Irina Tarkhanova: «Jeg er interessert i øylivet, parallelt med mainstream. Om enheten til boken

IRINA TARKHANOVA, jobber med boken «Fra revolusjon til krig. Russisk familieportrett. 1917-1941", deler med COLTA.RU bilder fra familiealbum og familiehistorier bak dem

Frem til 12. august er COLTA.RU på en kort sommerferie. Men for at du ikke skal kjede deg helt uten oss, har vi for denne gang samlet en liten samling av alle slags rariteter og rariteter, for det meste fra tidligere år, som vi håper du vil bli nysgjerrig på å se på.

Samlingen av familiefotografier, som nå teller flere hundre fotografier, ble startet i prosessen med å utarbeide det andre bindet av Russland i fotografier, dedikert til perioden mellom de to krigene. Familiebilder skulle være et naturlig tillegg til journalistiske fotografier og historiske kronikker. Grunnlaget for denne samlingen er familiealbum fra sosiale nettverk, hvor jeg fant interessante gamle bilder, etablerte korrespondanse med folk og deretter skrev ned familiehistoriene deres. Disse fotografiene ble ikke inkludert i serien med bøker "Russland i fotografi. XX århundre", fordi jeg planlegger å gi dem ut i forlaget "Barberry" som et eget album "Fra revolusjon til krig. Russisk familieportrett. 1917-1941", dedikert til 100-årsjubileet for utbruddet av første verdenskrig. Det virker for meg som om dette blir et skikkelig portrett av tiden.

Jeg vil vise alle slags mennesker – fra partisjefer til tiggere. Hvorfor valgte jeg akkurat denne perioden av historien? Fram til 1940 var situasjonen veldig hermetisk - dette er tiden for gruppe-, iscenesatte og offisielle fotografier. De fikk ikke ta bilder på gata, folk brente familiearkivene sine, selv hjemme tok de små bilder. Tilsynelatende hadde folk en indre frykt. Det er svært få levende familiekort, og derfor er de dyrebare. De virkelige ansiktene til det Russland er ansikter fra familiealbum.

Irina Tarkhanova

Familien Notick

Rosa og Zhenya Notik. juni 1934

På dette bildet, ikke gutter, men sovjetiske jenter. Søstrene Rosa (12 år) og Zhenya (9 år). Sommeren 1934, i hemmelighet fra foreldrene, flyktet de fra Kharkov til Moskva for å møte Chelyuskinittene, reddet i Arktis av sovjetiske piloter. Uten penger, uten billetter, uten den nøyaktige adressen til Moskva-slektninger. Modige barn reiste til Moskva for en dag, skiftet fra ett tog til et annet og gjemte seg for kontrollørene. På veien ble de matet av snille medreisende. I Moskva var det vanskelig å finne en tante. Hun ga et telegram til moren, som plutselig hadde mistet to jenter og var fryktelig bekymret. Og for dem begynte ferien! Første gang i hovedstaden, møtet av Chelyuskinites, Park dem. Gorky, is og andre livsgleder. Hjemme fikk de selvfølgelig stor juling. Den eldste, Rosa, startet flukten. Hun har alltid vært preget av sin hensynsløshet og aktive medborgerskap. Hun flyktet bokstavelig talt til fronten, og trodde helt oppriktig at Sovjetunionen ikke ville vinne krigen uten henne.

Rosa Notic. 30. desember 1938 På baksiden av bildet: Kharkov Palace of Pioneers og oktober. Nyttårs maskeradeball 30. desember 1938. Kostyme "Den stalinistiske grunnlovens dag". Uch. 79 sc. Rose Notic

Foto fra et av de første juletrærne i Sovjetunionen. Frem til slutten av 1935 var juleferie og tilhørende juletrær forbudt, og det første nyttårstreet ble holdt i Kharkov, i Pionerers palass og oktober i 1936 på initiativ av P.P. Postyshev (1887-1939), daværende sekretær for sentralkomiteen for kommunistpartiet (b) i Ukraina. Slutten på de "venstreorienterte utskeielsene" ble uventet satt den 28. desember 1935. Denne dagen dukket det opp et lite notat i avisen Pravda, signert av P.P. Postyshev. Det begynte slik: «I førrevolusjonær tid arrangerte alltid borgerskapet og borgerlige embetsmenn et juletre for barn på nyttårsaften. Arbeiderbarna så misunnelig gjennom vinduet på juletreet som glitret av flerfargede lys og de rike barna som hadde det gøy rundt det. Hvorfor fratar våre skoler, barnehjem, barnehager, barneklubber, pionerpalasser barna til arbeiderne i det sovjetiske landet denne fantastiske gleden? Noen annet enn venstreorienterte undertrykkere fordømte denne barneunderholdningen som en borgerlig virksomhet. Forfatteren oppfordret Komsomol og pionerledere til snarest å arrangere kollektive juletrær for barn på nyttårsaften. Dette forslaget ble akseptert med lynets hastighet. Det ble arrangert juletrefestligheter over hele landet, og «utvidet sortiment av juletrepynt» dukket opp i butikkene. Dermed ble forslaget (ikke engang et dekret) fra partiledelsen akseptert og fullt ut implementert over hele landet på bare fire dager, inkludert selve publiseringsdatoen. Slik effektivitet forble en uoppnåelig rekord i Sovjetunionens historie. Postyshev ble skutt i 1939.

