntä, hän ei antanut tätä anteeksi. Häntä odotti ura, ja hän oli siihen melko valmis.

Skalozubin roolia näytteli R. Filippov. Ensinnäkin hän oli monumentaalinen ja erottuva kadehdittavasta terveydestä. Hän on palvelusupseeri, ja kaikenlaiset korkeat ideat eivät yksinkertaisesti saavuttaneet häntä. Hän on tottunut kuuntelemaan ja suorittamaan vain käskyjä. Mitä Chatsky sanoi, hän ei ymmärtänyt eikä varsinkaan kuunnellut hänen puheitaan. Hän jopa piti Chatskysta hänen spontaanisuudestaan, intohimostaan, joka tapauksessa hänellä ei ollut pahaa häntä vastaan.

Gribojedov alkoi lukea komediaaan aateliston salongissa jo vuonna 1823, mikä herätti kaikkien huomion. Sitten vuonna 1824 hän jatkoi julkisia luentoja Pietarissa ja samalla pyysi lupaa sen näyttämiseen. Mutta hänen aiheuttamansa hälinä herätti epäilyksiä: Moskovan teattereiden johtaja Kokoshin kertoi Moskovan kenraalikuvernööri Golitsynille, että tämä oli "suora kunnianloukkaus Moskovaa vastaan". Ja komedia julkaistiin vain katkelmina vuonna 1825.

Pietarissa teatterikoulun opiskelijat onnistuivat lavastamaan komedian Karatyginin ja Grigorjevin aloitteesta. Mutta sen soittaminen yleisön edessä oli ehdottomasti kielletty.

Vasta vuonna 1828 Griboedov näki komediansa lavalla ensimmäistä kertaa Kaukasuksella; sitä pelattiin Erivanissa, jonka venäläiset joukot olivat juuri vallanneet, Sardinian palatsissa mutta 2. jalkaväkidivisioonan sädeupseerit. Se oli amatööriesitys.

Vuonna 1829 Griboedov tapettiin Teheranissa. Julkinen huomio runoilijan traagiseen kuolemaan pakotti hallituksen luopumaan näytelmäkiellosta, ja 2. joulukuuta 1829 Pietarissa, Bolshoi-teatterissa, esitettiin ensimmäistä kertaa yksi kohtaus ensimmäisestä näytöksestä. Sosnitsky näytteli Chatskia, Boretski esitti Famusovia. Tämä kohtaus lavastettiin viihdetapahtumana viisinäytöksisen tragedian jälkeen. ( Venäläisessä teatterissa säilytettiin vuosikymmeniä perinne, kun viisinäytöksisen esityksen jälkeen annettiin vaudeville tai kohtaus komediasta.

Kolmas näytös soitettiin vuonna 1830 myös divertismenttinä (pallo Famusovin luona). Sitten, samana vuonna Pietarissa, Maly-teatterissa, neljäs näytös soitettiin myös divertismenttinä (pallon perässä ajaminen).

Ja vasta 26. tammikuuta 1831 näyttelijä Bryanskyn etuesityksessä ensimmäistä kertaa pelattiin kaikki komedia, vaikka se oli sekaantunut leikkauksilla ja sensuurilla. Chatskia näytteli V. Karatygin, Sofiaa - E. Semenova, Repetilovia - Sosnitski. Karatygin näytteli Chatskia "antiikin teatterisankarin" arkaais-klassistisella tavalla.

Samaan aikaan ja samalla tavalla komedia tunkeutui myös Moskovan näyttämölle. 27. marraskuuta 1831 ensi-ilta pidettiin Maly-teatterissa. Chatskia näytteli P. Mochalov, Famusovia - M. Shchepkin. Shchepkinin pelissä näytelmän realistinen alku joutui ristiriitaan teatterirutiinin kanssa, hän loi kuvan suuresta syyttävästä voimasta. Ja Mochalov välitti Chatskyn kansalaispatoksen innostuneesti ja ilmaisulla. Vuodesta 1839 lähtien I. Samarin alkoi soittaa Chatskya. Hänen esityksessään saavutettiin harmoninen yhdistelmä Chatskyn julkista ja henkilökohtaista draamaa.

Maakuntien teattereissa "Voe from Wit" -elokuvan tuotanto ei ollut sallittua.

Chatskyn kuvan tulkinnasta lavalla

1860-luvulle asti Chatskyn roolin esiintyjät esittivät ennen kaikkea journalistisia hetkiä, ja on muodostunut perinne esittää Chatskyn roolia Famus-yhteiskunnan syyttäjänä.

Vuonna 1864 Moskovan Maly-teatterin näyttelijä S.V. Shumsky ensimmäistä kertaa esitä kysymys eri tavalla: Chatskysta ei voi tehdä vain yhteiskunnan tapojen syyttäjää, tästä hänestä tulee umpikuja. On mahdotonta vaatia monologien vain taitavaa ääntämistä. Chatsky on nuori mies, joka on intohimoisesti rakastunut Sophiaan, ja hän tekee kaikkensa herättääkseen hänessä molemminpuolisia tunteita. Hän kärsii syvästi rakkaudesta. Siten Shumsky yritti rikkoa Chatskyn esityksen perinteen. Hänen Chatskystaan ​​tuli "inhimillisempi". Mutta tämä osoitti toisen ääripään: komedian syyttävä puoli katosi. Tämä Chatskyn tulkintaperinne säilyi 1900-luvun alkuun asti. Näin Chatsky soitti Maly-teatterissa Lensky, Gorev, Ostuzhev, P. Sadovsky (pojanpoika). Ja Aleksandrinskissa - Maksimov, Dolmatov.

Vuonna 1906 Woe from Wit esitettiin Moskovan taideteatterissa. Chatskyn tulkinnasta Nemirovich-Danchenko kirjoitti, että Chatsky on ensisijaisesti rakastunut nuori mies. Myöhemmin hänestä tulee syyttäjä, jopa vastoin tahtoaan.

Myöhemmin, jo Neuvostoliiton näyttämöllä, asetettiin tehtäväksi yhdistää orgaanisesti henkilökohtaisen draaman ja sosiaalisen taistelun elementit Chatskyn kuvaan. Tämä Chatskyn tulkintaperinne säilyi 1900-luvun puoliväliin asti.

Epäilemättä kiinnostava on Vs.E.:n komedia "Voe from Wit" tuotanto. Meyerhold (näytelmän "Voi viisautta" ensimmäinen painos - 1928, toinen painos - 1935). Vaikeus oli, että näytelmä oli jo saanut siivekkäiden sanojen, suosikkisanojen ja -sanojen kokoelman luonteen, muuttunut museokuvaksi vanhentuneesta aikakaudesta. Ja halusin palata hänen runouteensa, elävään elämään, joka oli täynnä tuskaa, ajatuksia, vihaa, rakkautta, pettymyksiä, inhimillisen ajattelun rohkeutta ja tunteen voimaa. Meyerhold pyrki siirtymään pois komedian tulkinnan perinteestä. Näytelmää lukiessaan hän esitteli temperamentilleen tyypillisiä löytöjä, oivalluksia ja arvauksia, taiteellisen näkemyksensä syvyyttä ja terävyyttä.

Hän jakoi nelinäytöksisen komedian tekstin 17 jaksoon; sisällytetty kanoniseen tekstiin näytelmän alkuperäisten painosten lisäyksiä ja mielivaltaisia ​​leikkauksia; musiikilla oli merkittävä ja aktiivinen rooli esityksissä, joka ei ollut vain tausta, vaan myös toimi hahmona. Roolien jakautuminen järkytti myös aikalaisia: Chatskya näytteli koominen näyttelijä Erast Garin (rooli - yksinkertainen).

Tässä on joitain jaksoista, jotka Meyerhold esitteli esitykseen: "Taverna", "Eteishuone", "Tanssitunti", "Muotokuva", "Sohva", "Kirjasto ja biljardisali", "Tir", "Ylempi eteinen", "Ruokailuhuone", "Takka", "Tikkaat" jne. Toiminta tapahtui Famusovin suuren talon eri osissa sekä sen ulkopuolella ("Kesakurpitsa", jossa husaarit juovat, "Tir"). Vapautta rakastavia runoja luettiin kirjastossa, Molchalin-pubissa Sofia kuunteli pariisilaisia ​​lauluja Repetilovin seurassa - nämä ja muut jaksot maalasivat kuvan aikakauden elämästä.

Ja esityksen nimi on "Voe mielelle". Tämä ei ole Meyerholdin keksintö, vaan versio itse Gribojedovista. Chatsky - Garin ilmaisi komedian lyyrisen ja dramaattisen linjan enemmän kuin satiirisen, syyttävän, josta kriitikot moittivat Meyerholdia. Mutta itse asiassa tämä oli ohjaajan tärkein löytö: pirteä poika, ei tribüüni! Hän näki Chatskyssa lyyrisen sankarin. Ja Molchalin - näyttelijä Mukhin - on pitkä, komea, pystyy käyttämään frakkia. Tällainen hahmojen rinnastus oli odottamaton, mutta juuri tämä on mielenkiintoista Meyerholdin tulkinnassa. Chatsky on yksin. Ja häntä ei vastusta rappeutuva, rapistuva, voimaton maailma, vaan maailma täynnä eläviä mehuja, vahvoja perinteitä, maailma, joka luottaa olemassaolonsa horjumattomaan linnoitukseen. Kaikki Chatskyn vastustajat "parantuvat" ohjaamalla. Tämä on Famusov, Skalozub ja Molchalin ja jopa Khlestova. Heidän maailmansa kieltäminen tuntuu heistä sairaudelta, hulluudelta, ja Chatsky näyttää heidän mielestään eksentriltä. Chatskyn hulluutta koskevien juorujen lisääntymisen kohtaus rakennettiin näin. Lavalla portaalista portaaliin on pöytä, jossa Famusovin vieraat syövät päivällistä. Samat tekstinpalat soivat pöydän eri kulmissa, juorut toistuvat, vaihtelevat, kelluvat ja vangitsevat yhä uusia vieraita, ja pöydän keskellä istuva Famusov johtaa sen kehitystä. Tämä huippukohtaus on rakennettu musiikillisen teeman kasvun lakien mukaan. Chatsky, ilmestynyt etualalle, tajuaa joutuneensa väärään paikkaan; tämä pureskeltava vieraiden massa, ikään kuin pureskelisi sitä, ajaa hänet pois lavalta. Ja on ymmärrettävää, miksi esityksen lopussa päivän tapahtumista täysin uupunut Chatsky hiljaa, melkein kuiskaten, sanoo: "Käynti minulle, vaunu...".

Esitys ei saanut hyvän vastaanoton kriitikoilta. Ensimmäiset esitykset olivat epätasaisia, mutta esityksestä toiseen hän hoiki, tiukeni koostumukseltaan ja lopulta hän saavutti ansaittua menestystä yleisössä. (Lisää tästä esityksestä kirjassa: A. Gladkov. Meyerhold, osa 1. - M .: STD, 1990).

