Luova tutkimus Woe from Witin teatterituotannosta. Komedian "Voi nokkeluudesta. yleiskuvaus työstä

"l="0">

M. A. Voloshin.

"l="0">

____________________

"l="0">

[...] Uusi tuotanto "Woe from Wit" on ollut ilmassa muutaman viime vuoden ajan ja siitä on tullut väistämätön.

Tänä aikana Aleksanterin aika, joka oli meille siihen asti läheinen vain "Voe from Wit", "Onegin" ja "Sota ja rauha", saman aikakauden kirjalliset teokset ja piirustukset - kukin omalta osaltaan - saapui Venäjän maalaus. Benoisin ja Somovin Pietarissa nostama liike, jota Musatovin heijastelee Moskovassa, teki 1800-luvun alun tilanteen kauneuden läheiseksi. Aikaisemmin, tällä aikakaudella, vain hahmot ja tapahtumat olivat meille tuttuja, nyt huoneet, tavarat ja mekot ovat lähentyneet. Jopa enemmän kuin lähellä, koska juuri tähän aikakauteen kaikki surumme venäläistä antiikin puolesta kääntyi. Tämän uuden tunteen valaisemasta Woe from Witin uudesta tuotannosta on tullut historiallisesti välttämätön.

Mutta Taideteatterin ei tarvinnut vain seurata taiteilijoiden hahmottamia polkuja, vaan myös luoda itse itsensä. Somovin ja Benoitin tekemä yksityiskohtainen antiikin kehitys viittasi

210 Pietariin, ei Moskovaan. He antoivat vain menetelmän, ja Taideteatterin täytyi soveltaa sitä Moskovan aikakaudella. Tämä täysin uusi kuva Moskovasta on Taideteatterin tärkein ja todellisin ansio.

Päähenkilönä oli vanha kartano Moskovassa [...].

Ensimmäisen näytöksen tapahtumapaikka yllättää monimuotoisuudellaan [...], mutta silti puuttuu sisäinen eheys. Täällä soittokello ja osan huonetta erottava vaalea kepio-aita, Famusovin raidallinen silkkiaamiaispuku ja huonekalujen muoto ja minimuotokuvat seinillä ovat silmiinpistäviä, mutta kaikkea tätä ei ole vielä yhdistetty.

Toisen näytöksen asetelma antaa välittömästi kokonaisuuden kaikille näille erilaisille vaikutelmille. Se on pitkä, kapea muotokuvahuone, jonka takana on ikkuna. Muotokuvia roikkuu seinillä, ja kaksi raidallista sohvaa seisoo vastakkain. Punaiset tuolit, valkoinen kaakeliuuni. Ikkunan ulkopuolella lumen peitossa olevat katot ja kaikessa - tämä on Moskovan talviaamun tunne, tilava lämmin huone, aamutunnit illalliseen, kun jotenkin ei ole mitään tekemistä ja vähän tylsää ja erittäin mukavaa. .

Kolmas näytös on pallo, pukutoiminta par excellence. Mutta sen koko asetelma - sekä valkoiset pylväät, kaksi lapis-lazuli-maljakkoa ja kolminkertainen perspektiivi, joka avautuu olohuoneen ovista tanssisaliin, portaikkoon, jota pitkin vieraat nousevat, ja huoneeseen kaiteen takana. portaat - kuuluvat nerokkaimpiin arkkitehtonisiin konsepteihin.

Neljännen näytöksen tapahtumapaikat tuovat paljon läheisyyttä. Tämä on todellinen Moskovan eteinen - tilava, mutta ei kovin leveä. Vasemmalle laskeutuu portaat toisesta kerroksesta ja oikealla katos menee syvälle uloskäynnin sisään ja luminen aamunkoitto välähtää kaksoislasiovesta, joka antaa kaikelle tapahtuvalle erikoisen sävyn jonkinlaisesta kiihtyneestä väsymyksestä. unettoman yön jälkeen.

Komedian näyttelijät virtasivat suoraan vanhan talon kalusteista, ja tämä sai aikaan uuden tulkinnan monista kohtauksista. Niiden pääominaisuus oli, että he olivat kaikki hahmoja, mutta eivät hahmoja. Ja tämä ei ollut puute, vaan hieno lavastus. Klassinen tuotanto "Woe from Wit" antoi ennen kaikkea hahmot, tyypit. Kaikki Venäjän näyttämön jättiläiset loivat hahmonsa tässä komediassa. Taideteatteri ymmärsi aivan hyvin, ettei se voinut kilpailla heidän kanssaan tällä tiellä, ja vetäytyi vaatimattomasti tämän tehtävän eteen ja eväsi siten meiltä oikeuden esittää sille vaatimuksiamme tällä alalla.

Kun sanon hahmoja, tarkoitan pukua ja kasvoja. Taideteatterin puvut ovat kokonainen löytö. Chatskyn perinteinen frakki on korvattu pitkällä korkeavyötäröisellä kaftaanilla, jossa on leveä, korkealle käännettävä kaulus, joka voidaan kiinnittää

211 kuin unkarilainen. Chatsky esiintyy tässä kaftaanissa ensimmäisessä näytöksessä. Kolmannessa näytöksessä hän esiintyy frakissa, erittäin korkeana, tyylikkäänä ja erittäin vaatimattomalla litteällä röyhelöllä. Kolmas näytös on asetelman ja lavastuksen apoteoosi.

Taideteatteri käsitteli suurimmalla vakavuudella kaikkia kolmannessa näytöksessä esiintyviä pää- ja toissijaisia henkilöitä ja yritti luoda useita Aleksanterin aikakauden tunnusomaisia hahmoja, jotka ovat samanlaisia kuin "Sodan ja rauhan" hahmot, ja siitä ei ole epäilystäkään. että Diaghilevin historiallisten muotokuvien näyttelyllä oli ratkaiseva vaikutus niiden ymmärtämiseen. Moskovan luonne välitettiin kaikissa kasvoissa, tavoissa ja muodissa. Silmään, joka ei ollut tottunut sellaiseen lavastukseen, iski ensin naisten pukujen monimuotoisuus ja liioittelu. Mutta sitten mieleen tuli Shchukinin venäläisen antiikin museo ja todellisen Moskovan tyylin salaisuus tuli selväksi, mikä tarkoittaa kaikkien lännen trendien ja muotien saattamista äärimmäisyyksiin 2 . Euroopan taiteen muotoja jumalattomasti liioitteleva ja viimeisiin rajoihin vievä Moskova on aina luonut oman henkensä ja tyylinsä 1600-luvun puisissa röyhelöissä, Pyhän Vasilis Siunatun kierteisissä kupuissa ja Kremlin katedraaleissa, ja 1700-luvun naisten koruissa ja Aleksandrovskajan aikakauden aateliskartanoissa ja Moskovan historiallisen museon rakennuksessa ja nykyisissä "dekadenttisissa" taloissa, jotka kaikella leikkaavalla monimuotoisuudellaan ovat jo alkamassa. päästäksesi Moskovan kaistan luonteeseen.

Moskovan morsiamien ylelliset mekot ja hurmaavat hiukset, teeskennelty keikkailu ja käytöstavat ("Eivät sano sanaakaan yksinkertaisuudessa - kaikki irvistivät"), aasialainen kankaiden kirjallisuus, nauhat, rehevät vanhan naisen lippalakit, patriarkaalinen ylellisyys kaikenlaisista raidallisista takkeista ja turkista matkoilla, upeat meikit vanhat arvohenkilöt ja Moskovan ässät, joista prinssi Tugoukhovsky (hra Vishnevsky) erottuu kuolettavalla ja juhlallisella naamiolla vanhasta, vanhuudesta turtuneesta aatelista, kuudesta prinsessasta, jotka kaikki yhdessä vapisevat ja huolestuvat yksinään kuusijalkaisella vartalollaan, vanha nainen Khlestova (rouva Samarova) meikin päällä ja Katariina II:n, prinsessa Tugoukhovskajan (Raevskaja) puvussa kreivitär Livenin muotokuvan jälkeen. tämä on vanhan maalauksen ja vanhojen muotokuvien aitouden luonnetta.

"Seremoniaalinen vaunujuna
ukkosi; puuteroida peruukit
Potemkin yhtä monta vuotta,
Vanhat ässät-vanhat miehet ilmestyivät
Parhain terveisin...
Vanhat naiset, entisen hovin naiset” 3 .

Viimeisessä näytöksessä, juhlallisen kuvan jälkeen kaikkien näiden Moskovan muinaisesineiden lähtemisestä, näiden taipuneiden ja pukeutuneiden

Vanhojen lakeijeiden kultaisissa väreissä vanha talo yhtäkkiä hajotti piilopaikkansa ja tyttöjensa, ja kun Famusov meni alakertaan kynttilän kanssa, hänen takaa ilmestyi maanomistajan talon toinen puoli - jotkut talonpojat paidoissa, naiset valkoisissa aurinkovaatteissa. huivit sidottu yön ympärille pään ympärille. Tuntui kuin vanhassa talossa asuneet valkoiset haamut olisivat todella nousseet ylös.