Rosa Notik med vennene sine på stranden

Familien Notik møtte krigen i Kharkov. De klarte å evakuere mirakuløst, den siste dagen før tyskerne kom inn i byen. De kom seg til siste sjikt med praktisk talt ingen ting, inkludert varme klær, som de angret på mer enn en gang i Ural. Men av en eller annen grunn tok de med seg et album med bilder. I 1943 flyktet Rosa bokstavelig talt til fronten, fordi. hun ble ikke tatt av helsemessige årsaker, sammen med Ural Volunteer Tank Corps. Å rømme fra en militærfabrikk er desertering, en domstol. Hun ble reddet av general Rodin, som deretter sa den historiske setningen: "Det er ingen desertører ved fronten." Hun tjenestegjorde i medisinsk bataljon, og mellom slagene sang hun i et amatør-frontlinje-jazzband. Hun nådde Berlin, 9. mai 1945 møttes hun i Praha.

Roza Notiks mor (andre fra høyre) i begravelsen til en revolusjonær kamerat. Antagelig begynnelsen 1920-tallet

Et veldig typisk tidsbilde. Tragisk og pretensiøs begravelse av revolusjonens helt, stridskamerat, kjemper for proletariatets rettferdige sak. Siden revolusjonen i 1917 har det blitt en tradisjon å gjøre en rød begravelse til et stort dramatisk show og fotografere på bakgrunn av heroiske kister, flagg, plakater og revolusjonære symboler. Høytidelige massebegravelser var like viktige som sosialistiske høytider. (Utgiverens notat.)

Rosa Notic med svart kniv foran. 1943

Under dannelsen av Ural Volunteer Tank Corps i 1943, mottok hver jagerfly og sjef en svart kniv i gave fra Zlatoust-våpensmeder. Tysk etterretning trakk umiddelbart oppmerksomhet til denne funksjonen i utstyret til Ural-tankskipene, som ga korpset navnet "Schwarzmesser Panzerdivision" - Black Knife Panzer Division.

«Fascistene hvisker i frykt til hverandre,
Skjuler seg i dypet av graver:
Tankskip dukket opp fra Ural,
Divisjon av svarte kniver.
Uselviske tropper med jagerfly,
Motet deres er nådeløst.
Å, de liker ikke fascistiske jævler
Vår svarte kniv i Ural stål ..."

(fra en sang fra den tiden)

Shibaev-familien

Tatyana Fedorovna og Fedor Ivanovich Shibaev med barn. Nakladets landsby, Novgorod-regionen Foto 1935

Fra forlagets korrespondanse med barnebarnet til Tatyana Fedorovna

Tyskerne kom til landsbyen om høsten, som andre steder, etablerte sine egne regler, utnevnte en lokal overmann, som, for å gjøre gunst, umiddelbart fortalte de nye eierne om matforsyningen til bøndene. Lagrene bestod av poteter, som ble gravd ned i bakken, i de såkalte haugene, forkledd med torv. Sent på kvelden, det blir mørkt tidlig på høsten, satt vi med en lommelykt. Bestemor og barn bodde i et badehus, ved siden av tyskernes hovedkvarter, alt er i sikte. En av de tyske soldatene var ikke redd for å komme til dem og sa på gebrokkent russisk at han selv var far, ville ikke slåss, og i morgen skulle tyskerne gå for å grave opp og beslaglegge poteter. Bestemor ville gjemme alle haugene, han lot ham ikke, sa at ingen ville tro, den ene haugen ble stående urørt, og resten var gjemt, han selv deltok aktivt, de dro poser hele natten, det regnet godt og ingen så hva disse menneskene gjorde der, russere. Han risikerte tross alt mye, men han hjalp! Så kom han, Dunechka og Vanya kom med søtsaker og spilte hele tiden triste melodier på munnspillet. Jeg fortalte bestemoren min at herren hennes ville komme tilbake, og han ville vende tilbake til folket sitt i Berlin. Da tyskerne trakk seg tilbake, var han fortsatt i live.

Merkelig nok begikk ikke tyskerne grusomheter i landsbyen, tenk på at de sto bak troppene sine, det var harde kamper, dette er "Demyansky-gryten", så de kom til fornuft, helbredet sårene sine. Hovedmannen fungerte rett og slett, de skjøt ham ikke da folket vårt kom, men han visste ingenting om tyskeren. Bestemor var på hogststedet under krigen, den såkalte arbeidstjenesten. Kvinner felte tømmer og fløt det nedover elven, midje dypt i iskaldt vann, og dyttet tømmerstokker i vannet med kroker. Russiske kvinner er tross alt seige, som min bestemor sa, og de overlevde det. Generelt sa hun alltid: det er brød og pasta og det er ingen krig – og takk Gud! Hun hadde et slikt hint. De ble ikke berørt av undertrykkelse, ingen ble arrestert og dømt. Men hun gråt alltid når hun fortalte oss krigshistorier, fordi hun begravde to barn, bare to døtre overlevde.

Kabanov-familien

Barn av Norilsk. Foto 1937

Fra et brev fra Olya Kabanova til forlaget

Gutten på øverste rad er faren min, Igor Sergeevich Kabanov. Her er han seks-sju år gammel, noe som betyr at de ble filmet i 1936 eller 1937, i Norilsk. Pappas stefar var nesten sjef for Norilskstroy, så på bildet er ikke barna fanger, men frie ansatte. Bestemor husket hvordan hun levde i harmoni med fangene, hvordan hun ga deres kjærlighetsnotater videre.

Petrov familie

Besteforeldre i ungdommen. Ivan Petrovich Petrov og Elizaveta Alexandrovna Petrova. Bryllupsfotografering, Okulovka, Novgorod-regionen 1937

Fra et brev til forlaget

Min bestemor snakket aldri om familien sin. Hun var veldig lesekyndig, kunne det tyske språket perfekt. I familien hadde vi tyskere på min bestemors linje, så hun var stille.