Tämän tuotannon jälkeen teatterit kääntyivät toistuvasti komediaan. Mutta sen tulkinnat pysyivät sosiaalisen optimismin perinteissä, ja Chatsky nousi jälleen Famus-yhteiskunnan syyttäjän kothurnaille.

Mutta vuonna 1962 Leningradissa Bolshoi-draamateatterissa G.A. Tovstonogov lavastaa "Voi nokkeluudesta" epätavallisesti. Aluksi roolijakauma oli yllättävää: Chatski - S. Jurski, Molchalin - K. Lavrov, Sofia - T. Doronina, Lizanka, piika - L. Makarova, Famusov - V. Politseymako, Repetilov - V. Strzhelchik jne. . Ja siellä oli vielä yksi hahmo - "teatterin kasvot" (S. Karnovich-Valois). Tämä hahmo aloitti näytelmän esittelemällä näyttelijät. Hän päätti esityksen julistaen juhlallisesti: "Esitys on ohi." ”Kasvot teatterista” korosti tapahtuvan teatraalisuutta, muistutti, että olet läsnä teatterissa ja että lavalla tapahtuva erotetaan nykyajasta suurella etäisyydellä. Ja kaikki, mitä esityksessä tapahtui, heijasti tarkasti Griboedovin aikakautta - puvuissa, rekvisiittassa, asetelmissa, etiketissä. Ja silti se oli terävä nykyaikainen esitys. (Tästä lisää kirjassa: Yu. Rybakov. G.A. Tovstonogov. Ongelmia ohjaamisessa. - Leningradin taiteen haara, 1977, s. 85-95)

"Ensimmäisen esityksen 180-vuotispäivälle"

"Voi Witistä" PIENESSÄ TEATTERISSA

Vl. Filippovin essee kirjasta "Voi viisautta". M., 1947.

Vanhimman venäläisen teatterin luovassa elämässä tuskin voi olla toista dramaattista teosta, joka olisi yhtä merkittävä kuin Gribojedovin loistava komedia.
"Voe from Wit" oli ensimmäinen venäläinen näytelmä, joka heijasteli erittäin taiteellisesti aikansa kehittyneitä ideoita. Viisi vuotta ennen Gogolin "Kenraalin tarkastajaa" lavastettu "Voi nokkeluudesta" antoi upeat (Maly-teatterin mestarit - ja ennen kaikkea loistava Shchepkin) paljastaa laajasti näyttelijän ammatin yhteiskunnallisen merkityksen. "Voi nokkeluudesta" oli ensimmäinen lavalle lavastettu näytelmä, joka realistisesti toisti nykyajan "Voi nokkeluudesta" ei voinut olla valtavassa roolissa useiden näyttelijäsukupolvien kasvatuksessa. Useat Maly-teatterin näyttelijät loivat vuosikymmenten ajan yksilöllisiä komediakuvia, löytäen yhä uudempia ja tärkeämpiä värejä ilmentämään niitä.
Voit nimetä Maly Theaterin näyttelijät, jotka esiintyivät Woe from Witissä useissa rooleissa. Ne, jotka näyttelivät esimerkiksi Chatskia, siirtyivät myöhemmin Famusovin rooliin, kuten esimerkiksi I. V. Samarinin ja A. P. Lenskin tai P. M. Sadovskin ja M. F. Leninin kohdalla. Monet taiteellisen elämänsä aikana ilmensivät lavalla "Woe from Wit" -elokuvan kolmea hahmoa. Joten esimerkiksi V. I. Zhivokini näytteli Repetilovin, Zagoretskyn, Gorichin roolit; F. P. Gorev näytteli Chatskia, Repetilovia, Prinssi Tugoukhovskia; A. I. Yuzhin - Chatsky, Repetilov, Famusov; M. M. Klimov - Zagoretsky, Repetilov, Famusov jne. jne. Tai esimerkiksi A. A. Yablochkina, joka aloitti Sofiasta, siirtyi sitten Natalja Dmitrievnan rooliin ja näytteli sitten neljässä eri tulkinnassa Khlyostov ja ED Turchaninova, joka aloitti Lizan kanssa, näytteli myöhemmin kreivitär Hryumina-isoäitiä ja prinsessa Tutoukhovskajaa. Lopuksi Maly-teatterin seurueesta voidaan mainita ne, jotka loivat neljä kuvaa Woe from Witissä - riittää mainita KN Rybakov, joka nuoruudessaan näytteli Molchalinia, sitten ruumiillistui Skalozubia ja Platon Mihailovitsia ja viimeisinä vuosina. hänen elämänsä, joka loi kuvan Famusovista.
Mutta ei vain näyttelijöitä kasvatettu "Voe from Wit" -elokuvan jäljentämisessä: kokonaiset sukupolvet katsojia, jotka havaitsivat tämän loistavan luomuksen Maly-teatterin näyttelijöiden loistavassa esityksessä, oppivat ymmärtämään komedian runollisen muodon kauneutta. , oppi arvostamaan Gribojedovin näyttelijäsuorituksessa luomia taiteellisesti viimeisteltyjä kuvia. Yleisö alkoi Maly-teatterin parhaiden mestareiden tyypillisen toiston ansiosta olla täysin ja konkreettisesti tietoinen sellaisista ilmiöistä kuin famusismi, skalozubovismi, hiljaisuus ja repetilovismi ja vihata niissä yleistyneitä sosiaalisia paheita. Yleisö poistui teatterista, kantoi sielussaan rakkauden Chatskiin, rohkeaa inertiaa, ärtymystä, orjuutta vastaan ​​taistelijaa kohtaan, he lähtivät inspiroituneena taistelemaan humanismin, kansallisen itsenäisyyden ja ihmispersoonallisuuden vapaan kehityksen puolustamiseksi.
Woe from Witin ensimmäisestä tuotannosta on kulunut yli sata vuotta, ja kuolematon komedia on ollut Maly-teatterin ohjelmistossa koko tämän ajan. Vain Famusovia näytteleneen näyttelijän sairaus tai kuolema aiheutti väliaikaisen tauon Woe from Witin -esityksessä. Näin tapahtui vuonna 1863, kun Maly-teatterin ensimmäinen Famusov Mihailo Semjonovich Shchepkin kuoli. Näin tapahtui vuonna 1884, kun IV Samarin sairastui ja näytelmää ei esitetty kahteen vuoteen. Hän ei mennyt useaan vuodenaikaan A. P. Lenskyn (1908–1910), K. N. Rybakovin (1917–1921) ja A. I. Yuzhinin (1927–1930) kuoleman jälkeen.
Joskus näytelmä vain ”kalustettiin” uudella tavalla (kuten vanhaan aikaan sanottiin, kun esitykseen tuotiin uusia esiintyjiä), joskus se ”järjestettiin uudelleen” (kun ei vain osallistujien kuvaukset muuttuneet, mutta jotain uutta tuotiin koristeluun tai mis-en-sceen). Useammin (mikä tapahtui 1900-luvulla) he antoivat uuden "tuotannon" uskoen sen toiselle ohjaajalle ja toiselle taiteilijalle. Mutta jokainen "Woe from Wit" -elokuvan uusiminen toi jotain olennaisesti uutta suuren komedian tulkintaan.
Tämä johtui ensisijaisesti siitä, ettei yksikään aito näyttelijä Maly-teatterissa - teatterissa, joka on aina pyrkinyt kasvattamaan mestariensa kykyjen yksilöllisiä ominaisuuksia - ei toistanut suuria edeltäjiään, vaan paljasti luomuksissaan omansa. luontainen ymmärrys kuvasta ja toi esitykseensä sen uuden, joka johtui esittävien taiteiden kehityksestä.
Olivatpa yksittäiset kuvat kuinka erilaisia ​​jokaisessa uudistuksessa, ne kuitenkin aina - yhtä poikkeusta lukuun ottamatta (puhumme siitä myöhemmin) - ratkesivat realistisesti ja näytelmä säilytti sosiaalisesti syyttävän sisällön.
On mahdotonta olla muistamatta Maly-teatterin erinomaisten näyttelijöiden nimiä, jotka antoivat arvokkaan panoksen Griboedovin komedian vaihehistoriaan.
Ensinnäkin on mainittava Shchepkin, Samarin, Lensky, Rybakov, Yuzhin, jotka loivat kuvan Famusovista, tai ne, jotka ilmensivät Chatskia upeasti lavalla - Samarin, Shumsky, Yuzhin tai Lisan roolin erinomaiset esiintyjät - NA Nikulina, E. D. Turchaninova, V. N. Ryzhova, V. N. Pashennaya. On mahdotonta olla muistamatta, että Khlestovan roolia näyttelivät N. M. Medvedeva, M. N. Ermolova, A. A. Yablochkin tai että N. I. Muzil ja V. N. Davydov loivat vaikuttavia kuvia prinssi Tugoukhovskyn sanattomasta roolista. A. A. Yablochkina, joka esiintyi tässä roolissa ensimmäisestä esiintymisestä Maly-teatterissa vuonna 1882 vuoteen 1908, tunnustetaan oikeutetusti Venäjän näyttämön parhaaksi Sofiaksi. Repetilov, jota A. I. Yuzhin on näytellyt loistavasti vuodesta 1909, on aina kutsuttu yhdeksi silmiinpistävimmistä luomuksista venäläisen klassisen komedian alalla. Kreivitär Khryumina-isoäidin täydellisimmän lavaesityksen antoi Maly-teatterin loistava näyttelijä Olga Osipovna Sadovskaya.
Siten täydellä vastuulla voidaan väittää, että Moskovan Maly-teatterin luovaan historiaan ei tullut vain Woe from Wit, vaan Maly-teatteri toi myös joukon poikkeuksellisen arvokkaita luomuksia suuren komedian lavakuvien galleriaan.