"Voe Witistä" oli kerran satiiri. Tämä oli hänen alkuperäinen tavoite. Mutta todellinen taideteos jatkaa omaa elämäänsä aikana, jolloin sen tekijän päämäärät ja tavoitteet ovat menettäneet alkuperäisen merkityksensä. Meidän aikamme Woe from Wit on lakannut olemasta satiiri ja siitä on tullut arkipäiväinen historiallinen komedia. Taideteatteri ymmärsi tämän ja jätti kolmannesta näytöksestä pois pahan karikatyyrin elementin, joka oli aina korostunut kaikissa tuotannossa.

Tämän historiallisesti rauhallisen katseen ansiosta näitä tunnusomaisia Moskovan hahmoja syntyi siellä täällä komedian erilainen ja syvempi merkitys. Sanat "kerää kaikki kirjat ja polta ne" saivat traagisen luonteen, eivät koomista. Repetilovin (Lužskin kaupunki) hahmo muistutti odottamatta, että toiminta tapahtuu vuonna 1822, kolme vuotta ennen joulukuun katastrofia, ja että kaikkien tuon aikakauden Moskovan keskustelujen kaiku surina ja toistaa Repetilovin suussa, että tämä on idealististen salaliittojen ja innokkaiden salaseurojen aikakautta. Kohtaus, jossa Skalozub (hra Leonidov) lähtee ja Zagoretski (hra Moskvin) jää yksin Repetilovia vastaan ja he katsovat toisiaan, sai odottamattoman, aavemaisen merkityksen, ikään kuin kaksi tyhjää peiliä, asetettuna toisiaan vasten, toistuvat toisiaan vastaan. toiset äärettömyyteen ja jähmettyivät kauhusta, ikään kuin kaksi tyhjää aavetta olisivat yhtäkkiä tunnistaneet toisensa.

Mutta näiden historiallisten henkilöiden keskellä seisoi yksi kokonainen ja täydellinen hahmo. Se oli Chatsky-Kachalov. Herra Kachalov loi uuden ja täysin valmiin Chatskyn. Chatskyn rooli on aina hämmennyt sekä sen esiintyjiä että kirjallisuuskriitikkoja. Pitkien monologien ja syyttävät tiradidinsa ansiosta Chatsky oli luonteeltaan sekalainen, sekä näytelmän lausuva ensimmäinen rakastaja että moralisoiva Starodum. Chatsky puhui kaikille ja aina kirjoittajan puolesta, ja tämä säälittävä saarna hänelle täysin vieraiden ihmisten ja tyhmien ihmisten piirissä teki hänestä naurettavan ja sai hänet epäilemään omaa mieltään.

Kachalov ymmärsi ja pelasi roolin eri tavalla. Hänen Chatskynsa on hyvin nuori mies, melkein poika. Hän on yhdeksäntoista tai kaksikymmentä vuotta vanha. Hänen monisanaisuutensa, kiihkeytensä, epätoivonsa, tuomitsemisensa, jotka ovat hauskoja kypsän aviomiehen suussa, kuten olemme tottuneet näkemään Chatskyn lavalla, ovat melko luonnollisia, vilpittömiä ja aiheuttavat syvän myötätuntomme tämän nuoren, nuoren pojan suussa. .

Jotta voisi kuvitella tällaisen Chatsky-kysymyksen ratkaisun yksinkertaisuuden ja uskollisuuden, on muistettava, keitä tuon aikakauden, kahden vuosisadan vaihteen, sankarit olivat. Nuorten valtakunta sai alkunsa 1700-luvun lopulla. [...] Elämä tällä aikakaudella alkoi hyvin varhain. 15-16-vuotiaana opetus oli jo ohi ja elämä alkoi. Se alkoi liittymisellä rykmenttiin, kuten se oli Chatskyn elämässä. Ensimmäiset romaanit ja sydämen ensimmäiset tragediat tapahtuivat juuri siellä, jotka nuoruuden ja kehon arkuuden ansiosta jättivät syviä ja vahvoja jälkiä, ottivat Byronin kohtalokkaiden intohimojen mittasuhteet. Ja nyt tämän ikäiset nuoret pitävät sisällään näitä byronilaisia impulsseja ja intohimoja, mutta he tulevat harmaaseen elämäänsä unelmana, eivät todellisuutena, ja kirjallisuus on nyt vanhempien, kokeneempien ja siksi vähemmän spontaanien ihmisten käsissä. Pian 20 vuoden iän jälkeen (joskus aikaisemmin, joskus myöhemmin) nuoren miehen elämässä tapahtuu jyrkkä psykologinen ja fysiologinen käännekohta, joka vie hänet kuoleman partaalle ja asettaa ikuisia kysymyksiä elämästä ja olemattomuudesta. Tämä käännekohta tuolloin osui yhteen pettymyksen ja kylläisyyden kanssa, joka ilmaantui ensimmäisten myrskyisten elinvuosien jälkeen ja johti siksi wertherilaiseen tai byroniseen tunnelmaan.

Jos kuvittelemme, että kaikki nämä synkät sankarit puhuvat juhlallisia sanoja todellisessa mittakaavassaan ja iässään, he saavat meille jälleen vilpittömyyden ja nuoruuden selittämättömän viehätyksen. Tämän ymmärryksen ansiosta Kachalovin esittämästä Chatskysta tulee koko komedian tärkeimmät ja houkuttelevimmat kasvot, kuten hänen pitäisikin olla. Ensimmäisessä kohtauksessa hän purskahtaa iloiseen, nauruun, innostuneeseen ja rakkaan ja kauan odotettuun treffiin. Hän puhuu kuin poika. Hänessä ei ole pahuutta, ei pahuutta, ei irtisanoutumista. Hän on innoissaan, hän on iloinen, hän on nokkela, hän muistaa, hän haluaa näyttää erittäin mielenkiintoiselta. Hän itse nauraa hermostuneesti nokkeluudelleen. Vain seitsemäntoistavuotias häntäkin nuorempi Sophia voi ottaa sanansa vakavasti ja sanoa itselleen: "Ei mies ole käärme."

Keskustelussa Famusovin kanssa, Skalozubin kanssa, keskusteluissa Chatskyn ballissa tämä iloinen poika, jolla on kimaltelevat silmät, on jatkuvasti näkyvissä, joka on lapsellisesti närkästynyt Moskovan mielipiteistä, saarnaa teorioitaan, puhuu röyhkeyttä vanhemmilleen. Tämä on hänen ensimmäinen päivänsä Moskovassa, ja hänen puheensa on perusteltua hänen innostuneisuudellaan ja vaikutelmien runsaudella. Samalla on sanottava, että Kachalov osaa lukea runoutta. Hän ei etsi tarpeetonta realismia. Hän ei yritä piilottaa riimejä ja sotkea mittaria, hän asettaa niitä hieman syrjään, ja hänen suussaan Griboedovin säe soi täysillä, ja nykyaikaisista harmonioista hienostunut korva ihailee näiden ajattomien riimien kauneutta.

Kachalovin viimeinen toiminta suoritetaan täysin alkuperäisellä tavalla. Tuntuu, että Chatsky on väsynyt ja että hän haluaa nukkua,

214 ja että hän loukkaantui kuin lapsi, syvästi, kyyneliin asti, että kaikki näytti hänestä joltain villiltä ja mahdottomalta unelmalta, kaikki nämä vanhat miehet, synkät vanhat naiset, Moskovan sairaudet, Sofian rakkaus Molchalinia kohtaan. Ja tässä ovat nämä vanhan talon tummat eteiset, ja sininen aamunkoitto ikkunan ulkopuolella, ja väsymys, joka sulkee silmäluomet, ja raskaus, joka kumartaa tämän suloisen vaalean pään.

Se tosiasia, että Chatsky jäi yksin näytelmän hahmoksi ja kaikki muut olivat hahmoja, voitiin täysin hyväksyä. Hän on ainoa todellinen henkilö näiden haamujen joukossa. Mutta tämän Moskovan unelman hahmojen joukossa oli niitä, jotka jättivät tyytymättömyyden tunteen. Se nuoruus, jonka Chatsky niin hyvin ymmärsi, ei ollut ollenkaan Sofiassa (rouva Germanova). Tämä ei ollut 17-vuotias juuri lapsuudesta noussut tyttö, vaan täysin kypsä nainen, kaksikymmentäviisi vuotta vanha, hyvin kokenut, hieman raskaalla itämaisella kauneudellaan silmiinpistävä, Judithille sopiva, mutta ei Sofia. Pavlovna.

Liza (rouva Lilina) on meikattu Venetsianovin maalausten jälkeen, ja hänen kasvonsa, liikkeensä, jokainen asentonsa olivat hurmaavia ja kiistatta historiallisia, mutta hänen sävynsä, realistinen tapa puhua runoutta sattui hänen korvaansa. En halunnut kuunnella, vaan vain katsoa ja ihailla.