Kobyakov-familien

Kobyakov Ignat Semenovich med familien til datteren Aksinya. 1935

Kobyakov Ignat Semenovich med sin kone og syv barn i løpet av Stolypin-reformen flyttet fra Klin-distriktet i Bryansk-regionen til Ufa-provinsen og var en av grunnleggerne av landsbyen Slobodka. Til tross for den stygge veksten hadde han en misunnelsesverdig helse. I hans ungdom, på en tømmerrafting langs Sozh-elven, rullet en tolv-tommers tømmerstokk over ham. Men han holdt seg i live. Sloboda-beboerne anså Ignat for å være rik. Han hadde bigård og godt landbruksutstyr. Sammen eide familien hans over 300 hektar land. På arven etter faren hjalp han alle sønnene sine med å bygge solide hus med jerntak. Sammen med sønnene rykket han opp med rot til dyrkbar jord. Friske stubber holdt fast i bakken, og fra verktøyet - en øks og en vaga. De jobbet fra morgen til kveld. Kom, spis og sov. Og om morgenen våkner han - håndflatene løsner seg ikke. "Legg" hendene på øksen og la oss rykke opp igjen ... Hans kone Natalya i ungdommen var en staselig skjønnhet, snill og følsom. De levde sammen, i kjærlighet og harmoni. I sine modne år behandlet Natalya med urter og hjalp kvinner i fødsel. Ignat overlevde sin kone med nesten 20 år. Levde 104 år.

Kobyakov-familien

Kotov-familien

Fra en serie bilder tatt i Ashgabat i et familiehjem. 1931

Fra korrespondanse med forlaget

Min oldefar, Grigoriev Anton Lukich, ble født i Taganrog 8. mars 1871. Far, Luca Miceli (1850, Messina, Sicilia - 1943, Malta), var ifølge opplysninger fra en kilde en italiensk skipsreder, ifølge en annen - han kom til Taganrog utvikle sin egen virksomhet - bygging av veier. Han kunne ikke anerkjenne sønnen som et legitimt barn - det var en familie i Italia. Men han holdt kontakten med ham til 30-tallet av XX-tallet, mens det var trygt. I 1911 besøkte Anton Lukich og familien hans far i Italia. Til tross for familiebånd med en langt fra fattig person, tok oldefar seg gjennom livet, kun avhengig av sin egen styrke.

Som datteren min, min bestemor, fortalte meg, lærte han å lese fra A.P. Tsjekhov, som de var på vennskapelig fot med. I mange år holdt familien et bilde av forfatteren med en dedikerende inskripsjon. Anton Lukich var konstant engasjert i selvutdanning - han mestret selvstendig det italienske språket, fikk senere spesialiteten til en paramedic.

Anton Lukich jobbet som ambulansepersonell i lang tid, tjenestegjorde i frontlinjens medisinske enhet under første verdenskrig. År med studier og hardt arbeid tillot min oldefar å oppnå mye: å gi familien en anstendig levestandard, og i perioden med postrevolusjonært anarki i Ashgabat å bli folkehelsekommissær.

I Ashgabat hadde familien sitt eget hus med 12 rom. Anton Lukich deltok personlig i konstruksjonen.

For sommeren dro familien til dacha i Firyuza, en forstad til Ashgabat på grensen til Persia (Iran). På slutten av 1920-tallet ble det utrygt å bo i Ashgabat. En høy stilling kan vende seg mot familien. I 1931 ble huset i all hast solgt. Med et minimum av nødvendige ting og midler flytter familien til Moskva. På Petrovsky Boulevard (husnummer 19) ble det kjøpt en port, som var inngjerdet på begge sider og gjort egnet for opphold. Det var ikke nok penger til mer. Anton Lukich jobbet som sanitetslege. Og, som jeg ble fortalt, sjekket han kvaliteten på vinene. Kona drev husholdningen. Døtrene Zhenya og Muza gikk på skolen, tok pianotimer og studerte vokal med Zhenya. Bestefar var veldig streng. Jeg elsket orden i alt. Han tok ofte imot gjester. Elena Nikolaevna lagde mat - det var ingen tjenere. Bordet ble servert i henhold til alle regler: sølvringer til linservietter, sølvbestikk og understell til dem. Porselensterriner og tallerkener i forskjellige størrelser. Som barn elsket jeg virkelig å høre på historier fortalt av min bestemor, Evgenia Antonovna, om livet i Ashgabat. Hun representerte hver eneste detalj: et romslig hus, campingvogner fra Persia lastet med vannmeloner og silke, den elskede gartneren Mamed, drueklaser som henger ut av vinduet, duftende fersken. Måten de slapp unna nattens uutholdelige hete ved å pakke seg inn i våte laken. Og hvordan en natt klatret tyver inn i huset, og hoppet over et høyt gjerde ved hjelp av fjærer festet til støvlene. Og så snakket hun om livet i Moskva på Petrovsky Boulevard.

Døtrene til folkekommissær Grigoriev, 1938-1939

Plakat av Maria Permyakova:

Plakat av Ksenia Protsenko:

Plakat av Maria Kosareva:

Designrom Tarkhanova-Yakubson

Sergey Serov

Det plastiske grunnlaget for grafisk design er samspillet mellom svart og hvitt, form og motform, figur og bakgrunn. Alle ser en av disse komponentene, fordi ideen vanligvis formidles ved hjelp av svart, "figur". Alle kan se det, les innholdet i meldingen. En annen komponent - en hvit bakgrunn - sees vanligvis bare av diagrammer. Bare en profesjonell kan nøyaktig sette en "figur" på et hvitt ark, gjøre et skilt, bokstav, linje til et grafisk design. Og denne nøyaktigheten av å se det usynlige, å jobbe med "luft" er den mest intime delen av yrket.

For allmennheten er grafisk design en slags grafikk, kunst. For fagfolk er ikke denne kunsten visuell, men uttrykksfull, arkitektonisk. hvitt rom arkitektur.