Maly-teatterin monien, monien saavutusten ohella Woe from Witin näyttämökohtaloissa ei voinut olla monenlaisia ​​virheitä ja puutteita, joista osa jokaisessa esityksessä toistuessaan loi "vääräperinteitä".
Suurin osa näistä vääristä perinteistä koskee komedian tekstiä, joka monien vuosikymmenten ajan kuulosti lavalta kaukana Gribojedovin kirjoittamasta tavalla. Teatteri ei syyllistynyt vääristämään tätä klassikkoa. Paljon riippui tsaarin sensuurin elimistä, jotka eivät sallineet "Voi nokkeluudesta" näytelmäkirjailijan elinaikana, ei (Print (vain yksittäiset kohtaukset voitiin julkaista vuonna 1825), eikä varsinkaan näyttämölle. Kun Gribojedovin traagisen kuoleman jälkeen kysyttiin lupaa laittaa "Voi nokkeluudesta" lavalle, se saavutettiin vain merkittävien "pimennysten", muutosten ja tekstin vääristymien ehdolla.
"Woe from Wit" -julkaisun julkaisukielto aiheutti valtavan määrän käsinkirjoitettuja listoja Gribojedovin elinaikana. Näytelmäkirjailijan elinaikana painetun tekstin puuttuminen ja näytelmän kirjoittajan nimikirjoituksen puuttuminen eri käsinkirjoitettujen versioiden läsnä ollessa vaikutti vakaumukseen, että tekstin lopullinen versio, jonka Griboedov itse omistaa, ei ole säilynyt. . Siksi jokainen teatteri ja jopa yksittäiset näyttelijät "loivat" oman versionsa tekstistä.
Ja heti kun uusi painos ”Voe from Wit” ilmestyi painettuna, uudet kerrokset kaikenlaisista muunnelmista asetettiin tekstin päälle, joka oli aiemmin soinut lavalta (ja sinänsä oli sensuurin ansiosta virheellinen). Näin syntyi konsolidoitu teksti, joka erosi merkittävästi autenttisesta Griboedovin tekstistä.
Vuonna 1903 Moskovan historiallinen museo julkaisi täällä säilytetyn Woe from Witin käsikirjoituksen, jonka näytelmäkirjailija itse oli kirjoittanut. Huolimatta siitä, että tämä niin kutsuttu "Museum Autograph" oli komedian varhainen versio, jota näytelmäkirjailija ei ilmeisesti vielä viimeistellyt, sillä oli vahva vaikutus moniin teattereihin, mukaan lukien Pietarin Aleksandrinski- ja Moskovan taideteatterit. Hän vaikutti myös Maly-teatterin uuteen tuotantoon, joka toteutettiin vuonna 1910 E. A. Lepkovskyn johdolla. Vuonna 1912 julkaistiin näytelmäkirjailijan omalla kädellä korjattu käsikirjoitus, joka kuului Gribojedovin ystävälle Gendrulle. Sen jälkeen N. K. Piksanovin tutkimuksen ansiosta tiedeakatemian julkaiseman "Voi nokkeluudesta" lopullinen kanoninen teksti laadittiin. Maly-teatteri pystyi kuitenkin tekemään vain muutaman korjauksen jatkuviin esityksiin. Vain jälkeen
Lokakuussa komedian tekstiä muutettiin merkittävästi, mutta silti se ei täsmännyt alkuperäisen Griboedovin kanssa. Teatteri pahoitteli joutuessaan eroon useista tutuista ja usein erittäin ilmeikkäistä linjoista, jotka Gribojedovin hylkäsivät, mutta jotka hyväksyivät näyttämöesitysten pitkäaikaiset perinteet. Joten esimerkiksi teatteri jatkoi sanojen lausumista Famusov - Yuzhinin suun kautta, jotka Griboyedov itse oli poistanut paitsi lopullisesta versiosta, jonka Bulgarin-lista tunnustetaan, myös aiemmasta - Gendrovin ja täydentäen. Famusovin tunnettu huudahdus "Syö kolme tuntia, ja kolme päivää ei tee ruokaa »:

Sieniä, hyytelöä, kaalikeittoa, puuroa sadassa kattilassa,
Mark: torstaina minut kutsutaan hautajaisiin,
Ja takeaway elokuvasta "Nikola in Boots".

Teatteri vaikutti liian värikkäältä sekä kuvaus Moskovan illallisista että maininta Moskovassa todella olemassa olevasta kirkosta, joka kantoi Moskovalle tyypillistä nimeä - siellä ei ollut vain Nikola saappaissa, vaan myös Nikola kananjaloissa, Trinity Drops ja jopa Spas-Bolvanovsky ... Seuraavaksi N. O. Volkonskyn vuonna 1930 toteuttama tuotanto toi Griboedovin tekstiin taas useita hyvin erilaisia ​​vaihtoehtoja, mukaan lukien ne, jotka näytelmäkirjailija itse hylkäsi. Lopulta vuoden 1938 viimeisessä tuotannossa teksti, joka oli puhdistettu kaikista epäpuhtauksista, ilmestyi jälleen versiossa, joka oli lähellä Griboedovin alkuperäistä. Mutta se säilytti silti joitain kaikuja perinteisistä poikkeamista tekstistä. Suuren isänmaallisen sodan aikana jatkettu tuotanto paransi suuresti lavalta puhuttua tekstiä. Epäilemättä Woe from Witin jatkotyöskentelyssä Maly-teatteri, jonka tehtävänä on säilyttää klassinen perintö kaikessa puhtaudessa, varmistaa, että Gribojedovin alkuperäinen teksti kuuluu lavalta.