Famusov (Hra Stanislavsky) herätti hyvin monimutkaisen, mutta lopulta tyytymättömän tunteen. Hra Stanislavski pitkästä, laihasta, synkästä vanhasta miehistään ja murisevassa ja pilkkaavassa äänensävyssä loi vanhaa Jakovlevia (Herzenin isää) muistuttavan hahmon syövyttävällä vanhan miehen sarkasmilla. Mutta toisaalta hän oli enemmän virkamies kuin Moskovan herrasmies, ja hän oli koko ajan jonkinlaisessa hermostuneessa hysteerisessä kiihtymyksessä. Mutta yksittäisissä kohtauksissa ja yksittäisissä sanoissa oli niin paljon pohdintaa ja eri klassisten kohtien täysin uutta tulkintaa, että se sai usein unohtamaan kasvojen hermostuneen irvistyksen.

Yleisesti ottaen on korostettava poikkeuksellista tahdikkuutta, jolla kaikki esiintyjät lähestyivät niitä tekstin osia, joista tuli sananlaskuja. Jotain uutta keksittiin melkein jokaiseen paikkaan, ja ennen kaikkea se oli Famusovin roolissa. On vain huomattava, kuinka Famusov lausui lauseensa: "En kuuntele, olen oikeudenkäynnissä!" ja "Mitä prinsessa Maria Aleksevna sanoo!" - tai kuten Chatsky sanoi melkein kuiskaten itsekseen: "Käynti minulle, vaunu!" Yhtään näistä lauseista ei puhuttu erikseen, kuten ne yleensä lausutaan, ne kaikki liittyivät kokonaisuuteen. Lisäksi tekstiä on onnistuneesti päivitetty alkuperäisten versioiden lisäyksillä. Ne toivat yllätystä ja raikkautta replikoiden ohuisiin vaatimuksiin, jotka kaikki tuntevat ulkoa.

Loput hahmot, kuten Skalozub (Leonidov), jonka muodostavat Aleksei Petrovitš Jermolov, Molchalin

215 (Adashev), Platon Mikhalych ja hänen vaimonsa (Gribunin ja Litovtseva), Petruška (Artem), Zagoretski (Moskvin), Repetilov (Luga) muodostivat näytelmän täysin kiinteän ja harmonisen taustan, tasaisen kokoonpanon, jota Moskovan taideteatteri on kuuluisa.

Woe from Witin tuotannossa kaikki hänen edut ja haitat olivat yhtä eloisia. Roolien yksilöllisyyden puute, josta Taideteatteria yleensä moititaan, on rajallista ja on sen opin ydin. Ja taideteoksen oikeaksi arvioimiseksi on, kuten Goethe vaatii, omaksua sen tekijän näkökulma, mitä tässä juuri halusimme tehdä. Voi Witin voi tietysti lavastella vielä eri tavalla ja luultavasti jopa paremmin, mutta Moskovan taideteatterin tuotanto teki vanhasta klassisesta tuotannosta monilta pääpiirteittäin enää hyväksymättömäksi. Chatskyn rooli sai aikaanmme uuden ja mielestäni lopullisen tulkinnan.

artikkeli sähköisestä peruskirjastosta feb-web.ru

Lavaelämä "Voi nokkeluudesta"

Näytelmä valmistui vuonna 1824 ja julkaistiin vain katkelmina Griboedovin elinaikana, joten näytelmää ei päästetty lavalle pitkään aikaan. Kun tuotantoa valmistelivat vuonna 1825 erään pietarilaisen koulun opiskelijat, kuvernööri M.A. Miloradovich puuttui asiaan, eikä esitys tapahtunut. Joulukuussa 1829, kirjailijan kuoleman jälkeen etunäytöksessä, näyttelijä M.I. Valberkhova näytteli näytelmän yhden näytöksen. Alkaen 7. ilmiöstä. 31. tammikuuta 1830 komedian ensimmäinen näytös esitettiin M.S. Shchepkin Moskovan Bolshoi-teatterissa. Suuri näyttelijä näytteli Famusovia. Samana vuonna 3. näytös esitettiin Pietarissa ja Moskovassa. Vasta vuonna 1831 koko näytelmä lavastus. Mutta sensuurin kanssa. Näytelmä osoittautui näyttämölle odottamattomaksi ja epätavalliseksi. Ja lavan ulkopuolella näytelmä jatkui. Se alkoi Griboedovin itsensä näytelmän toistuvilla lukemilla eri taloissa. Tuhansissa listoissa hän alkoi hajaantua ympäri Venäjää. Komedian teksti palveli kampanjan vetoomuksia. Viime vuosisadan alussa Vl. I. Nemirovich-Danchenko valittaa, että he pelaavat Chatskia, he ylikuormittavat hänen imagoaan. Chatsky on ainoa sankarillinen henkilö komediassa. Komedia dramaattisena luomuksena vetäytyi taustalle. Rakkauskokemukset pysäyttivät vain I.V. Samarin, joka aloitti tämän roolin Moskovassa vuonna 1839. Samoilovan pelissä Sofia kääntää Chatskyn älykkyydet taitavasti itseään vastaan. Vuonna 1836 kielto esittää Woe from Wit maakuntien teattereissa ei ollut enää voimassa. Mutta sitä ei kunnioitettu. Kiovan tuotannot 1831, 1838. Kazan 1836, 1840. Astrakhan 1841. Harkov 1840, 1842. Odessa 1837. Tambov 1838. Kursk 1842. Tällaisiin tuotantoihin liittyi ongelmia. Kalugassa vuonna 1850 näytelmä kiellettiin. Omaisuushierarkkisen järjestelmän romahtaminen sai aikaan uudenlaisen ajattelutavan, elämänilmiöiden tiukan eristämisen periaatteen hylkäämisen. Ja teatteriesitys nähtiin yhä enemmän kiinteänä organismina, jonka "komponentit" olivat sisäisesti sitovia. Vuodesta 1863 lähtien esitys on liikkunut vapaasti ympäri maata. Ohjaajan partituuri julkaistiin ensimmäistä kertaa - V.I. Rodislavsky ehdotti kehitystä komedian kolmannelle näytökselle, jossa tanssit liitettiin näytelmän tapahtumien liikkeeseen. Vuonna 1864 Maly Theatre käytti tätä partituuria. 1960-luku erotti uudistusta edeltävän ajan uudistuksen jälkeisestä ajasta. Näytelmä nähtiin - menneisyys. Ja näytelmän esittämistä muinaisissa puvuissa vaadittiin. Ensimmäinen yritys vuonna 1870 Noble Clubin amatööriesityksenä. Vuonna 1866 puvut luotiin 1800-luvun alun aikakauslehtien mukaan. Vuonna 1864 Chatskyn paatos korostettiin Maly-teatterissa. Näyttelijä N.E. Vilde kesti 1,5 kuukautta Chatskyn roolissa. Hänen tilalleen tuli S.V. Shumskaya. Hän alkoi pelata onnettoman rakkauden tragediaa. Esityksen keskellä ovat Sofian ja Chatskyn kohtaukset. Sankareita johti vain sydän. Venäläiset klassikot puolustivat ihmisen koskemattomuutta koko 1800-luvun ajan. I.A. Goncharov puhui näytelmän ensi-illan yhteydessä Aleksandrinski-teatterissa näytelmän eheydestä. Taideteatterissa vuonna 1906 esityksen esitti Nemirovich-Dantšenko. Psykologinen analyysi kehitettiin. Tähän mennessä tragikot-turistit olivat onnistuneet vakiinnuttamaan perinteen esittää Chatskyn roolia "kotimaisen kehityksen ulkopuolella, juonen ulkopuolella". Joten he pelasivat Chatsky M.T. Ivanov-Kozelsky, M.V. Dalsky, P.V. Samoilov. Moskovan taideteatteri piti erittäin tärkeänä minkä tahansa teon, jopa jokaisen hahmon liikkeen, motivaatiota. Oletettiin, että myös siviilipaatos saisi uutta voimaa ja pohjaa. Näytelmän polku oli kuin voittojen ja tappioiden polku. 1800-luvun loppuun mennessä jakeen ääntäminen näyttämöstä rappeutui recitaatioksi tai jätettiin huomiotta. Moskovan taideteatterin esitys ei myöskään löytänyt ratkaisua. Tuotantohistoria avautuu myöhemmin esityksellä V.E. Meyerhold 1928. hänen mukaansa nimetyssä teatterissa. Chatsky toimi sosiaalisen pahan syyttäjänä. Kirjoittaja palasi alkuperäiseen otsikkoon "Voi mieltä". Chatsky luki vallankumouksellista runoutta. Sophia lähestyi päättäväisesti Molchalinia. Chatskyn roolia näytteli E.P. Garin. Sitten K.P. Khokhlov. Meille lähin esitys oli vuonna 1962 Gorki Leningradin draamateatterissa. Tovstonogov. Komedia ei ole ollut teattereissa moneen vuoteen. Ja hänen paluunsa lavalle ilmoitettiin tiukasti ja juhlallisesti. Esitys oli suunniteltu suoraa kontaktia yleisöön. Chatsky, näyttelijä S.Yu. Jurski saapuu Moskovaan täynnä toivoa. Ja sitten hän näki vastustajia. Chatsky kääntyi yleisön puoleen pyytääkseen ymmärrystä. Esittäjä Molchalin ja näyttelijä K.Yu. Lavrov selitti paljon. Sofiasta on tullut dramaattinen henkilö. Hänet asetettiin näytelmän keskipisteeseen. Esittäjä: T.V. Doronin. Kriitikot katsoivat, että tällainen näytelmä oli menettänyt pääkonfliktinsa. Luvassa on myös muita esityksiä.