Sjangersammensetningen av grafisk design er ekstremt bred: fonter og skilt, bedriftsidentitet og emballasje, utendørs og urban reklame ... Nylig har TV- og datagrafikk, multimedia og webdesign blitt lagt til dem ... Men den paradigmatiske kjernen i yrket er fortsatt typografi – dronningen av grafisk design. Og typografi fungerer i hovedsak med ett enkelt blekk – hvitt. Til slutt kan en designer få et skilt, en font, en ornament, en illustrasjon tegnet av en annen kunstner, og et fotografi tatt av en fotograf ... Men det vil fortsatt være behov for en spesialist som ekspressivt kan plassere det i det tomme rommet til et hvitt ark.

Typologien til typer og former for typografisk rom er grenseløs: den er inne i og mellom bokstaver, mellom linjer og illustrasjoner, inne i og rundt settestripen... Som Jan Tschichold, en klassiker innen bokdesign fra det 20. århundre, sa, typografisk kunst "inneholder det meste i valg av hull."

De sier at på språkene til de nordlige folkene er det ikke noe ord for "snø". På den annen side er det flere titalls spesielle ord for «smeltende snø», «glitrende i solen» eller «slede egnet for å skli». Slik er det alltid med de viktigste konseptene. Så i grafisk design er det mange begreper for å betegne tomhet: "ledende", "klaring", "plass", "sporing", "kjerning", "apros", "mellomrom", "finer", "korridor", " hull”, “avsnitt”, “innrykk”, “innrykk”, “nedstigning”, “slag”, “blindlinje”, “marginer”, “modulært rutenett”, “akse” ... Alt handler om ham - om hemmelige romfagfolk.

Er det mange som jobber med grafisk design i dag som føler denne plassen? De som forstår og elsker typografi? De som er i stand til å heve «kunsten av gap» til nivået av moderne visuell kultur?

Akk, sirkelen deres er smal. Og de er fryktelig langt unna ... Det ville markedet la ned kriteriene for profesjonalitet. Og håndverksnivået opprettholdes i dag kun takket være entusiastenes dedikerte innsats.

Irina Tarkhanova-Yakubson er en av dem som til tross for alt fortsetter å forsvare grafisk designs ære og verdighet som en høy kunst.

Jeg hørte dette navnet første gang på slutten av 80-tallet, da vi var i bladet «Reklama. Theory, Practice” arrangerte en fontkonkurranse for hele Unionen. Prosjektet hennes «Foreshortening» fikk pris der. Det var hennes første arbeid i type. Siden den gang har jeg fulgt nøye med på arbeidet hennes.

Hun er vellykket innen bokdesign, magasindesign, alt som en moderne grafisk designer gjør. Hennes spesielle lidenskap er konseptuelle forfatterkalendere, bygget utelukkende på grunnlag av typografiske bilder. Hun tok med seg en så presis følelse av rytme og proporsjoner for å jobbe med trykkområdet til en bok, et magasin, en kalender at navnet hennes ble et av de mest fremtredende innen russisk grafisk design.

Og her sitter vi i den koselige redaksjonen til kunstmagasinet Pinakothek på Patriarkens dammer og snakker om hennes kreative vei. Det som interesserer meg mest er opprinnelsen til talentet hennes, så sjeldent i dag, og entusiasmen som opprettholder hennes aktive kunstneriske aktivitet. Hennes lærere, venner, kulturmiljø...

– I 1982 ble jeg uteksaminert fra MAArhI. Helt fra begynnelsen hadde jeg lyst til å skrive en bok. Men det virket for meg som Arkitektinstituttet ville gi en bredere kunstutdanning. Faktisk tok jeg ikke feil, selv om jeg endelig innså dette senere. Jeg forsto ikke umiddelbart at boksiden er et rom, og ikke et sted som er fylt med bilder. Og så så jeg plutselig at dette er det samme rommet, det samme huset som må fylles med små krakker eller store skap, for å kjenne hvilken høyde, bredde, dybde det er ... jeg kjente tomrommet i et bokark som luften vi puster inn.

En arkitektutdanning gir unike ting til en kunstnerisk person - en følelse av rom, skala, rytme.

Som student begynte hun å samarbeide med forlag, tegne illustrasjoner...

- Ved Moskva arkitekturinstitutt er tegningen veldig konstruktiv ...

Ja, konstruktivt. Riktignok var jeg heldig med Sergei Vasilyevich Tikhonov. Det var en uovertruffen belysning av tegningen. Han vevde luften med linjer. Da han tegnet, så det ut til at han ikke rørte papiret. Han tenker bare dypt, og denne filosofien manifesterer seg på magisk vis på papir, som i et dekal. Det var en fryd å se ham tegne...

Samtidig innså jeg at konstruktiv tegning er en veldig spesiell type tegning, at det ikke er nok, du må forbedre deg på en eller annen måte.

Og så, på mitt tredje år, kom jeg til Viktor Isaevich Tauber, en fantastisk bokillustratør. Alle barna hadde bøkene hans "White and Rose", "Puss in Boots" ...

Viktor Isaevich hadde en Yuon-skole, der det viktigste var luft, modellering fra lys og skygge. Og selvfølgelig var Tauber en fantastisk utdannet person. Han var godt kjent med klassisk musikk, han hadde et enormt bibliotek, en samling reproduksjoner, som han hadde samlet siden trettiårene. Hans selskap fra ungdomstiden - dikterne Arseniy Tarkovsky, Willy Levik, Arkady Steinberg. De var venner hele livet. Vel, jeg ble litt revet med.

– Så det var samtidig personlig vekst?

- Utvilsomt. Viktor Isaevich påvirket meg mye. Vi hørte på klassisk musikk. Han snakket om Akhmatova, Chukovsky, Marshak, Favorsky, Yudina, Fainberg, som han personlig snakket med. Han fortalte meg hva jeg skulle lese, hva jeg skulle se på museer. Så lærte jeg om samizdat for første gang.