Kuten tiedätte, Gribojedovin pyrkimykset saada sensuurin lupa painaa Woe from Wit eivät kruunattu menestyksellä - syyttävän komedian satiirinen suuntaus tuntui liian selvästi. Mutta kiellolle löydettiin erilainen muodollinen tekosyy.
Sensori kirjoitti: "Luin käsikirjoitusta "Voe from Wit", AS Gribojedovin komediaa, ja huomasin, että ensimmäisen näytöksen ensimmäisessä ja kolmannessa esiintymisessä ilmestyy jalo tyttö, joka vietti koko yön yhden miehen kanssa makuuhuoneeseensa ja poistuu siitä hänen kanssaan häpeämättä, ja neljännen näytöksen 11. ja 12. näytöksissä sama tyttö lähettää piikansa puolenyön jälkeen kutsumaan saman miehen luokseen yöksi. Sensuuri, joka pitää näitä kohtauksia säädyllisyyden ja moraalin vastaisina, ei voi hyväksyä tätä käsikirjoitusta julkaistavaksi. Päätöslauselman seurauksena näytelmäkirjailijan elinaikana julkaistiin vain kohtauksia komedian ensimmäisestä ja kolmannesta näytöksestä. Ne painettiin almanakissa "Russian Thalia" vuodelle 1825.
Lisäksi oli mahdotonta haaveilla näyttämötuotannosta. Vain 10 kuukautta Griboedovin traagisen kuoleman jälkeen tuli mahdolliseksi nostaa esiin kysymys luvasta pelata Woe from Wit.
Mutta tässä syntyi uusi este: vaadittiin Gribojedovin perillisten lupa. Thaddeus Bulgarin piti itseään sellaisena. Koska hänellä oli luettelo "Voe from Witistä", johon Persiaan lähtevä näytelmäkirjailija kirjoitti "Voi, minä uskon Bulgarinille", jälkimmäinen väitti, että Gribojedov antoi hänelle "oikeuden määrätä tämä komedia ja siirsi sen omistusoikeuden käsinkirjoitettu kirjoitus aidolle komedialle ja erityisen muodolliselle paperille” (mielenkiintoista, että tätä ”virallista paperia” ei ole vielä löydetty mistään arkistosta). Bulgarin, pyrkiessään saamaan tästä oikeudesta suurimman hyödyn, myi Woe from Witin teatterille osissa ja antoi sen ensinnäkin pietarilaiselle näyttelijä Valberkhovalle tämän ensimmäisen näytöksen kohtauksen eduksi. Koska niillä ei ole itsenäistä merkitystä, edunsaaja lisäsi ne "välisoittoon", "joka koostuu lausunnoista, laulusta, tanssista ja tanssista", nimeltään "Theatre Foyer tai Stage Behind the Stage".
2. joulukuuta 1829 ote ensimmäisestä näytöksestä esiteltiin Pietarissa. Heti kun Shchepkin sai tietää tästä, hän kääntyi ystävänsä, Pietarin Aleksandria-teatterin taiteilijan I. I. Sosnitskin puoleen: "Tee minulle palvelus, ystäväni, älä kieltäydy täyttämästä pyyntöäni. Minulle luvattiin vodevilli hyötysuoritukseni, mutta näen, ettei se voi olla valmis millään tavalla; sitten, jotta voisin ainakin jonkin verran korvata, haluan antaa divertisman, johon sijoittaa joitakin kohtauksia. Ja siksi käske mahdollisimman pian kirjoittaa Woe from Witistä ne kohtaukset, jotka näytit rouva Valberkhovan hyväksi.
Sosnitski täytti pyynnön, ja Shchepkin esitti 31. tammikuuta 1830 tapahtuneen hyötyesityksensä Molieren "Miserly", jota seurasi "Masquerade"-niminen "välisoitto", välikappale, "joka, kuten juliste raportoi, on koristeltu uusilla kohtauksilla tragediasta Ermak ja kuolemattomasta komediasta Woe from Wit.
Neljä kuukautta myöhemmin, 25. toukokuuta 1830 pidetyssä N. V. Repinan hyötyesityksessä suuren taikaoopperan 4 näytöksessä Paholaisen mylly ja yksinäytöksisen vaudevillen Aviomies ja vaimo jälkeen runokomedian kolmas näytös. "Voi Witistä". Lisäksi juliste lisäsi yllättäen "siihen kuuluvilla tansseilla". Noudattamalla aikakauden tapaa antaa jokaiselle näytökselle erillinen nimi, tämä kohta julistettiin "Moskovan balliksi". Samalla täsmennettiin yksityiskohtaisesti, kuka tanssii "uutta ranskalaista quadrillea 8 parissa" ja kuka 4 parissa "uutta mazurkaa" ja että "tässä pallossa he esittäisivät Chatskyn rooleja" - Mochalov, Famusova - Shchepkin, Sophia - Potanchikova, Molchalin - Lensky, Skalozuba - Orlov. Esiintyjien joukossa oli kuuluisa Zhivokini, joka näytteli Zagoretskia, ja Pjotr ​​Stepanov, ainoa, joka herätti tässä esityksessä yksimielisen hyväksynnän, näyttelemällä prinssi Tugoukhovskia.
Moskovan ballin lavastaminen Pietarissa ja Moskovassa merkitsi alkua yhdelle teatterissa vuosia säilyneestä väärästä perinteestä. Kolmas näytös ei kiinnostanut yleisöä Chatskyn syyttäväistä monologeista eikä Famus-yhteiskunnan satiirisesta kuvauksesta, vaan "divertismanista", johon esitys päättyi ja joka meni orkesterin ääniin, joka ei sijainnut elävissä. Famus-talon huoneessa tai kulissien takana, mutta lavan edessä yleisön edessä. Huolimatta siitä, että Gribojedov määrittelee tarkasti Sofian huulten, että "kotiystävät tulevat tanssimaan pianon tahtiin"; huolimatta siitä, että näytelmäkirjailija vaihtaa motiiveja kolme kertaa korostaen, miksi lavalla tapahtuva ei ole pallo ("hyvä postaus, joten palloa ei voi antaa", Sofia sanoo alkuperäisessä versiossa, jonka Griboedov muuttaa sanat: "talo ei ole iso, joten palloa ei voi antaa", ja lopuksi hyväksytään lopullinen teksti: "olemme surussa, joten emme voi antaa palloa"), Maly-teatteri 50 vuotta kuvattu pallo orkesteri lavalla.
Helmikuun 25. päivänä 1831 neljäs näytös "Lähtö ballin jälkeen" lisättiin "Moskovan balliin" Natalya Dmitrievnaa näyttelevän Maly-teatterin näyttelijän A. T. Saburovan etuesitystä varten. "Minun on myönnettävä, että näytelmä oli järjestetty erittäin huonosti", kirjoitti Moscow Telegraph.
Näiden Woe from Witin kohtausten ensiesitysten esiintyjät seurasivat vähäisen vastustuksen linjaa ja pysyivät tavanomaisissa vaudeville-rooleissaan. Vain harvat näyttelijät, jotka tunsivat täysin uusia mielikuvia venäläiselle teatterille, rajoittuivat "lukemaan" Woe Witistä. Eikä se ole heidän syynsä, vaan heidän epäonnensa, etteivät he lukeneet Gribojedovin tekstiä vaan Bulgarinin korjausten ja sensuurimerkkien vääristämää tekstiä.
Sellainen on Woe from Witin esihistoria Moskovan lavalla.
Ensimmäinen esitys, "jossa kaikki neljä Woe from Witin neljää näytöstä näytettiin, tapahtui kaudella 1831-1832. Emme löytäneet julistetta tälle merkittävälle esitykselle, eivätkä saatavilla olevat painetut ja käsinkirjoitetut lähteet ole kaikesta samaa mieltä. Vain seuraavat hahmot ovat kiistattomia: Famusov - Shchepkin, Liza - Netšajeva, Molchalin - D. Lensky, Chatsky - Mochalov, Skalozub - Orlov, Platon Mihailovich - Tretjakov, Tugoukhovsky: Prinssi - P. Stepanov, Prinsessa - Kuraeva, Hryumina-isoäiti Boževskaja, Khlestova - Kovalerova, G. D. ja G. N. - Bogdanov ja Nikiforov. Mitä tulee Sofiaan, häntä näytteli ilmeisesti Potanchikova, Natalja Dmitrievna - tai Saburova tai Rykalova, kreivitär-tyttärentytär - Richard tai Karnakova, V. Stepanov korvasi Zhivokinin Zagoretskin roolissa, joka puolestaan ​​korvasi Repetilovin roolissa. Saburov, joka näytteli tätä roolia, kun vain kolmas ja neljäs näytös lavastettiin.
Ei voida korostaa, että kaksi tuon ajan suurinta näyttelijää - Shchepkin ja Mochalov eivät heti hallinnut sellaisia ​​uusia kuvia heille kuin Famusov ja Chatsky. Samaan aikaan he molemmat tiesivät hyvin monimutkaisista ja vastuullisista tehtävistä, jotka Griboyedov asetti teatterille. Ei ihme, että Mochalov valitti, ettei hän pelännyt yhtäkään roolia kuin Chatskyn roolia.
”Esimerkiksi täällä”, hän sanoi kumppanilleen, ”tuntean heti ensimmäisestä näytöksestä lähtien, etten ole roolissani, en omalla paikallani. Tämä Chatskyn röyhkeys ja leikkisä pulina, nauru, hänen syövyttävät sarkasminsa, nerokkaat älykkyydet aidolla iloisuudella ja vitsillä - kyllä, en ole koskaan pelannut tällaisia ​​rooleja enkä osaa soittaa ... Erityisesti toinen näytös hämmentää minua. No, miten on tämä tiradi: "Ja ketkä ovat tuomarit?" - saa minut traagiseen sävyyn? Sama pätee muissa näytöksissä, varsinkin neljännessä, jossa Chatsky hullun lailla ryntää ympäriinsä kiroileen kaikkea ja kaikkia; Minä voin traagisilla tavoillani vääristää Gribojedovin kuolemattoman luomuksen. Mochalov ymmärsi oikein hänen edessään olevan uuden tehtävän monimutkaisuuden, joten hän teki parhaansa, ettei hän joutuisi tavanomaiseen "traagiseen uraansa". Ei ole sattumaa, että Northern Bee kirjoitti: "Flaming Mochalov, vastoin hänen tavanomaista tapaansa, oli kylmempää Chatskyn roolissa kuin missään muussa, ja se vaati paljon vähemmän lämpöä."
Siinä missä roolissa oli hyötyä sävyn yksinkertaistamisesta, Motšalov oli epäilemättä erittäin hyvä, vaikka yleisö, joka oli tottunut "Mochalovsky-taukoihin", "Mokatsalovskin traagiseen kuiskaukseen" ja "Motšalovin suolistoon", jäi tyytymättömäksi. Toisaalta Mochalov, joka soitti jokaista esitystä inspiraatiosta eikä tiennyt kuinka korjata yksittäisissä esityksissä löydettyjä onnistuneita hetkiä.
Tietenkin Chatsky myös soitti eri tavalla joka esityksessä. Nykyteatterin tuntija Pimen Arapov huomautti, että Mochalov "soitti tämän roolin improvisoimalla", lisäsi: "Tšatskin rooli oli Motšaloville usein onnistunut." Myös toinen teatterityöntekijä N. I. Kulikovin tekemä kuvaus hänen roolistaan ​​tässä roolissa on säilynyt, mikä osoittaa selvästi, että Mochalov Chatskyn roolissa etsi uusia tapoja pelata. Mutta tärkein moite, jonka arvioijat esittivät yksimielisesti, oli, että Mochalov "edisti ei-maallista henkilöä". The Moscow Telegraph and Telescope kirjoitti tästä, ja todettiin, että hän "irtisanoutui kaikesta maallisesta sopivuudesta" ja - kuten väliaika myöhemmin huomautti - neljännessä näytöksessä "hän oli erittäin hyvä, huolimatta kömpelyydestään frakissa".
Uusi asia, jonka Chatsky Mochalov yritti välittää roolissa, oli vieras hänen nykyaikaiselle auditoriolle. Taiteilijalle epätavallinen "salonkiasu" ei muuttanut Mochalovin esittämää Chatskya (joka ymmärsi roolin täydellisesti ja osasi välittää sekä ironiaa että piilotettua sappia ja arkuutta Sofialle ja peittelemätöntä halveksuntaa muita kohtaan) "legendaksi" teatterista”, josta tuli hänen Hamlet, Mortimer ja Othello. Ivan Vasilyevich Samarinista tuli legenda, joka korvasi Mochalovin Chatskyn roolissa hänen elinaikanaan ... Myös Famusov Shchepkinasta tuli legenda.
Samalla tavalla itseensä aina tyytymätön Štšepkin ("S.T. Aksakov kutsui häntä vaativaksi taiteilijaksi") valitti useammin kuin kerran, että häneltä puuttui "herrallinen nuotti" Famusovin rooliin. Mutta Shchepkinin kanssa "roolit eivät olleet tyhjäkäynnillä", ja kaudesta toiseen, esityksestä toiseen, loistava näyttelijä paransi suorituskykyään. Ja jos kuvan ensimmäisillä luonnoksilla hän ei tyydyttänyt kriitikkoja, niin myöhemmin kuvasta tuli taiteellisesti täydellinen, kiinteä ja vakuuttava, ja Shchepkinin Famusov astui Venäjän näyttämötaiteen historiaan ensimmäisenä täysimittaisena realistisena kuvana, joka oli tyypillinen modernille. Moskovan aatelisto.
"Minä, Famusovin persoonassa", Shchepkin kirjoittaa Annenkoville 12. marraskuuta 1853 päivätyssä kirjeessä yhdestä hänen myöhemmistä esityksistään "Voi nokkeluudesta" - tuli elämykseksi ja imeytyi Famusovin ajatuksiin niin, että hänen jokainen ilmeensä vakuutti. minulle hänen hulluudesta, ja minä, antautuessani tähän ajatukseen, hän hymyili usein katsoen Chatskya, niin että lopulta hän tuskin pystyi hillitsemään itseään nauramasta. Kaikki tämä oli niin luonnollista, että yleisö purskahti nauruun. Vaikuttaa siltä, ​​mikä on parempi? - näyttelijä "astui rooliin", eli lavalla kuvattavan henkilön elämää ja yleisö arvosti hänen peliä. Mutta Shchepkin, joka perustuu taiteelliseen materiaaliin "Woe from Wit", päättelee: "Se oli virhe minulta, lava kärsi tästä." Shchepkin moittii itseään siitä, että hän on unohtanut säännön, jonka mukaan "tunteisiin on alistettava varoen, ja erityisesti kohtauksessa, jossa Famusov ei ole etualalla". "Tyttäreni ja minä", hän lisää, "selvitämme tilanteen, ja koko asia oli Chatskyssa." Ja kosketus sellaiseen dramaturgian mestariteokseen kuin "Voi nokkeluudesta" saa Shchepkinin tekemään perustavanlaatuisen johtopäätöksen: "Todellinen tunne tulee sallia niin paljon kuin tekijän idea vaatii." Ei vain sitä: "Luonnollisuus ja aito tunne ovat välttämättömiä taiteessa, mutta siinä määrin kuin yleisidea sallii. Tästä kaikki taide koostuu - tarttumaan tähän linjaan ja seisomaan sen päällä.
Shchepkinin läheinen avustaja taiteellisen realismin periaatteiden edistämisessä oli Ivan Vasilyevich Samarin, kuuluisa Chatskyn roolin esiintyjä. Näyttelijä, ohjaaja ja yrittäjä N. M. Medvedev sanoo muistelmissaan Samarin-pelissä: "Se oli hienoa. Hänen ensimmäinen tekonsa ja lähtönsä on täydellisyys. Katsoja uskoi, että Chatsky oli "kiireessä", "lentävä", "treffin elävöittynyt". Muistaakseni kukaan ei osannut kokea runoutta ja hallita sitä, kuten I. V. teki. Mikä äänen intonaatioiden joustavuus, siirtymien nopeus aiheesta toiseen - hämmästyttävää! Kuinka hauskaa, huumoria lapsuusmuistoineen! Kuinka hän maalasi Griboedovin runoilla - hän maalasi muotokuvia Moskovan yhteiskunnasta! Nuoruus, sarkasmi, joskus sappi, katuminen Venäjää kohtaan, halu herättää hänet - kaikki tämä oli täydessä vauhdissa ja peitetty tulisella rakkaudella Sofiaan.
Näin Chatsky-Samarin pysyi hänet nähneiden muistoissa. Mutta välitön vaikutelma oli samanlainen, eikä vain Moskovassa, vaan myös Pietarissa, jossa Samarin vuonna 1846 "uhannut esiintyä Chatskyn roolissa V. Karatyginin ja G. Maksimovin jälkeen Pietarin yleisön edessä, joka oli tottunut soittamaan näitä taiteilijoita, rakastaa heitä ja liittyi Chatskyn kuvaan juuri heidän kasvoillaan "(kuten modernit lehdet huomauttivat), ja selvisi voittajana. "Hänen ensimmäisestä vaiheesta lähtien näimme Chatskin hänessä, sellaisena kuin hänen pitäisikin olla, valistunut, älykäs, jalo maallinen henkilö... Hänen soittonsa, keskustelunsa olivat korkeimmalla tavalla luonnollisia, ja tämä meidän mielestämme lisää "Repertuaari ja Pantheon" -lehti on yksi nuoren taiteilijan tärkeimmistä eduista." Chatskyn aito "sekularismi" esittäjänä Samarin, jolla oli "tapoja", joka osasi täydellisesti käyttää frakkia eikä missään nimessä nostanut ääntään itkuun - mikä tuntui Famus-piirissä kasvatetulle Chatskylle mahdottomalta hyväksyä - samoin kuin " Hänen pelinsä luonnollisuus teki Samarinista "Venäjän näyttämön parhaan Chatskyn".
Sanomattakin on selvää, että Shchepkinin ja Samarinin kaltaisten taiteilijoiden "Woe from Wit" -elokuvan keskeisten roolien vakuuttava ja elävästi realistinen esitys ei voinut muuta kuin vaikuttaa näytelmän muiden kuvien ruumiillistukseen niiden realistisen paljastamisen suhteen.
Tässä suhteessa on vaikea yliarvioida "Woe from Wit" -teoksen merkitystä realistisen näyttämötaiteen perustamiselle ja kehitykselle, jonka vakuuttuneita perustajia olivat Shchepkin ja Samarin.