Aiheesta: metodologinen kehitys, esitykset ja muistiinpanot

Lavaesitys "Mikä on hyvää ja mikä pahaa"

Tämän tapahtuman tarkoituksena on näyttää satiirin ja huumorin avulla huonojen tapojen negatiivinen vaikutus ihmisen terveyteen ja moraaliseen luonteeseen...

Jakson merkitys. Lavatulkinnan rooli kuvan paljastamisessa. Valmistautuminen kirjoittamiseen - perustelut jakson merkityksestä. (N.V. Gogolin komedian "Valtioneuvoston tarkastaja" mukaan: näytös IV, javl. XII - XV)".

Erityisen vaikeaa on kertoa uudelleen runollinen tai dramaattinen teos. Gogolin naurun takana on aina heijastuksia, koska hauska ja traaginen ovat aina olemassa erottamattomina. Siksi olemme yhdessä...

"Oppitunnin tekninen kartta ensi-ilta" Lavatulkinta A.N. Ostrovskin runollisesta sadusta "Lumineito" kouluteatterissa "OXYUMORON"

Elämän tarkoitusta ei tietenkään koulu opeta - tätä ei voi opettaa! - jokaisen on löydettävä se itsenäisesti. Mutta "asettaa ohjeita" - opettaa tietoa ...

Näyttelemisen perusteet oppitunti. Lava liike. "Kukka - seitsemänkukkainen"

Oppitunti "Flower-Semitsvetik" on teatteristudion johdantotunti. Lapset saavat tietää. mitä teatteri on, kun se ilmestyi, tutustu sen muotojen monimuotoisuuteen...

Näyttelemisen perusteet oppitunti. Lavaliike. "Reilu"

""Fair" -tunti on suunniteltu lavaliikkeitä harjoittelemaan. Lapset yrittäessään toistaa erilaisia kuvia oppivat kuvaamaan erilaisia ihmisiä ja eläinhahmoja. Pelin aikana se kehittää ...

Oppitunti numero 3 näyttelemisen perusteista. Lavapuhetekniikka. Roolipeli "Visiting the Tailor".

Oppitunti rakennetaan roolipelin muodossa. Oppitunnin osallistujat näyttelevät kaupunkilaisten saapumiskohtausta Räätälin käskyillä....

A. S. Griboedovin komedia "Voi nokkeluudesta" on poikkeuksellinen paikka aikansa kirjallisuudessa ja yleensäkin venäläisessä kirjallisuudessa. Hän heijasteli aikakauden pääpoliittista konfliktia - yhteiskunnan konservatiivisten voimien törmäystä uusien ihmisten ja uusien suuntausten kanssa, ja heijasteli sitä kaikella intohimolla ja satiirisella voimalla.

Chatskyn jalo hahmo - ei välinpitämätön, aktiivinen, taisteleva - edustaa pohjimmiltaan dekabristin tyyppiä tai sellaista henkilöä, joka oli valmis liittymään dekabristien riveihin. Mutta hän on näytelmässä yksin, ja toistaiseksi hän taistelee yksin. Chatsky vastustaa Molchalinia - nuoren miehen toisenlaisena käyttäytymisenä: ulkoisesti kunnollinen, vaatimaton, mutta pohjimmiltaan alhainen. Famusovia kuvataan hallinnon militanttina edustajana ja "pilarina". Skalozubin kuvassa arakcheevismi on leimattu - sotilas-byrokraattisen valtion inhottava tuote. Famusovin tytär - Sofia - hahmo ei ole täysin selvä, mikä aiheuttaa erilaisia tulkintoja. Hän on myös tuote, mutta myös taantumuksellisen ympäristön uhri. Moskovan taantumuksellisen aateliston kollektiivinen kuva ei muodostu pelkästään näistä ja muista lavalle tuodun komedian pääkasvoista, vaan myös lukuisista monologeissa ja kommenteissa mainituista ohikiitävissä kuvista: tyhjästä "kirjailijasta" Foma Fomichista, jalosta Tatjanasta. Jurjevna, maaorjateatterin omistaja, joka myi "yksi kerrallaan" orjaryhmänsä loppuun

"Voi nokkeluudesta" tuotantohistoria

Venäläisen draamateatterin ansiot Woe from Witin ideologisten ja taiteellisten ansioiden hallitsemisessa yhteiskunnan peräkkäisten sukupolvien toimesta ovat valtavat. Täällä dramaattinen teos saa sellaisen tulkin ja propagandistin, jollaista romaanilla ei ole. A. S. Gribojedov haaveili komedian painamisesta ja sen näyttämisestä lavalla. Mutta näytelmä on täynnä dekabristin kaikuja: olisi ollut mahdotonta ajatella, että se olisi lavalla vuonna 1825 – se olisi ollut poliittinen mielenosoitus. Edes teatterikoulun opiskelijoiden laatimaa amatööriesitystä, jonka kirjoittaja oli mukana, ei sallittu. Vasta vuonna 1829, Gribojedovin kuolinvuonna, viisi vuotta kirjoittamisen jälkeen, "Voi nokkeluudesta" ilmestyi Pietarin näyttämölle. Kohdan viihdyttävä luonne auttoi häntä pian ilmestymään Moskovan näyttämölle. "Woe from Wit" pääsi hädin tuskin lavalle.

1830-luvulta nykypäivään komedia on ollut sekä suurkaupunki- että maakuntateatterien ohjelmistossa. Monet taiteilijat tulivat kuuluisaksi rooleistaan tässä näytelmässä: M. S. Shchepkin, P. S. Mochalov, I. I. Sosnitsky, I. V. Samarin, V. N. Davydov, A. A. Yablochkina, O. O. Sadovskaya, VN Ryzhova, AP Lensky, AI Yuzhin, VIIM Stanisk ja AI Yuzhin muut.

Tammikuussa 1941 Leningradin Pushkin-teatterissa ohjaajat N. S. Rashevskaya ja L. S. Vivien houkuttelivat erinomaisia taiteilijoita, kuten E. P. Korchagina-Aleksandrovskaya, V. A. Michurina-Samoilova, ehdolla nuoria esiintyjiä: T. Aleshina (Sofya), V. Merkuri. Esitystä virkistettiin uusilla misan-kohtauksilla. Tuotanto sisältää monia jaksoja, jotka on kehitetty lähestyttäessä sitä korkearealistista tyyliä, jolla Gribojedovin teos itse syntyi. Juhlavuonna 1945 noin neljäkymmentä teatteria vastasi Griboedovin komedian tuotannoilla. Merkkipäivän erikoisuus oli useiden kansallisten teattereiden sisällyttäminen tähän työhön.

Woe from Witin näyttämöelämän ensimmäisinä vuosina näytelmän tuotanto ei juuri kiinnostanut ohjaajia ja kriitikkoja; näytelmä oli edelleen "moderni", eikä siinä ollut puhettakaan puvuista, meikistä, asetelmasta jne. Näyttelijät loivat roolinsa tuoreen perinteen mukaan, osittain kirjailijasta itsestään, Sosnitskin, Shchepkinin kautta. Pelissään he pystyivät kopioimaan suoraan yhtä tai toista elävää tyypillistä moskovilaista. Arvostelijat arvioivat vain esiintyjien lahjakkuutta. Myöhemmin, kun Gribojedovin kuvaama elämä alkoi vetäytyä historialliseen menneisyyteen, kysymys komedian näyttämön tehtävistä nousi etusijalle; hän liittyi väistämättä koko komedian ja sen yksittäisten hahmojen uusiin uudelleenarviointeihin. "Woe from Wit" -teoksen saapuminen lavalle merkitsi vallankumousta venäläisen teatterin historiassa. Se korkea realismi, josta venäläinen teatteri tuli tunnetuksi ja astui maailman taiteen historiaan, alkaa Woe from Wit -tuotannosta. Realisminsa voimalla Woe from Wit koulutti näyttelijät uudelleen. Mochalov, joka tulkitsi Chatskia alun perin Molieren misantroopin tyyliin, muuttui myöhemmin pehmeämmäksi, lyyrisemmäksi ja yksinkertaisemmiksi. Shchepkinin realistisella Famusovin esityksellä oli oma merkityksellinen ja pitkä historiansa. Valtava voitto psykologiselle realismille oli kuuluisan Moskovan näyttelijän I. V. Samarinin esitys Chatskyn roolista 1940-luvulla. Myös teatterikriitikot näkivät Samarinin luovat saavutukset, jotka vaikuttivat Chatskyn pietarilaisiin esiintyjiin.