Så gikk det hele videre med Evgeny Aleksandrovich Gannushkin, som jeg møtte i 1982. Han var også en musikkelsker, de leste, så på og snakket sammen. Fra første dag advarte han om at vi ikke ville snakke om fonten, om bokstavene. Over en kopp te – om formen på dørhåndtaket, om hunden til Chaliapin ... Men jeg kom til verkstedet og så hvordan børster, fjær, blyanter lå, hvordan han spisser dem. Han sa: "Irisha, det er bare én ting som ikke tar tid - disiplin." Det hele fungerte fantastisk. Jeg pustet og drakk denne luften.

Når det gjelder profesjonelt arbeid, la jeg ut et stort antall skisser på gulvet. Yevgeny Alexandrovich så ettertenksomt ut, valgte en liten krølle og sa sympatisk: «Lagre. Du må vokse ut av det." Så fant jeg ut av det selv.

Han sa alltid: "Hvis Ivan Fedorovich Rerberg var i live, ville jeg fortsatt gå til ham." Det er sånn jeg er. Jeg ville fortsatt lære.

– Kom til oss i VASHGD, nå for å lære barnebarnet sitt, han er på tredje året.

– Ja, Misha Gannushkin... Bra. Selv gikk jeg allerede. Men jeg har ikke en rigid metodikk, et undervisningskonsept. Bøkene mine lages forskjellig hver gang. Det er ingen linje. Fabrikkstudier kan jeg ikke undervise i. I mellomtiden kan jeg gjøre det jeg elsker med studenter. Jeg har allerede funnet ut hvordan jeg skal bære tankene mine gjennom papir, slik at de designer, analyserer, klipper, limer, dykker ned i ulike stiler, teksturer, komposisjoner. Provosere dem til handling, glemme frykt. Tross alt er studenter veldig redde for å finne opp, hengi seg til forskjellige triks, triks ... Og her ser det ut til at det ikke er behov for å finne opp, gjenta for deg selv arbeidet til den store maestroen innen papirteknologi ... Det vil si, flytt gjennom papir, gjennom håndarbeid, gjennom øynene. Og gjennom ørene, hvis du vil... Tross alt rasler papiret, knekker, knirker...

– At papir gir taktil-visuelle fornemmelser er velkjent. Men at det virkelig høres annerledes ut, rasler, rasler - få mennesker legger merke til dette ...

–Papirarbeid er en stor sak. Ved Moscow Architectural Institute elsket jeg å lime og kutte modeller, gjøre decoupage og clausura-oppgaver. Og Yevgeny Aleksandrovich var veldig følsom for papir. En gang ga han meg et ark med støpt fakkel slik at jeg kunne lage en komposisjon. Jeg lyktes ikke. Han så og ropte: «Jeg var redd, jeg var redd! Oj oj oj! Jeg var redd for papirer! Arbeidet gikk tregt. Frykten for kongelig papir vant. Men Yevgeny Alexandrovich var veldig snill mot hobbyen min og glorifiserte generelt arkitektutdanning på alle mulige måter, og vurderte den som den beste. Tilsynelatende skyldtes dette det faktum at læreren hans, Ivan Fedorovich Rerberg, var arkitekt av utdannelse, han designet de beste sovjetiske akademiske publikasjonene om arkitektur.

Så, litt senere, hjalp avdøde Yuri Kurbatov, sjefskunstneren til magasinet Decorative Art, meg mye. Veldig mektig og talentfull artist. Han lærte hvordan man bygger oppslag, lærte å jobbe med illustrasjoner i et magasin, frihet innenfor teknologiske grenser, konsisitet og uforutsigbare grep. Jeg anser ham også som min lærer.

- Når det var?

– I "DI"? I 1986 Så var det Rakurs, et blad i et blad. Det første magasinet om ikke-konform kunst som vi gjorde med Lesha Tarkhanov. Så kuttet jeg ut en skjermskrift fra et viskelær, som jeg kalte "Foreshortening".

- Men Kurbatov er Anikst-Troyanker-linjen ...

Ja, det var to forskjellige linjer. Gannushkin vokste ut av en tegnende, akademisk retning. Og «Misha med Arkasha», som han kalte dem, hadde et stivt, minimalistisk Bauhaus-design. Klassikerne mente at det var nødvendig å bevare en håndlaget bok. Og retningen deres var å utvikle konstruktive fotosettingsfonter og faktisk bevege seg mot datamaskinen.

Men hva kan jeg si sikkert – jeg kjenner igjen Gannushkins ryggrad fra tusenvis av bøker i hyllen, men det er ikke Anikst.

Nå forstår jeg at begge retninger var veldig viktige. Vi må bevare vår egen, unike, levende – og flytte til Vesten, til en teknisk, moderne bok.

– Hvilken surdeig er sterkest for deg?

– Selvfølgelig, Gannushkinskaya. I 1987, på Moskva-utstillingen, stilte jeg ut en type kalligrafisk komposisjon. Jeg har laget boken «Fortellinger om onkel Remus» i gjennomtegnet design. Jeg prøver fortsatt å skrive, tegne, gjøre noe med hendene.

– Men bøkene og kalenderne dine er ikke Gannushkin. Det er en datamaskin, arkitektur, ikke sant?

Ja, datamaskin. Men jeg prøver å gå til det livlige og varme i datagrafikk, for å gå tilbake til håndarbeid. I tjue år nå har det vært en modell av et bokleketøy, en romlig fundamentalt ny modell. Mens det verken er krefter eller tid til å gjøre det.

– Det er nødvendig sammen med elevene ...

– Bare gjennom dette håper jeg å komme tilbake til romlig modellering på et nytt nivå, etter å ha forstått mye om boken.