Shchepkin kuoli vuonna 1863. Samana vuonna Maly-teatterin intohimoinen ihailija, huomaavainen ja tiukka kriitikko A. N. Bazhenov kirjoitti artikkelin otsikolla "Tarve päivittää "Voe from Wit" -teatteriesitystä. Siinä hän toi esiin useita virheitä, jotka olivat hiipineet näyttämötekstiin ja komedian tuotantoon. Hän oli erityisen närkästynyt näyttelijöihin, joista vain Shchepkin, Stepanov, Nikiforov ja Orlov, "heidän ansiokseen, ovat jo pitkään ymmärtäneet oikean puvun tarpeen, ainakin rooleihinsa, vaikka he tekivätkin aina poikkeuksen, joka oli liian silmiinpistävää", kun taas kaikki muut ja varsinkin Famusovin juhlan vieraat olivat pukeutuneet muodikkaasti ei niiltä vuosilta, jolloin "Voi nokkeluudesta" -toiminta tapahtuu (kuten Bazhenov määritteli, "viimeistään 23. vuonna"), mutta siitä vuodesta, jolloin esitys oli, tai parhaimmillaan sen ensimmäisen tuotannon vuodesta. Tämän ansiosta lavalle nousivat yhtä aikaa uudet frakit ja krinoliinit, 32. vuoden naisten muotimekot ja 1800-luvun kahdenkymmenen ensimmäisen vuoden puvut. Sisustuksen suhteen tilanne ei ollut parempi: erityisiä koristeita ei tehty; paviljongit valittiin olemassa olevista, kuten valittiin myös käytettävissä olevat kalusteet ja toiminnan aikana tarvittavat tunnit, jotka ensimmäisessä näytöksessä "lyö ja leiki", olivat "false" - arvottiin.
Samana vuonna, 19. lokakuuta, ohjaaja Bogdanov järjesti uudelleen "Voi nokkeluudesta", joka jatkoi näytelmää hyödykseen. "Komedian asetelmiin on kiinnitetty huomiota koristeellisesti ja rekvisiitta", Bazhenov totesi. "Kahdella viimeisellä näytöksellä kirjoitettiin uusia maisemia ja kirjoitettiin erittäin onnistuneesti. Kolmannen näytöksen kalusteet ovat uusia tai kunnostettuja ja näyttävät uudelta, jopa kahden ensimmäisen näytöksen huoneessa oleva vanha väärennöskello on vanhan ajan luonteen korvattu oikeilla.
Mutta pukujen alalla vallitsi sama sekoitus aikakausia, muodeja ja kampauksia. Tätä oli vaikea käsitellä. Hyvin harvat ymmärsivät tuolloin tarpeen toistaa pukuja, jotka sopivat toimintavuosille. Ei vain sitä: jopa sellaiset hienovaraiset taiteilijat kuin Goncharov, joka antoi upean analyysin "Voe from Witistä" klassisessa artikkelissaan "Miljoona kärsimystä", vuonna 1872 vaati, että "vanhanaikaiset frakit, erittäin korkealla tai erittäin matalalla. vyötärö, naisten mekot, joissa on korkea liivi, korkeat konepellit - kaikessa tässä hahmot näyttävät pakenevilta käytettyjen tavaroiden markkinoilta, ”miksi hänen mielestään näyttelijöitä on mahdotonta pukea historiallisiin pukuihin. Jos teatteri käsitteli pukuongelmaa tällä tavalla, siinä oli myös perustavanlaatuisia näkökohtia: "Voi nokkeluudesta ei tunnustettu näytelmäksi, joka kuvaa elämää, joka oli lähtenyt kaukaiseen menneisyyteen, vaan se nähtiin teoksena, joka oli kirjoitettu aihe, joka on edelleen moderni ja ilmaisee ajatuksia lähellä nykypäivää.
Komedian lavastamisessa vuonna 1864 yritettiin "puhdistaa kuolematon komedia kaikesta vulgaarisuudesta, joka vääristi sitä Venäjän näyttämöllä". Päätettiin "lavastella Woe from Wit" täysin kirjoittajan suunnitelmien mukaisesti ja ottaen huomioon, että hän ei kutsunut näytelmäänsä "komediaksi tanssilla", että itse tanssit klovnien muodossa, joissa he on tähän asti lavastettu, palvellut vain kaupunginosan huvituksia ja että yhteiskunnan korkeimmassa kerroksessa, jonka piiriin kirjailija on tuonut toimintansa, tansseja ei ole koskaan esitetty alueellisilla temppuilla, jotka antavat niille kaiken esityksen arvon. Teatteri "halusi heittää ne pois kokonaan" ja rajoittua Griboedovin tekstin mukaan valssiin, joka alkaa pianon äänillä Chatskin viimeisen monologin aikana kolmannessa näytöksessä.
Huhut tästä Maly-teatterin toteuttamasta "uudistuksesta" saavuttivat Moskovan sotilaskuvernöörin, joka varoitti virallisessa kirjeessään teatteriviranomaisia ​​"vastuusta, joka kuuluu osastolle mahdollisten ilmentymien sattuessa": käy ilmi, että näytelmäkirjailijan tahto voi aiheuttaa ilmentymisen julkisuuden ulkopuolelta! Lisäksi Pietarin viranomaiset puuttuivat asiaan ja määräsivät tanssit säilytettäväksi, mikä motivoi järjestystä sillä, että ne esiteltiin "edellä mainitun esityksen ensimmäisestä kerrasta lähtien" (muistakaa "Moskovan ball"! ) Ja että "enemmistö yleisöstä tottui niihin." "Mitä tulee heidän esitykseensä klovnimaisessa muodossa", kirjoitti keisarillisten teattereiden johtaja, kreivi Borch, "olen täysin samaa mieltä siitä, ettei heidän pidä antaa olla liian karikatyyriä (mutta "vain" karikatyyriin' pitäisikö olla? - VF), lukuun ottamatta Skalozubin mazurkan omaperäisyyttä silloisena armeijan upseerina ja jonkinlaista kömpelyyttä muiden tanssijoiden välillä, kuten kotitapaamisissa havaitaan. Tietenkin tällaisella käskyllä ​​teatteri ei voinut toteuttaa tarkoitustaan, eikä yli kahteen vuosikymmeneen ollut kysymys tanssien tuhoamisesta. Vasta vuoden 1887 jatkuessa ohjaaja S. A. Chernevsky sai lopulta aikaan sen, että lavalla tanssittiin vain valssia ja tanssittiin pianoforten tahtiin.
Bogdanovin esittämässä näytelmässä "Voi nokkeluudesta" esiintyi useita uusia esiintyjiä, mukaan lukien Famusovia, joita esitti ensimmäistä kertaa I. V. Samarin, joka myöhemmin sai yleisen tunnustuksen yhtenä tämän kuvan merkittävistä ruumiillistumista. Jo ensimmäisen esityksensä jälkeen uudessa roolissa A. I. Bazhenov kirjoitti: "Samarin, kuten odotimme, oli hyvä Famusovin roolissa. Ei aivan todellisen ja pakotettujen koetusten herrallisuus ja tärkeys vaikutti häneen kaikkialla, missä se oli tarpeen, ja puhetavassa, asennossa ja kaikissa liikkeissä. Famusovin kyky sopeutua olosuhteisiin, hänen kykynsä muuttua nopeasti ja asettua erilaisiin suhteisiin eri ihmisten kanssa, Famusovin hahmon vaikeimmat ominaisuudet ilmaistaan, löysivät esiintyjässä melko totuudenmukaisen ja yksityiskohtaisen ilmaisun. Vitsailee, mutta ei luopunut arvokkuudestaan ​​Lizalle, tiukka tyttärelleen ja Molchalinille, hillitty hellä tapaamisessa Chatskyn kanssa, ärtyisä hänen kanssaan myöhemmissä keskusteluissa, ärtyisä ja vihjaileva Skalozubin kanssa, erittäin nopealuonteinen ja siksi hieman pelottava vihassa. Famusov ilmestyi meille herra Samarinin esittämänä, kaikki nämä omat piirteemme, jotka tekevät hänestä niin elävän ihmisen. Samarin, joka oli kuuluisa erinomaisesta runolukustaan, Famusovin roolissa osasi loistavasti välittää Griboedovin runollisen muodon piirteet, jotka ilmeisesti hämärsi Shchepkin, joka saavutti näyttämöpuheen maksimaalisen yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden.
Samassa tuotannossa 7. joulukuuta samana vuonna 1864 S. V. Shumsky esiintyi hyötyesityksessään Chatskyn roolissa, joka korvasi suhteellisen heikon esiintyjän Vilden.
Älykäs ja hienovarainen mestari Shumsky on ensimmäinen, joka ilmentää kuvan Woe from Witin keskeisestä hahmosta harmonisessa yhdistelmässä sosiaalista draamaa ja henkilökohtaista draamaa. Hän itse kirjoitti: "Chatsky kuvattiin lavalla loistavana päättelijänä, kiihkeänä yhteiskunnan paatuneiden käsitteiden ja tapojen paljastajana, minkä vuoksi hän vaikutti töykeältä; Taiteilijalta vaadittiin vain, että hän lausui taitavasti tunnetut monologit. Mutta Chatsky on ennen kaikkea intohimoisesti rakastunut mies; kaikki hänen ajatuksensa keskittyvät Sophiaan; elämässä ei ole hänelle mitään korkeampaa kuin innostaa häntä vastavuoroisuuteen; jos tähän olisi kiinnitetty huomiota, jos syyttäjä Chatski olisi jäänyt taka-alalle ja syvästi rakkaudesta kärsivä Chatsky olisi ilmaantunut ensimmäiseksi, niin hän olisi saanut hyvin selvän fysiognomian. Ja yritän tehdä sen."
Shumsky onnistui ilmentämään Chatskia juuri tällä tavalla. Lisäksi hän "edisti tietoisuutta omasta arvokkuudestaan, tälle henkilölle ominaista henkistä aristokratiaa. Chatsky esityksessään ei ollut jo ensimmäisen nuoruuden mies, joka ei menettänyt sydämen nuoruutta, vaan hankki mielen kypsyyden ja tietoisen tuomion kyvyn; kaikki, mitä hän sanoi, vaikutti olevan kokemuksen ja vertailun tulosta, jotain täysin itsenäistä ja (kuuluu hänelle), kirjoitti Shumskyn elämäkerran kirjoittaja Koropchevsky.
Kahdenkymmenen vuoden ajan Bogdanovin tuotantoa pidettiin lavalla. Yksittäiset esiintyjät vaihtuivat, uusia tuli mukaan. Heidän joukossaan oli niitä, joista tuli myöhemmin Maly-teatterin merkittäviä mestareita. Joten esimerkiksi vuonna 1874 M. N. Ermolova alkoi näytellä Sophiaa, Lisaa vuonna 1868-N. A. Nikulin, Zagoretsky -M. P. Sadovsky (1877) ja O. A. Pravdam (1880), prinsessa Tugoukhovskaya-O. O. Sadovskaya (1882), Molchalin - Reshimov (1877) ja M. P. Sadovsky (1882). Samassa tuotannossa vuonna 1882 N. M. Medvedeva esiintyi ensimmäistä kertaa ja loi klassisen kuvan Moskovan naisesta Khlestovasta. Samassa tuotannossa he tekivät debyyttinsä Chatskyn roolissa: vuonna 1869 - Reshimov, vuonna 1876 - A. P. Lensky, vuonna 1882 - A. I. Yuzhin ja F. N. Gorev.
Samarinin kuoleman jälkeen Woe from Wit poistui lavalta kolmeksi kaudeksi. Famusovin roolin kuuluisa esiintyjä näytteli häntä viimeisen kerran 20. toukokuuta 1883, ja vasta 16. syyskuuta 1887 ohjaaja SA Chernevsky päätti jatkaa komediaa: ei ollut näyttelijää, joka olisi millään tavalla sopiva rooliin. Famusovista. Samaan aikaan seurueessa oli kaksi hyvin erilaista, mutta kirkasta Chatskya - kiihkeä ja romanttinen Gorev ja älykäs, koulutettu, kuuma nuori Yuzhin (debyyttistään tässä roolissa hän itse kirjoitti: "Hänellä oli upea ulkoinen menestys - kolme kehotusta poistua neljännestä näytöksestä ... Mutta soitin, vaikka kuumasti, mutta huonosti"), ja mikä tärkeintä, oivallus, että "Voe from Wit" ei voi olla poissa ohjelmistosta, johti sen uusimiseen.
Tekstiin sisällytettiin monia aiemmin sensuurin kieltämiä rivejä, kadrilli ja mazurka poistettiin kolmannesta näytöksestä, esiteltiin joukko uusia esiintyjiä, mukaan lukien Skalozub-K:n rooli. N. Rybakov, Gorev näytteli Repetilovin roolia, ja Vilde, joka ei selvinnyt roolista, näytteli Famusovia ensi-illassa, ja hänet korvasi 6. marraskuuta A. P. Lensky.
Suuri näyttelijä ei heti onnistunut tässä vaikeassa roolissa. Pitkään hän ei uskaltanut esiintyä siinä, ja jokainen vaikeus (kuten hän kirjoitti ohjaaja Chernevskylle) "tahatta" sai hänet ajattelemaan: "Eikö tämä ole kohtalon varoitus? Sano: älä pelaa, epäonnistut. Mutta ei tietenkään voinut olla epäonnistumista. Paransi kuvaa, jota hän esitti kuolemaansa asti (vuonna 1908), hän muutti sen yhdeksi mestariteoksistaan. Puheen kielen luonnollisen puheen harmoninen fuusio Gribojedovin säkeen mestarilliseen ääntämiseen, jossa näyttelijä pystyi tuomaan esiin sekä rytmin erityispiirteet että riimien omaperäisyyden, yksityiskohtien filigraanisen viimeistelyn, tyypillisen sosiaalisen, psykologisen ja arjen toiston. Famusovin kuvan puolella, sisäisen maailman ja hahmon ulkonäön hienovaraisin ominaisuus, ja se ei vain tuonut Lenskylle aikalaistensa yleistä tunnustusta, vaan myös vangitsi hänet Famusovin Maly-teatterin näyttelijätaitojen luovaan historiaan.
Myös Yuzhinin esittämä kuva Chatskysta kehittyi. Tuon ajan tunnettu kriitikko S. V. Vasiliev-Flerov kirjoitti vuonna 1897: ”Seurasin Juzhinia tässä roolissa siitä hetkestä lähtien, kun hän esiintyi siinä ensimmäisen kerran Maly-teatterin näyttämöllä. Minun silmissäni prosessi taiteilijan jatkuvasta roolityöstä, jatkuvasta yksityiskohtien pukeutumisesta alkoi vähitellen muotoutua... Rooli tuli joka kerta entistä kokonaisvaltaisemmaksi ja harmonisemmaksi, ”ja vihdoin nyt kriitikkona. totesi, että hänen esityksensä "sävyn hämmästyttävän yhtenäisyyden ja kokonaisuuden harmonian vuoksi sitä voidaan kutsua esimerkilliseksi". Samaan aikaan tässä kuvassa, joka aluksi paljasti kirkkaasti ja vakuuttavasti Chatskin henkilökohtaisen draaman, Yuzhin toi vähitellen käyttöön protestoivan alun yhä enemmän. Seurauksena oli, että Chatski Juzhinasta tuli ensimmäinen Chatski, joka sai dekabristit muistamaan (kuten V. Mihailovsky huomautti puhuessaan vuoden 1889 esityksestä).
Tässä tuotannossa vuodesta 1888 lähtien Sofian roolia näytteli A. A. Yablochkina. Hänen luomansa elävät kasvot, joissa yhdistyivät 30-luvun Moskovan nuoren naisen tyypilliset piirteet, Famus-yhteiskunnan edustajan ominaispiirteet ja yksilölliset ominaisuudet