A. S. Griboyedovin luominen rikasti Venäjän näyttämöä korkeilla ansioillaan, auttoi teatterin kääntämistä realismin tielle. Teatterin oli kuitenkin vaikea hallita näytelmän esteettisiä ja ideologisia rikkauksia, ja ne hallittiin vähitellen. Myös komedian tekstissä oli tiedossa epäselvyyksiä, vaikeuksia, jopa osittaisia ristiriitaisuuksia, jotka vaikeuttivat esiintymistä lavalla. Ensimmäisen kerran esiintyessään lavalle Woe from Wit törmäsi vanhoihin perinteisiin, jotka olivat vieraita tai vihamielisiä näytelmäkirjailijan rohkealle innovaatiolle. Minun piti voittaa takapajuus ja inertia lavastus- ja näyttelijämenetelmissä. Toisaalta parhaiden esiintyjien ja ohjaajien korkea kyky paljasti loistavan teoksen aarteet ja loi vähitellen rikkaan näyttämötyön perinteen.

Rakkaudesta "Voe from Wit" -kirjaan venäläisessä yhteiskunnassa tuli hyödyllinen tekijä näyttämöhistoriassa; teatterityöntekijät ovat aina luottaneet yhteiskuntaan, katsojiin ja lukijoihin taistellessaan sensuuria ja hallintoa vastaan Woe from Wit -elokuvan esittämisestä.

Famusovin kuuluisa monologi "Siitä olette kaikki ylpeitä!" - yksi Famusovin sosiaalisten ja eettisten ominaisuuksien perusta ja samalla - Katariinan ajan "jalo" aatelisto. Lienee tarpeetonta sanoa, kuinka paljon tämä vaikeutti näyttelijän tehtävää, kuinka monta rikasta mahdollisuuksia katosi samanaikaisesti taiteelliseen ilmentymiseen intonaatioissa, ilmeissä, koko näyttelijän näyttelemisessä. Saman Famusovin jäljennöksistä teatterisensuuri heitti esiin monia muita tärkeitä ja painavia sanoja, esimerkiksi:

Sergei Sergejevitš, ei! Jos paha aiotaan pysäyttää:

Ota pois kaikki kirjat, mutta polta ne.

Chatskyn linjoissa ja monologeissa tehtiin suuria poikkeuksia. Komedian koko teatteriteksti oli rampautunut. Sosiopoliittista satiiria ei vain pehmennetty tai syövytetty, vaan jopa psykologiset ja arkipäiväiset piirteet poistettiin. Joten seuraava Famusovin itsensä luonnehdinta ei ollut sallittua:

Katsokaa minua: en kersku perustuslaistani;

Kuitenkin iloinen ja raikas, ja elänyt harmaisiin hiuksiin,

Vapaana, lesket, olen herrani.

Luostari on tunnettu käytöksestään!.

Ja näyttelijä, joka tiesi alkuperäisen, täydellisen Griboedovin tekstin, pakotettiin tukehtumaan sanoihin yleisön edessä.

Sofian kuvan kirjallisuus- ja näyttämöhistoria osoittautui vaikeaksi. Monien vuosien ja jopa vuosikymmenien ajan Sofian roolin esitys ei esittänyt yhtäkään näyttelijää, eikä tämä ollut sattuma. Nuoren näyttelijän tulisi näytellä seitsemäntoistavuotiasta Sophiaa, mutta kokeneimmalta, iäkkäämmältä näyttelijältä vaaditaan taitoa, taiteellista kypsyyttä ja ajattelukykyä. Legendan mukaan jotkut näyttelijät kieltäytyivät aluksi näyttelemästä Sophiaa. Sophia-kuva, jonka monet arvovaltaiset kirjallisuuden tuntejat pitivät epäselvänä, sisältää monimutkaisen ja vaikean yhdistelmän kolmesta henkisestä rivistä: syvästä, vahvasta, kuumasta luonteesta, ulospäin suuntautuvasta kirjamaisesta sentimentaalisuudesta ja korruptoivasta sosiaalisesta kasvatuksesta. Tämä yhdistelmä vaikeutti perusteellisesti sekä kritiikkiä että ohjaajia ja roolin esiintyjiä.

Lisan rooli liittyy perinteiseen klassiseen ranskalaisen soubrette-rooliin. Gribojedovin komedian kirkkaiden tyypillisten hahmojen näyttämömuotoilu oli erittäin vaikeaa. Oli mittaamattoman helpompaa korvata näyttämön tyypityksen luova tehtävä elävien kasvojen, prototyyppien, alkuperäisten mekaanisella kopioinnilla, joiden etsintä sitten vietiin, tai rinnastaa Gribojedovin kuvat stereotyyppisiin "rooleihin". "Woe from Wit" vaikutti käännekohtaan näyttämöllisen luovuuden tekniikoissa. Näytelmän hahmot olivat niin taiteellisesti kehittyneitä, että lahjakkaalle näyttelijälle annettiin mahdollisuus korostaa "toissijaista" tai "kolmannen asteen" roolia. Joten Gorichin puolisoiden esiintyjät edistyivät ensimmäisissä esityksissä, Repetilov - I. I. Sosnitsky, Skalozub - P. V. Orlov, myöhemmin - kreivitär-isoäiti - O. O. Sadovskaya.

Aidon Gribojedovin tekstin huolellinen lukeminen sinänsä antaa sekä ohjaajalle että näyttelijälle kaiken oleellisen näytelmän näyttämölle. Teatterissa on myös hyvin kehittynyt elämäkerrallinen, historiallinen, historiallinen ja kotimainen, historiallinen ja teatterimateriaali. "Voe from Wit" -teatterin erikoiskirjallisuus on yhtä rikasta kuin mikä tahansa muu erikoiskirjallisuus venäläisen draaman mestariteosten näyttämölle. Nyt jokaisella Famusovin, Chatskyn, Sofian, Molchalinin, Lisan, Skalozubin roolien esittäjällä on suuri perintö teatterikokemuksesta ja teatteriajattelusta.

"Woe from Wit" modernilla näyttämöllä

Vuonna 2000 Moskovan Maly-teatterissa esitettiin Sergei Zhenovachin ohjaama esitys. Tahallinen askeettisuus näyttämöllä, pyrkimys kaikin keinoin säilyttää tekijän materiaalia mieluummin kuin paljastaa asennetta siihen, huomaamaton ei-aggressiivinen ohjaus ovat merkkejä uudesta esityksestä. Zhenovichin "Woe from Wit" Malyn ohjelmistossa "Woe from Wit" näyttää "palalta avantgardea". Jos vain siksi, että teatteri ei ole koskaan nähnyt sellaista köyhyyttä lavalla: ei elegantteja sisätiloja, ei elämäntapaa; etualalla - korkea takka talon symbolina ja sohva, taustalla - kolme tai neljä tuolia samasta sarjasta. Muu tila on täynnä leveitä tasaisia tasoja, jotka välillä liikkuvat kulissien taakse, välillä muodostavat ehdollisten ovien ja seinien geometrian.

Ensimmäinen näytös kuuluu kokonaan Juri Solominille Famusovin roolissa. Ei isä, ei lihavapää tyhmä, ei Moskovan aatelismies - tämän Famusovin lujassa askelmassa, hänen liikkeidensä nopeudessa, on havaittavissa "Suvorov"-hapatuksen eläkkeellä olevan upseerin kannat. Hyväkuntoinen, hoikka leski Famusov tykkää olla isäntä omassa talossaan. Hänen hyvin hoidetussa sormuskädessä on valkoinen pitsinen nenäliina - ja hän pyörittelee sitä kuin upseerin hansikas käskyjä, rohkaisevia, armollisia ja rankaisevia. Hän ei ole millään muotoa martinet eikä soturi, hän on pikemminkin "sotilaiden isä", tottunut olemaan helposti totteleva ja jopa rakastettu.

Aamun hälinä ärsyttää häntä, aivan kuten hänen tyttärensä Sophia (Irina Leonova) joskus ärsyttää. Hän yrittää korvata hänen äitinsä (ja tässä halussa on todennäköisesti Solominin esittämä koskettava "ihminen", mutta hän ei tiedä miten, ei tiedä miten. Ja vihainen, että se ei toimi. Monologin "Kuznetskin sillasta ja ikuisista ranskalaisista" Famusov lausuu, vihaten tätä koko kekseliäisyyden, vaikutuksen maailmaa; hänelle nämä ovat naisten temppuja. Hän maalaa yhteiselämäänsä Petruškan kanssa kalenteriinsa samalla tavalla kuin koululaiset rivivihkot - väsyttävää, tylsää, mutta tarpeellista. Famusov tuntee samaa tyttäreään kohtaan - häntä on käsiteltävä jatkuvasti; "äitiys" on hänelle erittäin väsyttävää. Hän kohtelee Chatskya kuin pölymöykkyä - vaikka se on inhottavaa koskettaa, sinun täytyy kumartua ja puhdistaa se, laittaa se sängyn alle. Ja siksi viimeinen kosto molempia vastaan Famusoville on todellinen ilo; hän kohtelee palvelijoita isällisesti - lyö nyrkkiä päähän, laskee polvilleen, peittää nenäliinalla. Väsyneenä huutaa Sofialle: "Erämaahan! Sa-ra-toviin!" - ja pistää etusormellaan jonnekin alas, syvemmälle ja syvemmälle maahan.