- Vi snakket om lærere, la oss nå snakke om de som er i nærheten ...

– På begynnelsen av 90-tallet møtte jeg avdøde Shura Belosudtsev. På den tiden laget jeg kalligrafiske komposisjoner av gummistemplene mine, som jeg klippet ut for Rakurs. Dette var både frie komposisjoner og strenge typer... IMA-presseforlaget ga da ut kalenderen min med gummitrykk. Shura var kunstdirektør for et forlag, og jeg møtte vennekretsen hans - Sasha Gelman, Andrey Logvin, Yuri Surkov, Lyosha Veselovsky.

Selvfølgelig pustet vi alle den samme luften. Vi så selvfølgelig mot det aktive vesten. Tross alt, i Russland er nesten alt sekundært. Alt er destrukturert. Det er ikke noe designmiljø som sådan, og det kan det ikke være. Dette landet trenger det ikke ennå. Jeg tror en haug med designere trenger det. Og resten - like fullt. Så vi blir sittende fast i sumpen. Vi trekker ut det ene benet - det andre faller gjennom.

Generelt er det veldig vanskelig, spesielt med bøker. Siden bøker krever rolige historiske lag, skånsomt, ikke røft miljø... Boken er generelt et mystisk produkt. En slik sopp som vokser ut av kulturell mugg, av klok papirnatur... Derfor kan vi stønne så lenge vi vil om nederlandske bøker, men dette er uoppnåelig. I Frankfurt var jeg ikke for lat, jeg gikk gjennom alle standene med bøker om kunst ... Det beste var et bittelite nederlandsk stativ med bind skapt bokstavelig talt av engler. Det er vanskelig å forklare. Boken er et flerlags tverrkulturelt og svært demokratisk produkt. Hun må være mystisk fri.

I Russland kan du være en demiurg på et eller annet strengt begrenset felt for ditt eget... Her er kalligrafi, her er kalendere, bedriftsidentitet eller til og med et TV-studio, hvis kunden er skremt, i designerens mage. Derfor er det Chaika, Surik, Huron, Logvin, Erken Kagarov, Elena Kitaeva, Yuri Gulitov. Men slike situasjoner er sjeldne. Jeg anser denne gruppen, som ble dannet på begynnelsen av 90-tallet, for å være min egen. Du kan legge til et dusin flere navn. Men dette er veldig lite! Nye navn dukker opp, unge, men de blir umiddelbart slukt av reklamebransjens tannkjefte. De begynner å tjene penger, og veldig anstendige, uten å forstå noe ennå. Jeg utviste rett og slett sønnen min for å studere i Holland, for her begynte han allerede å tjene store penger her, etter at han ennå ikke hadde fått en skikkelig utdannelse.

Jeg savner designlauget som arrangerer konferanser, internasjonale rundebordsbord. Tross alt er det så mange interessante problemer ... Jeg vil ha live kommunikasjon, profesjonell varmeoverføring, blodstrøm. Vel, de unge ville se nøye, strukket. Tross alt, ikke bare penger ... Myndigheter, designakademikere som staket ut spontant, selv i løpet av supermagasinets levetid "Greatis”, ved begynnelsen av den russiske romantiske kapitalismen, skulle nå være “legalisert”. Det er nødvendig å aktivt utvikle kreative stimuli i fagmiljøet, leve i det, krangle, banne, diskutere utstillinger, bøker, magasiner.

Design i Russland er et felt dekket med roseblader, og under dem en sump. Ingen vil ha noe. Det du gjør, Sergey, er det ingen andre i landet som gjør bortsett fra deg. Ingen strukturerer russisk design...

– Så hva ville du si om nederlandske bøker?

– Vel, dette er på nivået til den høyeste yogaskolen. Meditasjon pluss pust. Høyere typografisk skole for puste. Superkulturelt lag. Folk har jobbet med konsentrasjon i århundrer, systematisk, rolig. De skjøt ikke på hverandre på lenge. Bare og alt. Og de oppnådde denne upåklagelige åpenheten, klarheten, lakonismen. En trikkebillett i den lille byen Utrecht er et designverk. Hva kan du si? Det er en total allestedsnærværende design. Hva er emne, hva er grafisk. Enkel, behagelig, harmonisk. Alle designstudenter - for å kjøre til Holland. Akkurat som russiske malere pleide å bli sendt til Italia for en praksisplass, sendes nå russiske designere til Holland. Uten dette teller ikke utdanning.

– Land – Holland. Og hva er favorittbyen din?

- Jerusalem! Først virket det for meg som om byen var snudd på vrangen. En slags antiarkitektur. Vinduet slått på deg. Hulestil. Og så skjønte jeg hvilke skatter som var gjemt i disse hulene.

Ulike jøder bringer sin kultur fra alle deler av kloden. Etiopiske jøder, marokkanske, argentinske, franske, kinesiske, russiske... Hver tar med seg sitt eget, det mest essensielle, lyse.

Deretter ulike religioner og religiøse trossamfunn, hver med sine egne lag, tradisjoner, grunnlag. En veldig livlig by, ung og gammel på samme tid.

– Og Moskva og St. Petersburg? Du bor og arbeider nå mellom de to byene…

– Moskva er selvfølgelig også en levende by. Babylon. Bare nomadiske, ikke avgjort. Alt i kofferter. Enten er han på vei, eller så er han allerede kommet. I dag var disse koffertene fylt med noe. Kastet ut i morgen. Så bestemte de seg for å brenne teltene også. Så fant de gamle kofferter, begynte å stappe dem igjen, uansett. Og de bygde en stygg vogn, dekket den med vakre tepper. Og så uendelig. Og det hele er så heftig, uselvisk ... Øynene gjør vondt av stygghet.