in / noin, 202 gr.

Essee venäläisestä kirjallisuudesta

Ensimmäiset teatteriesitykset "Voi nokkeluudesta".

(1827 - 1906)

Moskova, 2011

Ainoa kirkas näytelmä "Voi nokkeluudesta" riitti Griboedoville astumaan venäläisen kirjallisuuden historiaan suurimpana näytelmäkirjailijana. Aikalaisten piirissä, jossa Gribojedov luki, kuten hän kirjoitti, näytelmän näytelmiä, teos sai tunnustusta ja menestystä; dekabristit tervehtivät häntä erityisen innostuneesti. Pushkin antoi loistavan kuvauksen komediasta ja totesi siinä "hahmot ja terävän kuvan moraalista".

Mutta näytelmän polku yleisen lukijan mieleen oli täynnä vaikeuksia. Reaktionaarinen siipi otti Voi Witiltä vihamielisesti. Komedia sensuroitiin ankarasti, purevimmat ja mieleenpainuvimmat linjat leikattiin, joita ilman näytelmä menetti omaperäisyytensä. Gribojedov ei koskaan nähnyt aivotuoksuaan tulostettuna kokonaan. Venäjällä näytelmän ensimmäinen luvallinen kokonaispainos julkaistiin vasta vuonna 1862, vain 38 vuotta sen luomisen jälkeen. Näytelmän lavakohtalo oli hieman parempi. Näytelmässä oli havaittavissa kaikuja dekabristisuudesta, oli mahdotonta ajatella, että hänet olisi otettu lavalle: vuonna 1825 tämä olisi ollut poliittinen mielenosoitus.

Ensimmäisen kerran Pietarin teatterikoulun opiskelijat yrittivät tuottaa "Voi nokkeluudesta" toukokuussa 1825. Kaikki tämä tapahtui sensuurin tietämättä. Näyttelijä P. A. Karatygin otti aloitteen omiin käsiinsä. Griboedov valvoi henkilökohtaisesti esityksen valmistelua. Karygin muistelee muistiinpanoissaan: ”Lähdimme nopeasti töihin, maalasimme roolit muutamassa päivässä, opimme ne viikossa ja asiat sujuivat hyvin. Gribojedov tuli itse harjoituksiin ja opetti meitä erittäin ahkerasti... Olisi pitänyt nähdä, millä nerokkaalla ilolla hän hieroi käsiään nähdessään "Voi nokkeluudesta" lapsellisessa teatterissamme... Hän toi mukanaan yhteen harjoituksiin. AA Bestuzhev ja Wilhelm Kuchelbecker - ja he myös kehuivat meitä.

Valitettavasti esityksen viimeisessä ajossa, juuri ennen tulevaa esitystä, tuotanto kiellettiin, koska he näkivät siinä "Moskovan herjausta". Pietarin kenraalikuvernööri gr. M. A. Miloradovich selitti tämän sillä, että "näytelmää, jota sensuurit eivät ole hyväksyneet, ei voida antaa pelata teatterikoulussa". Tämä tietysti järkytti Gribojedovia suuresti.

Seuraava yritys, vuonna 1827, kruunasi suuren menestyksen. Jerevanin varuskunnassa, jota johti kenraali A. Krasovsky, palveli koulutettuja upseereita, joiden joukossa oli maanpaossa olevia dekabristeja. Tämä täytti roolinsa, ja esitys pidettiin joulukuussa Sardarin palatsin peilisalissa. Sen kuvaus on Griboedovin matkamuistiinpanoissa: "Halli on suuri, lattia on peitetty kalliilla kuvioiduilla matoilla ... kupera katto edustaa kaaosta peilipaloista ... Kaikilla seinillä, kahdessa rivissä, päällekkäin , on maalauksia - Rostomin seikkailuja."

Gribojedovin komediasta oli myös muita, myöhempiä amatöörituotantoja. Vuonna 1830 useat nuoret matkustivat vaunuissa Pietarissa, lähettivät tuttuihin taloihin kortin, jossa oli merkintä ”Voi III:n nokkeluudesta”, astuivat sisään taloon ja näyttelivät siellä erillisiä kohtauksia komediasta. Näytelmän esitti myös 26. tammikuuta 1831 Prinssi Aleksandr Chavchavadze, Gribojedovin appi, Tiflis-armenialaisen teologisen seminaarin salissa. Suurella näyttämöllä "Woe from Wit" esitettiin Gribojedovin kuoleman jälkeen.

2. joulukuuta 1829 Pietarissa Bolshoi-teatterissa esiteltiin ensimmäistä kertaa osana välisoittoa yksi kohtaus komedian I näytöksestä. Se oli näyttelijä M. I. Valberkhovalle hyödyllinen esitys; draamaan "John, Suomen herttua" lisättiin "Teattinen aula, tai: Lava lavan takana, välisoitto, joka koostuu lausunnoista, laulusta, tanssista ja tanssista." Ilmoitettiin, että ”yhdessä välikappaleessa soitetaan kohtaus komediasta Woe from Wit, säkeessä op. A. Griboedov” (ote ensimmäisestä näytöksestä, ilmiöt 7 - 10). Näyttelijöitä olivat: Chatsky - I. I. Sosnitsky, Famusov - Boretsky, Sophia - Semenova Jr., Lisa - Montgotier-teatterikoulun oppilas. Joten tämä kohtaus piilotettiin laulamisen ja tanssimisen välissä, yksi komedian viattomimmista jaksoista.