Famusov ei huomaa elämän monimutkaisuutta, hän on valmis moittimaan tytärtään rakkausseikkailusta ranskalaisen romaanin tapaan, vaikka Sofian sielussa toistetaan melkein ikivanha tragedia. Karkotus Saratoviin on hänelle todellinen ilo, luostari, jossa on helpompi selviytyä kohtalokkaasta virheestä. Hän itse haluaa rangaista itseään sokeudesta ja hitaasta älykkyydestään.

Näytelmän päähenkilöiden välisen suhteen traaginen jännite on niin suuri ja jännittävä, että pallokohtausta tarvitaan tässä vain tunnepitoisena hengähdystauona, koomisena välipalana. Pavlov roolissa Zagoretsky, Pankov ja Kayurov - Tugoukhovsky, Eremeeva - kreivitär Khryumina. Ballin päähenkilö - Khlestova - Elina Bystritskaja - nousee kulissien takaa voittajana kuningattarena, jonka hiuksiin on kudottu pehmeät, silkkihöyhenet. Hänen käytöksensä, kehon käännökset, käsien liikkeet, ilmeiden muutokset - hienostunut tyyli "kantaa itseäsi", joka on luontaista sekä hahmolle että näyttelijälle.

Chatskia näytteli Gleb Podgorodinsky. Hänen Chatskynsa on hiljainen, melkein huomaamaton - täysin mustaan pukeutuneena hän näyttää tummalta täplältä, varjolta näyttämökehysten yksiväristä taustaa vasten. Häntä ei kuunnella, vältetään, hänellä ei ole mahdollisuuksia menestyä. Tämän tehottomuuden, äänettömyyden ansiosta Podgorodinskyn Chatski näyttää, toisin kuin kaikki teoriat, älykkäältä: hän puhuu mielipiteensä. Chatsky ei ole tästä maailmasta. Podgorodinskin esittämän voimakkain monologi soi yhtäkkiä "Ranskalainen Bordeaux'sta, rintaansa puhaltamassa." Tuolilla istuessaan ja katsoen suoraan saliin hän sanoo syvällä, melkein itsetuhoisella epätoivolla: "Moskova ja Pietari - kaiken kaikkiaan Venäjän, / Että henkilö Bordeaux'n kaupungista, / vain avasi suunsa, on onnellinen / Innosta osallistumaan kaikkiin prinsessoihin."

Valtiomies Tšatski (samanlainen kuin tässä valtiomies Gribojedov), joka ajattelee ja tietää enemmän Venäjän ulko- ja sisäpolitiikasta kuin yhteiskunnan käyttäytymisen laeista, ei tunnusta Moskovaa Moskovassa, kuten hän ei näe entisestä rakkaudesta Sophia. Hän näkee löysän, laimean, merkityksettömän maan, jossa kaikki on jonkun muun, ei meidän.

Yu. Lyubimov esitti Taganka-teatterissa Woe from Wit 90-vuotissyntymäpäiväänsä (2008). "Jos kaipaat venäläisiä klassikoita, mutta haluat hengittää raitista ilmaa ja yllättyä jo pitkälle matkustaneen odottamattomasta uutuudesta, olet täällä", kirjoittaa Dmitri Romendik. Arvostelija panee merkille lavalla tapahtuvan raikkauden, keveyden, ilmavuuden ja suloisuuden. Ohjaaja muistuttaa, että esitettyjen kysymysten vakavuudesta ja pitkäikäisyydestä huolimatta Gribojedovin mestariteos on edelleen ja luultavasti ennen kaikkea komedia. Hän ei pelkää naurua ja rohkaisee meitä nauramaan, sillä nauru on voimakas puhdistava elementti, jossa kaiken epäaidon, inertin ja vanhentuneen täytyy kadota, ja naurun läpi elänyt, päinvastoin, herää henkiin ja kimaltelee uusia värejä.

Hahmot esitetään täsmälleen varjoina, siluetteina. Famusov, Skalozub, Molchalin, juhlavieraat ovat niin tunnistettavia, niin monivuotisen teatterihistorian "muokkaamia" ja tietoisuutemme lapsuudesta juurtuneita, että niitä on jo mahdotonta kuvata elävinä ihmisinä ilman ironista etäisyyttä. Näemme edessämme "Famusovin", "Skalozubin", "Prinssi Tugoukhovskyn", "Kreivitär Hryuminan", ja näyttää siltä, että toisen minuutin kuluttua - ja kaikki heistä, ikään kuin taianomaisesti, menettävät volyymia, painoa, litistyvät. . Tietysti Chatsky erottuu tästä elottomasta taustasta, joka itsenäisesti ajattelevana ihmisenä ei sulaudu ympäristöön. Näyttelijä Timur Badalbeyli esittää häntä psykologisella motivaatiolla. Ei ole sattumaa, että taiteilijan ulkonäölle annettiin yhtäläisyyksiä Alexander Sergeevich Griboyedovin kanssa. Sophia, jonka sielu Chatsky yrittää voittaa takaisin Famusista ja Silentistä, tasapainoilee käsin kosketeltavasti heidän varjoisuutensa ja hänen animaationsa eli kahden maailman välissä. Kuten muutkin näytelmän naishahmot, ovela ohjaaja laittoi Sofian (Elizaveta Levashova) kärkikenkiin ja antoi hänen kuvalleen monimutkaisen koreografisen kuvion. Esityksessä on paljon musiikkia (A. S. Gribojedovin itsensä lisäksi I. Stravinskyn, F. Chopinin, G. Mahlerin, V. Martynovin teoksia).

Ljubimovia 1980-luvulla ylistänyt merkityksellisyys ei petä häntä nyt: hänen "Voe from Wit" on loistava satiirinen kuvaus nykyisyydestä. Täällä huhut Chatskyn hulluudesta leviävät mustan PR:n lakien mukaan: näin käy ilmi, että ystävätkin löytävät hänestä idiootin piirteitä. Tässä modernissa todellisuudessa kyky ajatella terävästi ja analysoida tilannetta välittömästi on uskomattoman kysytty. Chatsky ei enää näytä oman syyllisyytensä uhrilta, vaan vuosisadamme sankarilta - luovalta tai managerilta, jolle skandaali on tehokas tapa edistää. Hän nauttii älyllisestä paremmuudestaan ja käyttäytyy niin luottavaisesti, että epäillään, ettei hänellä ollut kolmen vuoden vaelluksensa aikana aikaa työskennellä valmisteveron välittäjänä jossain New Yorkin pörssissä. Ja kun Chatskylle tarjotaan finaalissa vaunua, näyttää siltä, että hänelle tarjotaan ainakin Porsche tai jopa Ferrari.

Näytelmä "Voi nokkeluudesta" esitetään myös Sovremennik-teatterissa. Se, että tämä teos on lavastettu Sovremennikissä, kertoo, että Woe from Wit on edelleen ajankohtainen, nykyaikainen. Tunnetun liettualaisen ohjaajan Rimas Tuminasin tuotanto aiheutti suurta keskustelua, eikä sitä otettu yksiselitteisesti vastaan. Päärooleissa näyttelevät kuuluisat taiteilijat Sergey Garmash (Famusov), Marina Aleksandrovna (Sofya), Daria Belousova (Lisa), Vladislav Vetrov (Molchalin), Ivan Stebunov (Chatsky) ja muut.

Grigory Zaslavsky kirjoittaa Nezavisimaya Gazetassa 13. joulukuuta 2007: "Ohjaaja lyhensi määrätietoisesti, voisi jopa sanoa, raa'asti tukahdutti oppikirjan tekstiä." Kriitiko esittelee esityksen varsin ankarasti: ”On ehdottomasti mahdotonta, että Woe from Witissä ei olisi Sophiaa eikä Chatskya. Sillä välin ensi-illassa he molemmat jäivät kirkkaasti kirjoitetun Famusovin (Sergey Garmash) varjoon. Famusov on tietysti päähenkilö, mutta Chatsky ja Sophia eivät myöskään ole episodisia hahmoja. Ja tässä heistä itse asiassa ei voi sanoa mitään erityistä. Ei mitään hyvää. Sofia (Marina Alexandrova) on tietysti kaunotar, mutta heti kun hän alkaa puhua, viehätys katoaa jonnekin ja katoaa pian. Muovisessa se on melkein täydellinen, sanalla - valitettavasti. Chatsky (Ivan Stebunov) huutaa paljon, ja vaikka hänen roolinsa muodostaa reilun puolet kaikista ohjaajan fantasioista, niissä näkyy silti jonkin verran näyttelijäkokemusta tai kypsymättömyyttä. Ehkä roolin epäkypsyys. Yksi Tuminaksen esityksen pääolettamuksista on kuitenkin se, että Famusova ja Sofia ja Sasha (Aleksandri Andreyich Chatsky) ovat molemmat kuin omia lapsiaan, ja hän on surullinen, että Chatsky on sellainen klovni, tyhmä ja melko epäterveellinen.