Og i St. Petersburg tenker jeg godt, puster godt som kunstner, som arkitekt. Jeg hviler øyet i St. Petersburg. Likevel er det bygget så mye luksuriøs arkitektur av meget høy kvalitet på bare to hundre år! Så jeg går og stirrer på all denne skjønnheten. Jeg gleder meg og nyter.

– Hva er favorittfontene dine?

– Jeg jobber med det jeg har. Baskerville bevist, Franklin, Officina, Universe, Metanova, noen ganger Caslon, Dido... Jeg ville bare jobbet med Pragmatika hvis den hadde 12 fettstoffer. Dette ville vært hodesettet mitt.

– Har du en følelse av en historisk milepæl, slutten av boka?

– Verdensdesign beveger seg, selvfølgelig, i retning av datamaskinen, skapelsen av et parallelt rom, et gigantisk virtuelt eventyr, penetrasjon inn i neste dimensjon... Men jeg tror det kommer andre tider og andre bøker. For eksempel, i det samme Israel, er plastbøker veldig populære nå, som barn bader på badet. Det kommer sikkert bøker med berøringssider eller bare simulacra - du kan fantasere i det uendelige.

Tross alt dukket boken opp med mennesker som virkelig realiserte seg selv på Sinai-fjellet, og vil forsvinne hvis en person nekter å gjøre det. For meg er en bok det mest mystiske objektet i den objektive verden.

Likevel utgis bøker i gigantiske opplag. Se hva som skjer i Frankfurt på bokmessen! Hver dag er det en demonstrasjon, skulder ved skulder, gigantiske folkemengder. Det er ingen solnedgang i sikte. En kraftig industri og mange små stands med håndlagde bøker, med kunstnerbok, litografi, silketrykk, etsning, enkelt tegnet ... Boken skal utvikles i forskjellige materialer. Det avhenger av fantasien til menneskene som skal jobbe med det.

Jeg er for eksempel interessert i å animere en datamaskin. Dette er i det hele tatt et uutforsket felt - en sensitiv nøytrino-verden. Han er i live. Jeg føler det hele tiden. Han hjelper, beklager, gjør motstand ...

- Hvis du ser tilbake på den kreative veien, hva kan du si: «Dette er mitt»?

Først av alt, kalendere. Der føler jeg meg i stolt ensomhet. Jeg føler meg bra der og ikke trang. Nå forbereder jeg nok en kalenderutstilling i Italia. Italienerne er veldig aksepterende for arbeidet mitt. De trenger ikke å forklare at mine kalendere er arkitektur. De spør ikke hvor er mandag, hvor er lørdag. Jeg fant arkitektonikken min i kalenderne. Jeg fant rytmene mine og rommet mitt. På et tidspunkt innså jeg at kalenderen horisontalt og vertikalt utvikler strukturer. Horisontale gjentakelser rytmisk: mandag, mandag, januar, januar, midnatt, midnatt. Samtidig er det vertikale, modulære inndelinger: dag, uke, måned, år. Og fra en formløs haug med tall, finner jeg opp og bygger mine egne arkitektoner.

Når det gjelder bøker, er situasjonen mer komplisert her, siden jeg lager bøker med forfattere. I bokdesign anser jeg meg selv som et medium, ikke en demiurg i det hele tatt. Alle bøkene mine er portretter av forfatterne. Så det viser seg. Mystisk historie. Jeg signerer ofte design sammen med forfatterne. Jeg anser bare primeren for å være opphavsrettsbeskyttet. Det virker for meg at jeg i den klarte å si noe fundamentalt nytt. Men dette var opprinnelig et strålende filologisk prosjekt av Masha Golovanivskaya.

Magasiner, magasindesign - litt annerledes. Dette er et samlet portrett av redaksjonen. Jeg vet hvordan jeg nøyaktig identifiserer redaksjonelle sykdommer ved å se på sidene til magasiner i en latterlig grad. Som en palmist.

– Hva anser du som det viktigste i livet ditt?

- Utrolig flaks i møter, kommunikasjon, vennskap med kunstfolk. Med mennesker som er i stand til å uttrykke tanker, følelser, følelser på en kraftfull måte. Med spesialister i toppklasse innen ulike kulturfelt. De lærte meg å forstå kino, litteratur, ballett, musikk, fotografi, arkitektur. Dette er mitt hjem, mitt miljø, min luft. Jeg føler meg som en del av dette kunstneriske fellesskapet.

Hvis jeg var utdanningssjef, ville jeg forbudt mange fag på skolene, og introdusert det viktigste - "Generell rytme". Å undervise umiddelbart - poetikk, solfeggio, kalligrafi... Grunnleggende om klassisk dans og grunnleggende filmredigering... Tegning og korsang... Fordi alt er mettet med alt. Hviler vi bare på ett kunnskapsområde, ferdigheter, risikerer vi å bli håndverkere, men ikke kunstnere. Og vi løper bare fort som strutser, men vi flyr ikke. Men de må føle den eneste rytmen som gjennomsyrer alt i verden, legge merke til den, se den, forstå skapergleden, høre, høres...

Vel, ta med noe eget. Vær raus...

Irina Tarkhanova. Foto: Alexander Lepeshkin

Minifestivalen «Russian theme» til forlaget «Barberry» har startet i galleriet «Rose of Azora». "Barberry"-kvelder - fra kl. 18.00 til siste besøkende - vil bli holdt til 26. august, de er dedikert til de siste nyhetene til forlaget, spesielt laget for utgivelse av bøker av kunstnere.

Grunnleggeren av forlaget, Irina Tarkhanova, og hennes eminente gjester vil også presentere "Poor Books" av Irina Zatulovskaya (25. august) og "Across Russia with Sirovsky", tredje bind av Valery Sirovskys reisedagbøker (26. august). som en samling av brev fra Vladimir Sterligov "White Thunder of Winter" (23. august) og "Idle spekulasjoner" av Konstantin Pobedin (24. august).