Esityksen ohjelma laajeni vähitellen. 5. helmikuuta 1830 koko kolmas näytös pidettiin siellä ensimmäistä kertaa; Saman vuoden 16. kesäkuuta 1830 esitettiin kaksi komedian näytöstä - kolmas ja neljäs. Lokakuun 9. päivästä alkaen heidän rinnalleen liittyi yksi kohtaus I näytöksestä. Täysin, mutta vääristyneessä sensuroidussa versiossa Woe from Wit esiteltiin ensimmäisen kerran Pietarissa 26. tammikuuta 1831 Ya. G. Bryanskyn eduskuntaesityksessä, johon osallistuivat tuon ajan tunnetuimmat näyttelijät - VA Karatygin. (Chatsky) ja I. I. Sosnitsky (Repetilov).

Kohdan viihdyttävä luonne auttoi häntä saavuttamaan ja pian ilmestymään Moskovan näyttämölle. Vuonna 1830 päivätyssä kirjeessä M. S. Shchepkin kirjoitti I. I. Sosnitskylle: "Tee minulle palvelus, ystäväni, älä kieltäydy täyttämästä pyyntöäni. Minulle on luvattu vaudeville edusuoritukseni; mutta näen, ettei hän voi olla valmis millään tavalla; sitten, jotta voisin jotenkin korvata, haluan antaa divertisman, johon sijoittaa joitakin kohtauksia. Ja siksi käske minun kirjoittaa Woe from Witistä mahdollisimman pian pois näyttelemäsi kohtaukset ja rouva Valberkhovan hyötyesitys. "Ja jos he kirjoittavat sen", lisäsi Shchepkin varovaisesti, "esitä se toimistollesi, jotta se hyväksyy sen, että kohtaukset on esitetty Pietarin teatterissa."

Sensuuri salli vain tiettyjen kohtausten esittämisen komediasta; vasta 27. marraskuuta 1831 näytelmä esitettiin kokonaisuudessaan ensimmäisen kerran. Teatterikriitikot molempien "pääkaupunkien" tuotannoista vastasivat kielteisesti.

Mutta yleisön keskuudessa "Woe from Wit" -elokuvan ensimmäiset, edelleen fragmentaariset esitykset pidettiin suurella menestyksellä. Kolmannen näytöksen ensimmäisestä tuotannosta vuonna 1830 Pietarissa The Northern Bee -elokuvan teatteriarvostelija kirjoitti: "Kaikki dramaattisen taiteen ystävät ovat kiitollisia rouva Karatyginalle, että hän valitsi tämän jakson hyödyksi... mikä innostunut suosionosoitukset! Jos he eivät pelänneet häiritä esityksen kulkua, aplodit kuuluisivat jokaisen säkeen jälkeen. Teoksessa "Northern Mercury" arvostelija totesi myös: "Koko aplodit eivät melkein lakanneet."

I. E. Gognieva yksityisessä kirjeenvaihdossa (1830) A. K. Balakirevin kanssa kirjoitti innostuneesti Woe from Witin varhaisista esityksistä: "Huolimatta siitä, kuinka usein he soittavat, he eivät voi sammuttaa yleisön janoa<...>

Professori ja sensori A. V. Nikitenko totesi päiväkirjassaan 16. helmikuuta 1831 menestyksen toisen puolen: ”Olin teatterissa Gribojedovin komedian Voi Witistä esityksessä. Joku huomautti terävästi ja oikein, että tähänkin näytelmään ei jäänyt muuta kuin surua: Benckendorffin kirjallisuusneuvoston kohtalokas veitsi oli niin vääristänyt sen. Näyttelijätyö ei myöskään ole hyvä. Monet, Karatygin Suuria lukuun ottamatta, eivät ollenkaan ymmärrä nokkelan ja loistavan Gribojedovin luomia hahmoja ja asentoja. Tätä näytelmää pelataan joka viikko. Teatterin johto ansaitsee häneltä paljon rahaa. Kaikki paikat ovat aina varattuja, ja jo kello kaksi esityksen aattona on mahdotonta saada lippua laatikossa tai tuoleissa.

Näyttelyt Maly-teatterin teatteriohjelmassa tihkuivat vähitellen. "Voe from Wit" -elokuvan III näytös soitettiin 23. toukokuuta 1830. 31. tammikuuta 1830 Shchepkinin etuesityksessä Molieren "Miserly" jälkeen esitettiin ote vaudevillen sijasta "Voe from Witistä" ja Shchepkin näytteli siinä Famusovin roolia. Hän kirjoitti Sosnitskylle tämän tuotannon "suuresta menestyksestä". Tanssillisen vaudevillen sijaan komedian kolmas näytös lipsahti teatterisensuurin läpi AM Karatyginan hyötyesitykseen 5.2.1830: annettiin ranskaksi käännetty tragedia "Agamemnonin kuolema" ja sen jälkeen "Moskovan juhla". ”, Gribojedovin komedian kolmas näytös ”kuuluvuus tanssii hänelle”. Juliste sanoi: "Tanssijat ovat: rouva Bartrand-Atryux, Istomina, Zubova ja Alexis; herrat Alexis, Goltz s., Spiridonov M. ja Striganov ranskalainen quadrille; Spiridonova M., Shemayeva s., Avoshnikov ja Seleznev; herrat Shemaev s., Eberhard, Marcel ja Artemiev Mazurka. Tämä baletin "traditio" kulki läpi kaikki 30-, 40- ja 50-luvut ja saavutti 60-luvun. He tanssivat poloneesia, ranskalaista quadrillea, mazurkaa orkesterille. Famusov-Schepkin oli myös mukana tanssissa; Erinomaiset balettitanssijat osallistuivat niihin, ja jotkut dramaattiset taiteilijat, kuten esimerkiksi N. M. Nikiforov, tulivat kuuluisiksi siitä, että he suorittivat "karikatyyriaskeleita" "jäljittämättömästi". Moskovan Maly Theatre vuonna 1864 yritti "puhdistaa Gribojedovin kuolemattoman luomuksen kaikesta vulgaarisuudesta, joka vääristi sitä lavalla", ja ennen kaikkea tanssista "karikatyyrimuodossa". Mutta Pietarin teatteriviranomaiset määräsivät tanssit "jättämään ennalleen", koska "enemmistö yleisöstä tottui niihin". Tanssit pehmensivät teräviä kulmia ja neutraloivat tekstin satiirista myrkkyä. Pyrkiessään menestymään vaatimattoman yleisön kanssa teatterinjohtajat ja ohjaajat rohkaisivat tätä baletin tunkeutumista draamaan. Ei vain 60- tai 80-luvulla, vaan myös 90-luvulla ja myöhemminkin Woe from Wit -elokuvan tuotannoissa esiintyi tanssin divertismenttiä.

Komedian tekstissä oli tiedossa epäselvyyksiä, vaikeuksia, jopa osittaisia ​​ristiriitaisuuksia, mikä vaikeutti sen näyttämistä. Ensimmäisen kerran esiintyessään lavalle Woe from Wit törmäsi vanhoihin perinteisiin, jotka olivat vieraita tai vihamielisiä näytelmäkirjailijan rohkealle innovaatiolle. Minun piti voittaa takapajuus ja inertia lavastus- ja näyttelijämenetelmissä. Tämä kamppailu on venynyt nykypäivään, ja "Voe from Wit" joutui voittamaan realismille vieraita tyylejä - klassismista ekspressionismiin. Toisaalta parhaiden esiintyjien ja ohjaajien korkea kyky paljasti loistavan teoksen aarteet ja loi vähitellen rikkaan näyttämötyön perinteen.

Woe from Witin näyttämöesitystä rikastutti kirjallisuuskritiikki, tieteellinen kirjallisuuskritiikki ja teatteritutkimus. Ne auttoivat paljastamaan ideologisen sisällön, psykologisen rikkauden, arkielämän piirteet, dramaattisen rakenteen, kielen ja säkeistyksen korkeat ansiot, säilyttivät ja välittivät muille esiintyjille ja ohjaajille kaukaisesta ja lähimenneisyydestä kertynyttä perinnettä. Esitykset suunnittelivat taiteilijat loivat meikkejä, pukuja, maisemia ja kalusteita, jotka lisäsivät komedian historiallista ja esteettistä ymmärrystä.

"Voe from Wit" -elokuvan tekstiä ei kuitenkaan aina suojattu näyttelijöiden ja ohjaajien vääristymiltä. Tuskallinen ike oli tekstin sensuurivääristymä, joka tapahtui Woe from Witin näyttämöesityksessä lähes vuosisadan ajan - vuoteen 1917 asti.

"Voe from Wit" -elokuvan ensimmäiset jopa fragmentaariset esitykset pidettiin suurella menestyksellä. Kolmannen näytöksen ensimmäisestä esityksestä Pietarin näyttämöllä vuonna 1830 Pohjois-Mehiläisen teatteriarvostelija kirjoitti: "Kaikki dramaattisen taiteen ystävät ovat kiitollisia rouva Karatyginalle siitä, että hän valitsi tämän kohdan hyödyksi... kuinka kiihkeästi he kuuntelivat jokaista säkettä teatterissa, millä innolla he taputivat! Jos he eivät pelänneet häiritä esityksen kulkua, aplodit kuuluisivat jokaisen säkeen jälkeen. "Koko taputuksen aikana he eivät melkein pysähtyneet", kirjoitti Northern Mercury -lehden arvostelija.

Yksityisessä kirjeenvaihdossa I. E. Gognieva A. K. Balakireville (päivätty 1. heinäkuuta 1830) kirjoitti samoista Woe from Witin varhaisista esityksistä: "Huolimatta siitä, kuinka usein he soittavat, he eivät voi sammuttaa yleisön janoa<...>Joka viikko kaksi tai kolme kertaa "Voi Witistä"! "Voi Witistä"! sellainen oli Gribojedov! sellainen on hänen komediansa! Pelataan vain kaksi viimeistä toimintaa: Moskovan pallo ja Lähtö pallon jälkeen. Ihme! ihme! Voi rakas, kuinka sääli, että ihailen häntä ilman sinua. Mitä iloa, mitä eloisuutta lavalla! Naurua, iloa, suosionosoituksia läpi teatterin!... Sellaista iloa! mikä loma katsoa tätä kaikkea!”