Huolimatta siitä, kuinka kriitikot hyväksyvät Sovremennikin uuden tuotannon, melkein kaikki huomaavat, että Rimas Tuminasin tuotanto ei jätä ketään välinpitämättömäksi.

Marina Zayonts kirjoittaa 24. joulukuuta 2007 päivätyssä ”Itogissa”: ”Viime aikoina suurin osa nähdyistä esityksistä, huonoista ja keskinkertaisista, kunnollisista ja huonoista, unohtuu välittömästi. Ne eivät tartu mihinkään. Niissä ei ole elävää elämää, kaikki on tuttua, tuttua, pyyhittyä ja tylsää epätoivoon asti. Ja nykyaikainen esitys, niin ja niin, kömpelö, et saa sitä pois päästäsi, se sattui todella. Olkoon joku suuttunut, pakko olla vihainen - loppujen lopuksi nämä ovat tunteita, jotka ovat eläviä, jännittäviä, syntyneet tässä ja nyt. Muinaisista ajoista lähtien teatteri on perustunut niihin, ja aloimme vieroittaa. "Voe from Wit", kirjailija Gribojedovin dramaattinen säikeisteos, me kaikki yhdistämme heti vakiokuviin. Koulussa he menivät läpi, syyttävät monologit opetettiin ulkoa. Me kaikki tiedämme "miljoonasta piinasta" ja Famusovin Moskovasta, jota huolestuttaa "mitä prinsessa Marya Aleksevna sanoo!" Rimas Tuminas opiskeli myös neuvostokoulussa, ja noin viisi minuuttia myöhemmin dekabristi Chatsky on tietoinen pysähtyneestä feodaaliherrasta Famusovista. Näyttää siltä, että hän on siitä lähtien ollut kyllästynyt kaikkeen tähän raatoon. Ainakin hänen esityksensä on aktiivisessa ristiriidassa perinteen (lue, kliseet) kanssa, taistelee ihon repeytymiseen asti, verenvuodatukseen asti. Niin paljon, että tunnettua sananlaskuihin ja sanontoihin repeytynyttä esseetä ei voida nyt tunnistaa. Eikä sitä kannata yrittää."

Vladimir Putin vieraili Sovremennik-teatterissa ja oli kulissien takana närkästynyt Chatskin "heikkoudesta" Rimas Tuminasin tulkinnassa ja näyttelijä Ivan Stebunovin esityksessä. Venäjän valtionpäämiehen mukaan Chatsky on "vahva mies", eikä hänen pitäisi itkeä.

Gribojedovin aikalaiset, mukaan lukien Aleksanteri Sergeevich Pushkin, kritisoivat tulkintaa "Thatski, totuustaistelija ja Chatski, valistaja" kritisoivat Bestuževille lähettämässään kirjeessä: "Ensimmäinen merkki älykkäästä ihmisestä on tietää ensi silmäyksellä kuka olet. käsitellä helmiä eikä heitellä Repetilovien ja vastaavien eteen. »

Vladimir Putin huomautti: ”En pelkää näyttää täällä ei-ammattimaiselta, koska olen ei-ammattilainen, mutta miksi näytit hänelle, Chatsky, itkevän alusta asti? Hänestä tulee heti vaikutelma heikkona ihmisenä. Ohjaaja, puhuessaan tulkinnastaan, muistutti, että Chatsky oli orpo, joka jäi ilman sukulaisia. Tämä argumentti ei kuitenkaan tyydyttänyt presidenttiä: "Pelkään tehdä virhettä, mutta Aleksanteri Matrosov oli myös orpo, mutta hän peitti kaivon itsellään. Hän on vahva mies."

Putinin tulkinta kuvasta Chatskysta vahvana totuudentaistelijana inerttiä maailmaa vastaan on otettu suoraan Neuvostoliiton koulukirjoista. Tässä inkarnaatiossa "Chatsky on epäilemättä edistyneen yhteiskunnan edustaja, ihmisiä, jotka eivät halua sietää jäänteitä, taantumuksellisia määräyksiä ja taistelevat aktiivisesti niitä vastaan."

Oleg Efremov, edellisen Sovremennikin näyttämön Woe from Wit -tuotannon ohjaaja, piti tällaista visiota naiivina ja heikkona.

Pjotr Vail ja Alexander Genis ovat tästä samaa mieltä: "Jos Chatski on tyhmä, kaikki on kunnossa. Näin sen kuuluu olla: syvyyttä ja voimaa täynnä olevan ihmisen ei pitäisi silloin tällöin räjähtää psykopaattisesti pitkissä puheissa, lakkaamatta lyödä ja pilkata huomionarvoisia aiheita.

Johtopäätös.

Nykyohjaajien kuuluisan näytelmän tulkinnasta voi olla samaa tai eri mieltä. Yksi asia on varma: A. S. Gribojedovin komedia "Voi viisaudesta" on kuolematon, jos se saa aikalaisiamme, 2000-luvun edustajia, ajattelemaan, kärsimään, väittelemään

Gribojedov alkoi lukea komediaaan aateliston salongissa jo vuonna 1823, mikä herätti kaikkien huomion. Sitten vuonna 1824 hän jatkoi julkisia luentoja Pietarissa ja samalla pyysi lupaa sen näyttämiseen. Mutta hänen aiheuttamansa hälinä herätti epäilyksiä: Moskovan teattereiden johtaja Kokoshin kertoi Moskovan kenraalikuvernööri Golitsynille, että tämä oli "suora kunnianloukkaus Moskovaa vastaan". Ja komedia julkaistiin vain katkelmina vuonna 1825.

Pietarissa teatterikoulun opiskelijat onnistuivat lavastamaan komedian Karatyginin ja Grigorjevin aloitteesta. Mutta sen soittaminen yleisön edessä oli ehdottomasti kielletty.

Vasta vuonna 1828 Griboedov näki komediansa lavalla ensimmäistä kertaa Kaukasuksella; sitä pelattiin Erivanissa, jonka venäläiset joukot olivat juuri vallanneet, Sardinian palatsissa mutta 2. jalkaväkidivisioonan sädeupseerit. Se oli amatööriesitys.

Vuonna 1829 Griboedov tapettiin Teheranissa. Julkinen huomio runoilijan traagiseen kuolemaan pakotti hallituksen luopumaan näytelmäkiellosta, ja 2. joulukuuta 1829 Pietarissa, Bolshoi-teatterissa, esitettiin ensimmäistä kertaa yksi kohtaus ensimmäisestä näytöksestä. Sosnitsky näytteli Chatskia, Boretski esitti Famusovia. Tämä kohtaus lavastettiin viihdetapahtumana viisinäytöksisen tragedian jälkeen. ( Venäläisessä teatterissa säilytettiin vuosikymmeniä perinne, kun viisinäytöksisen esityksen jälkeen annettiin vaudeville tai kohtaus komediasta.

Kolmas näytös soitettiin vuonna 1830 myös divertismenttinä (pallo Famusovin luona). Sitten, samana vuonna Pietarissa, Maly-teatterissa, neljäs näytös soitettiin myös divertismenttinä (pallon perässä ajaminen).

Ja vasta 26. tammikuuta 1831 näyttelijä Bryanskyn etuesityksessä ensimmäistä kertaa pelattiin kaikki komedia, vaikka se oli sekaantunut leikkauksilla ja sensuurilla. Chatskia näytteli V. Karatygin, Sofiaa - E. Semenova, Repetilovia - Sosnitski. Karatygin näytteli Chatskia "antiikin teatterisankarin" arkaais-klassistisella tavalla.

Samaan aikaan ja samalla tavalla komedia tunkeutui myös Moskovan näyttämölle. 27. marraskuuta 1831 ensi-ilta pidettiin Maly-teatterissa. Chatskia näytteli P. Mochalov, Famusovia - M. Shchepkin. Shchepkinin pelissä näytelmän realistinen alku joutui ristiriitaan teatterirutiinin kanssa, hän loi kuvan suuresta syyttävästä voimasta. Ja Mochalov välitti Chatskyn kansalaispatoksen innostuneesti ja ilmaisulla. Vuodesta 1839 lähtien I. Samarin alkoi soittaa Chatskya. Hänen esityksessään saavutettiin harmoninen yhdistelmä Chatskyn julkista ja henkilökohtaista draamaa.

Maakuntien teattereissa "Voe from Wit" -elokuvan tuotanto ei ollut sallittua.

Chatskyn kuvan tulkinnasta lavalla

1860-luvulle asti Chatskyn roolin esiintyjät esittivät ennen kaikkea journalistisia hetkiä, ja on muodostunut perinne esittää Chatskyn roolia Famus-yhteiskunnan syyttäjänä.

Vuonna 1864 Moskovan Maly-teatterin näyttelijä S.V. Shumsky ensimmäistä kertaa esitä kysymys eri tavalla: Chatskysta ei voi tehdä vain yhteiskunnan tapojen syyttäjää, tästä hänestä tulee umpikuja. On mahdotonta vaatia monologien vain taitavaa ääntämistä. Chatsky on nuori mies, joka on intohimoisesti rakastunut Sophiaan, ja hän tekee kaikkensa herättääkseen hänessä molemminpuolisia tunteita. Hän kärsii syvästi rakkaudesta. Siten Shumsky yritti rikkoa Chatskyn esityksen perinteen. Hänen Chatskystaan tuli "inhimillisempi". Mutta tämä osoitti toisen ääripään: komedian syyttävä puoli katosi. Tämä Chatskyn tulkintaperinne säilyi 1900-luvun alkuun asti. Näin Chatsky soitti Maly-teatterissa Lensky, Gorev, Ostuzhev, P. Sadovsky (pojanpoika). Ja Aleksandrinskissa - Maksimov, Dolmatov.

Vuonna 1906 Woe from Wit esitettiin Moskovan taideteatterissa. Chatskyn tulkinnasta Nemirovich-Danchenko kirjoitti, että Chatsky on ensisijaisesti rakastunut nuori mies. Myöhemmin hänestä tulee syyttäjä, jopa vastoin tahtoaan.

Myöhemmin, jo Neuvostoliiton näyttämöllä, asetettiin tehtäväksi yhdistää orgaanisesti henkilökohtaisen draaman ja sosiaalisen taistelun elementit Chatskyn kuvaan. Tämä Chatskyn tulkintaperinne säilyi 1900-luvun puoliväliin asti.

Epäilemättä kiinnostava on Vs.E.:n komedia "Voe from Wit" tuotanto. Meyerhold (näytelmän "Voi viisautta" ensimmäinen painos - 1928, toinen painos - 1935). Vaikeus oli, että näytelmä oli jo saanut siivekkäiden sanojen, suosikkisanojen ja -sanojen kokoelman luonteen, muuttunut museokuvaksi vanhentuneesta aikakaudesta. Ja halusin palata hänen runouteensa, elävään elämään, joka oli täynnä tuskaa, ajatuksia, vihaa, rakkautta, pettymyksiä, inhimillisen ajattelun rohkeutta ja tunteen voimaa. Meyerhold pyrki siirtymään pois komedian tulkinnan perinteestä. Näytelmää lukiessaan hän esitteli temperamentilleen tyypillisiä löytöjä, oivalluksia ja arvauksia, taiteellisen näkemyksensä syvyyttä ja terävyyttä.

Hän jakoi nelinäytöksisen komedian tekstin 17 jaksoon; sisällytetty kanoniseen tekstiin näytelmän alkuperäisten painosten lisäyksiä ja mielivaltaisia leikkauksia; musiikilla oli merkittävä ja aktiivinen rooli esityksissä, joka ei ollut vain tausta, vaan myös toimi hahmona. Roolien jakautuminen järkytti myös aikalaisia: Chatskya näytteli koominen näyttelijä Erast Garin (rooli - yksinkertainen).

Tässä on joitain jaksoista, jotka Meyerhold esitteli esitykseen: "Taverna", "Eteishuone", "Tanssitunti", "Muotokuva", "Sohva", "Kirjasto ja biljardisali", "Tir", "Ylempi eteinen", "Ruokailuhuone", "Takka", "Tikkaat" jne. Toiminta tapahtui Famusovin suuren talon eri osissa sekä sen ulkopuolella ("Kesakurpitsa", jossa husaarit juovat, "Tir"). Vapautta rakastavia runoja luettiin kirjastossa, Molchalin-pubissa Sofia kuunteli pariisilaisia lauluja Repetilovin seurassa - nämä ja muut jaksot maalasivat kuvan aikakauden elämästä.

Ja esityksen nimi on "Voe mielelle". Tämä ei ole Meyerholdin keksintö, vaan versio itse Gribojedovista. Chatsky - Garin ilmaisi komedian lyyrisen ja dramaattisen linjan enemmän kuin satiirisen, syyttävän, josta kriitikot moittivat Meyerholdia. Mutta itse asiassa tämä oli ohjaajan tärkein löytö: pirteä poika, ei tribüüni! Hän näki Chatskyssa lyyrisen sankarin. Ja Molchalin - näyttelijä Mukhin - on pitkä, komea, pystyy käyttämään frakkia. Tällainen hahmojen rinnastus oli odottamaton, mutta juuri tämä on mielenkiintoista Meyerholdin tulkinnassa. Chatsky on yksin. Eikä sitä vastusta rappeutuva, rapistuva, voimaton maailma, vaan maailma täynnä eläviä mehuja, vahvoja perinteitä, maailma, joka luottaa olemassaolonsa horjumattomaan linnoitukseen. Kaikki Chatskyn vastustajat "parantuvat" ohjaamalla. Tämä on Famusov, Skalozub ja Molchalin ja jopa Khlestova. Heidän maailmansa kieltäminen tuntuu heistä sairaudelta, hulluudelta, ja Chatsky näyttää heidän mielestään eksentriltä. Chatskyn hulluutta koskevien juorujen lisääntymisen kohtaus rakennettiin näin. Lavalla portaalista portaaliin on pöytä, jossa Famusovin vieraat syövät päivällistä. Samat tekstinpalat soivat pöydän eri kulmissa, juorut toistuvat, vaihtelevat, kelluvat ja vangitsevat yhä enemmän uusia vieraita, ja pöydän keskellä istuva Famusov johtaa sen kehitystä. Tämä huippukohtaus on rakennettu musiikillisen teeman kasvun lakien mukaan. Chatsky, ilmestynyt etualalle, tajuaa joutuneensa väärään paikkaan; tämä pureskeltava vieraiden massa, ikään kuin pureskelisi sitä, ajaa hänet pois lavalta. Ja on ymmärrettävää, miksi Chatsky, päivän tapahtumista täysin uupunut, esityksen lopussa hiljaa, melkein kuiskaten sanoo: "Käynti minulle, vaunu...".

Esitys ei saanut hyvän vastaanoton kriitikoilta. Ensimmäiset esitykset olivat epätasaisia, mutta esityksestä toiseen hän hoiki, tiukeni koostumukseltaan ja lopulta hän saavutti ansaittua menestystä yleisössä. (Lisää tästä esityksestä kirjassa: A. Gladkov. Meyerhold, osa 1. - M .: STD, 1990).

Tämän tuotannon jälkeen teatterit kääntyivät toistuvasti komediaan. Mutta sen tulkinnat pysyivät sosiaalisen optimismin perinteessä, ja Chatsky nousi jälleen Famus-yhteiskunnan syyttäjän kothurnaille.

Mutta vuonna 1962 Leningradissa Bolshoi-draamateatterissa G.A. Tovstonogov lavastaa "Voi nokkeluudesta" epätavallisesti. Aluksi roolijakauma oli yllättävää: Chatski - S. Jurski, Molchalin - K. Lavrov, Sofia - T. Doronina, Lizanka, piika - L. Makarova, Famusov - V. Politseymako, Repetilov - V. Strzhelchik jne. . Ja siellä oli vielä yksi hahmo - "teatterin kasvot" (S. Karnovich-Valois). Tämä hahmo aloitti näytelmän esittelemällä näyttelijät. Hän päätti esityksen julistaen juhlallisesti: "Esitys on ohi." ”Kasvot teatterista” korosti tapahtuvan teatraalisuutta, muistutti, että olet läsnä teatterissa ja että lavalla tapahtuva erotetaan nykyajasta suurella etäisyydellä. Ja kaikki, mitä esityksessä tapahtui, heijasti tarkasti Griboedovin aikakautta - puvuissa, rekvisiittassa, asetelmissa, etiketissä. Ja silti se oli terävä nykyaikainen esitys. (Tästä lisää kirjassa: Yu. Rybakov. G.A. Tovstonogov. Ohjauksen ongelmia. - "Taiteen" Leningradin haara, 1977, s. 85-95)

Pietarissa teatterikoulun opiskelijat onnistuivat lavastamaan komedian Karatyginin ja Grigorjevin aloitteesta. Mutta sen soittaminen yleisön edessä oli ehdottomasti kielletty.

Maakuntien teattereissa "Voe from Wit" -elokuvan tuotanto ei ollut sallittua.

Chatskyn kuvan tulkinnasta lavalla

1860-luvulle asti Chatskyn roolin esiintyjät esittivät ennen kaikkea journalistisia hetkiä, ja on muodostunut perinne esittää Chatskyn roolia Famus-yhteiskunnan syyttäjänä.