Professori ja sensuuri A. V. Nikitenko esitti päiväkirjassaan 16. helmikuuta 1831 toisenlaisen näkökulman: ”Olin teatterissa Gribojedovin komedian Voi Witistä esityksessä. Joku huomautti terävästi ja oikein, että tähänkin näytelmään ei jäänyt muuta kuin surua: Benckendorffin kirjallisuusneuvoston kohtalokas veitsi oli niin vääristänyt sen. Näyttelijätyö ei myöskään ole hyvä. Monet, Karatygin Suuria lukuun ottamatta, eivät ollenkaan ymmärrä nokkelan ja loistavan Gribojedovin luomia hahmoja ja asentoja. Tätä näytelmää pelataan joka viikko. Teatterin johto ansaitsee häneltä paljon rahaa. Kaikki paikat ovat aina varattuja, ja jo kello kaksi esityksen aattona on mahdotonta saada lippua laatikossa tai tuoleissa. Rakkaudesta "Voe from Wit" -kirjaan venäläisessä yhteiskunnassa tuli hyödyllinen tekijä näyttämöhistoriassa; teatterityöntekijät ovat aina luottaneet yhteiskuntaan, katsojiin ja lukijoihin taistellessaan sensuuria ja hallintoa vastaan ​​Woe from Wit -elokuvan esittämisestä. Teatterikriitikko V. Maslikhin osuvan määritelmän mukaan ”katsojalle oli tuttu Gribojedovin komedia useista listoista, joihin sensuurin punainen kynä ei koskenut, ja näyttelijät näyttelivät sensuurin silpomasta kopiosta. Katsojalle Famusovin kuva kasvoi komedian koko tekstistä, ja näyttelijä veisti kuvansa sensuurin jättämistä tekstin jäännöksistä, joista puuttui monia hahmon tyypillisimpiä piirteitä.

Famusovin kuuluisasta monologista "Siinä kaikki, olette kaikki ylpeitä!", joka sisältää 34 säkettä, sensuuri jätti teatteritekstiin vain kolme ensimmäistä säkettä, syyttömin; kaikki muu heitettiin armottomasti pois. Samaan aikaan tämä monologi on yksi Famusovin sosioeettisen luonnehdinnan ja samalla Katariinan ajan "jalon" aateliston perusta. Lienee tarpeetonta sanoa, kuinka tämä monimutkaisi näyttelijän tehtävää, kuinka monta rikasta mahdollisuuksia katosi samanaikaisesti taiteelliseen ilmentymiseen intonaatioissa, ilmeissä, koko näyttelijän näyttelemisessä. Saman Famusovin jäljennöksistä teatterisensuuri heitti esiin monia muita tärkeitä ja painavia sanoja, esimerkiksi:

Sergei Sergejevitš, ei! Jos paha aiotaan pysäyttää:

Ota pois kaikki kirjat, mutta polta ne.

Jakeen: "Kokeile viranomaisia, niin paholainen ei kerro sinulle mitään" - tekstiin on lisätty merkityksetön lause: "Yritä puhua, niin et sano mitään." Chatskyn linjoissa ja monologeissa tehtiin suuria poikkeuksia. Ja muut roolit kärsivät sensuurin väkivallasta. Komedian koko teatteriteksti oli rampautunut. Sosiopoliittista satiiria ei vain pehmennetty tai kaiverrettu, vaan jopa psykologiset ja arkipäiväiset piirteet poistettiin. Joten seuraava Famusovin itsensä luonnehdinta ei ollut sallittua:

Katsokaa minua: en kersku perustuslaistani;

Kuitenkin iloinen ja raikas, ja elänyt harmaisiin hiuksiin,

Vapaana, lesket, olen herrani...

Tunnettu luostarikäyttäytymisestä! ..

Ja näyttelijä, joka tiesi alkuperäisen, täydellisen Griboedovin tekstin, pakotettiin tukehtumaan sanoihin yleisön edessä.

Teatteritekstin "Voi nokkeluudesta" tuhoisa tila XIX-luvun 30-50-luvuilla. esti venäläistä draamateatteria paljastamasta näytelmän korkeaa realismia näytelmässä.

Mutta tuolloin erittäin teatteriympäristössä oli sisäisiä rajoituksia, jotka estivät komedian innovatiivisia saavutuksia paljastumasta näyttämössä.

Gribojedov oli dramaattisen taiteen uudistaja ja suuri realisti. Ja venäläisessä draamateatterissa klassismi (tai pikemminkin pseudoklassismi) hallitsi edelleen traagista ohjelmistoa ja esitystä, ja komediassa - "moliereismi". Poliittisen reaktion olosuhteissa oli havaittavissa intohimo kevyttä komediaa ja vodevillea kohtaan.

"Voe from Wit" tunkeutui ohjelmistoon kuin vieras kappale. NA Polevoy kirjoitti Moskovan Telegraphissa, "... Jokaista "Voe from Wit" -roolia varten "tarvitaan uusi rooli... Tällaisille rooleille ei ole näytteitä, ei esimerkkejä, sanalla sanoen, ei ranskalaisia ​​legendoja. ” Jopa Shchepkin esittäessään Famusovin roolia, tuolloinen kritiikki löysi vahvoja kaikuja hänen näyttelemistään Molieren rooleista. "Rouva Semjonova", kirjoitti venäläinen vammaisten sanomalehti vuonna 1831, "ei päättäväisesti ymmärtänyt Sofia Pavlovnan luonnetta. Hän esitteli suloisen univormun rakastajatar jostain vanhasta painetusta komediasta. Kriitikot itse kuitenkin joutuivat joskus tavanomaisten vanhojen ideoiden ja assosiaatioiden armoilla ihaillen esimerkiksi sitä, että Karatygin Chatskyn roolissa "oli Agamemnon, katsoi kaikkia Olympuksen korkeuksista ja luki tiradeja - satiirisia temppuja. moraalimme - kuin kohtalon tuomiot." Vastakkaisen suunnan näyttelijä Mochalov osoittautui myös epäonnistuneeksi Chatskyn roolissa: "Hän ei edustanut nykyaikaista ihmistä, joka eroaa muista vain esinekuvassaan, vaan eksentrintä, misantrooppi, joka jopa puhuu eri tavalla kuin toiset ja menee suoraan riitaan ensimmäisen tulijan kanssa."

Komedia "Voi nokkeluudesta" A.S. Griboedova toi kuolemattoman kunnian luojalleen. Se on omistettu 1800-luvun alussa kypsyneelle jaloyhteiskunnalle, konfliktille "menneen vuosisadan" ja "nykyisen vuosisadan", vanhan ja uuden välillä. Näytelmässä pilkataan silloisen maallisen yhteiskunnan perustuksia. Kuten kaikilla syytteillä, "Voe from Wit" oli vaikea suhde sensuuriin ja sen seurauksena vaikea luova kohtalo. "Woe from Wit" -elokuvan luomisen historiassa on useita keskeisiä kohtia, jotka on syytä huomioida.

Ajatus näytelmän "Voi nokkeluudesta" luomisesta sai alkunsa todennäköisesti Gribojedovilta vuonna 1816. Tällä hetkellä hän saapui Pietariin ulkomailta ja joutui aristokraattiselle vastaanotolle. Kuten Woe from Wit -elokuvan päähenkilö, Gribojedov oli raivoissaan venäläisten halusta kaikkeen vieraaseen. Siksi, kun hän näki illalla, kuinka kaikki kumartuivat yhdelle ulkomaalaiselle vieraalle, Griboedov ilmaisi erittäin kielteisen asenteensa tapahtuvaan. Kun nuori mies vuodatti vihaiseen monologiin, joku ilmaisi oletuksensa hänen mahdollisesta hulluudestaan. Aristokraatit ottivat tämän uutisen mielellään vastaan ​​ja levittivät sen nopeasti. Sitten Gribojedoville tuli mieleen kirjoittaa satiirinen komedia, jossa hän saattoi häikäilemättä pilkata kaikkia yhteiskunnan paheita, jotka kohtelivat häntä niin armottomasti. Siten Griboedovista itsestään tuli yksi Chatskyn prototyypeistä, Woe from Witin päähenkilöstä.

Esittääkseen realistisemmin ympäristöä, josta hän aikoi kirjoittaa, Griboedov, ollessaan balleissa ja vastaanotoissa, huomasi erilaisia ​​​​tapauksia, muotokuvia, hahmoja. Myöhemmin ne heijastuivat näytelmään ja niistä tuli osa "Woe from Wit" -elokuvan luovaa historiaa.

Gribojedov alkoi lukea ensimmäisiä otteita näytelmästään Moskovassa vuonna 1823, ja komedia, jonka nimi oli silloin Voi Wit, valmistui vuonna 1824 Tiflisissä. Teokseen tehtiin toistuvasti muutoksia sensuurin pyynnöstä. Vuonna 1825 vain otteita komediasta julkaistiin almanakissa Russian Thalia. Tämä ei estänyt lukijoita tutustumasta teokseen kokonaisuudessaan ja ihailemasta sitä vilpittömästi, sillä komedia meni käsinkirjoitettuina listoina, joita on useita satoja. Griboedov kannatti tällaisten luetteloiden ilmestymistä, koska tällä tavalla hänen näytelmänsä sai mahdollisuuden tavoittaa lukijan. Gribojedovin komedian "Voi nokkeluudesta" luomisen historiassa on jopa tapauksia, joissa kirjurit ovat lisänneet vieraita fragmentteja näytelmän tekstiin.

KUTEN. Pushkin tutustui komedian koko tekstiin jo tammikuussa 1825, kun Pushchin toi "Voi nokkeluudesta" runoilijaystävälle, joka oli tuolloin maanpaossa Mihailovskissa.

Kun Gribojedov meni Kaukasiaan ja sitten Persiaan, hän luovutti käsikirjoituksen ystävälleen F.V. Bulgarin, jossa on merkintä "Ustan suruni Bulgarinille ...". Tietenkin kirjailija toivoi, että hänen yritteliäs ystävänsä auttaisi näytelmän julkaisemisessa. Vuonna 1829 Gribojedov kuoli, ja Bulgarinin jättämästä käsikirjoituksesta tuli komedian Voi Witistä pääteksti. Näytelmä painettiin kokonaisuudessaan venäjäksi vasta vuonna 1833. Tätä ennen siitä julkaistiin vain fragmentteja, ja sensuuri vääristi merkittävästi komedian teatteriesityksiä. Ilman sensuuria Moskova näki Woe from Witin vasta vuonna 1875.

Näytelmän "Woe from Wit" luomisen historialla on paljon yhteistä komedian päähenkilön kohtalon kanssa. Chatsky oli voimaton yhteiskunnan vanhentuneiden näkemysten edessä, jossa hänen oli pakko olla. Hän ei onnistunut vakuuttamaan aatelisia muutoksen tarpeesta ja heidän maailmankuvansa muuttamisesta. Myöskään Griboedov, joka heitti syyttävän komediansa maallisen yhteiskunnan kasvoihin, ei pystynyt saavuttamaan merkittäviä muutoksia tuon ajan aatelisten näkemyksissä. Sekä Tšatski että Gribojedov kuitenkin kylväivät valistuksen, järjen ja edistyksellisen ajattelun siemeniä aristokraattisessa yhteiskunnassa, mikä myöhemmin antoi rikkaan verson uudelle aatelisten sukupolvelle.

Kaikista julkaisuvaikeuksista huolimatta näytelmällä on onnellinen luova kohtalo. Kevyen tyylinsä ja aforismin ansiosta hän meni lainauksiin. "Woe from Wit" -soundi on nykyaikainen. Gribojedovin esiin tuomat ongelmat ovat edelleen ajankohtaisia, koska vanhan ja uuden yhteentörmäys on väistämätöntä aina.

Taideteosten testi