Før denne kaskaden av presentasjoner snakket vi med Irina Tarkhanova om hvor hun kom opp med emblemet til forlaget hennes, hvorfor bøker skrevet på "øyene" er så kjære for henne, og hvordan publisering av museumskataloger skiller seg fra publisering av arkivsjeldenheter.

Hvilken av de utgitte bøkene er den viktigste for deg?

Alle er mine barn, alle har sine egne karakterer, de er alle kjære for meg på forskjellige måter, siden de er forskjellige oppdagelser i livet mitt. Ekte mødre burde kjenne barna sine bedre enn andre og kjærlig lede dem gjennom livet, sammen med alle manglene. Men selvfølgelig er den yngste den mest elskede: nye barn er alltid bedre enn gamle.

- dette er "White Thunder of Winter", kjærlighetskorrespondanse og dikt av kunstneren Vladimir Sterligov fra de første årene av andre verdenskrig.

Sterligov fengslet meg umiddelbart med sin litterære gave. Den rytmiske prosaen han skrev er fra min ungdom. Lidenskap for Andrey Bely forlot fra min eksmann Lesha Tarkhanov. I biblioteket mitt er det livstidsutgaver av "Silver Dove", "Moskva" og "Petersburg". Sterligov la seg perfekt på denne bakken. Med sitt hav av følelser etter Karlag (Karaganda arbeidsleir. - TANR), da, ser det ut til, bare svidd jord skulle ha vært igjen i sjelen. På universitetet gikk vi gjennom Zabolotskys oppbyggelige poesi etter leiren. Det var skrekk, selv om «Kolonner» fortsatt er en av favorittene hans. Tross alt elsker jeg på en eller annen måte spesielt Leonid Aronzon for dette: han skrev et diplom om Zabolotsky. Så alt gikk i en loop i denne utgaven, spesielt siden Sterligovs personlighet overveldet meg.

Han ønsket å bli forfatter på begynnelsen av 1920-tallet, men ble interessert i Malevich og ble hans student. Av maleriene hans har lite overlevd. I 1939 kom Sterligov tilbake fra Karlag, fullstendig tilbakestilt til null. Venner ga ham en drapering frakk. Dette var alle eiendelene hans.

Han var ulovlig i Leningrad: han hadde «minus seks byer» i passet sitt. Men han ble gjenfødt da han ble forelsket. Jeg følte meg levende igjen. Det er et sånt mirakel! Boken ble satt sammen av brev til hans elskede Irina Potapova. Sterligovs kone forsvant i leiren, det samme gjorde Potapovas mann... Trusselen om en ny arrestasjon henger stadig over kunstneren og musen hans – og her er denne kjærligheten som ga dem muligheten til å rømme.

Hvordan fikk du brevene hans?

Fra Irina Sterligova. Tilbake på 1990-tallet oppdaget hun dem ved et uhell i de romerske arkivene til Andrey Shishkin, professor ved Universitetet i Solerno og direktør for Roma-senteret Vyacheslav Ivanov. I en skoboks på hylla i huset hans. Ira Sterligova er sjefspesialisten i middelalderens brukskunst og bysantinsk kunst i Russland og, som det skjer, Sterligovs arving (mannen hennes var kunstnerens nevø). Det er derfor Andrei Shishkin ble kompilatoren av denne gripende boken.

Du publiserte Sterligov, siden brev, dagbøker, memoarer og biografiske papirer er spesialiteten til Berberis, definerte jeg det riktig?

Dagbøker, brev og dokumentasjon knyttet til kunstnerlivet, fordi «Barberry» er et forlag skapt av en kunstner og fremfor alt om kunstnere.

Liza Plavinskaya (kunstner, kunstkritiker og gallerist; Liza er en universell kunstnerisk personlighet og en god venn av Barberry; nå gjør vi et viktig prosjekt med henne) formulerte dette en gang og ønsket til og med å opprette et forlagsselskap kun beregnet for kunstnere . Dette er ikke «kunstnerbøker», men forlag skapt av kunstnere. Føl forskjellen. Dette er helt annerledes. Så langt er vi fast forpliktet til denne ideen, og bare én bok (De forbannede toscanerne av Curzio Malaparte) er et unntak. Men Malaparte ble også oversatt fra italiensk av kunstneren Valery Sirovsky. Og dette er spesielt interessant for meg.

Fortell oss hvordan Sirovsky kom til deg. For meg er bøkene hans en biografisk historie og har blitt de mest ikoniske bøkene til Berberis.

Til å begynne med gjorde kalligrafien hans til memoarene "Takk til kamerat Stalin ..." ikke mye inntrykk på meg. Valery lette da bare etter en bokdesigner for å publisere notatbøkene og notatbøkene hans.

Det er kunstnere som utarbeider sin filosofi og plass i kunstmarkedet, og det er de som tegner mens de puster, bare registrerer livet mens de synger. De gleder seg over oppdagelsene uten å tenke på noe. De har et annet virkefelt – feltet for den såkalte «naive kunsten». Men det er naivt bare fra selgerens, kuratorens, lederens, kunsthistorikerens synspunkt.

Spørsmålet høres slik ut: hvem er viktigst for oss - en zemstvo-lege eller en lyskilde for medisinsk vitenskap?

Zemstvo-leger er mye mer interessante for meg. Og jeg lurer også på når armaturene utgir seg for å være zemstvo-leger. Det er enda mer interessant, og det er akkurat det Sirovsky er. Det er viktig for meg når jeg ikke forstår hvordan det gjøres, fra hva, hvorfor...

Irina, hvis dette er bøker av kunstnere, hva er viktigst i dem - teksten eller den visuelle komponenten? Tross alt lager du stykkeutgivelser, hver gang endrer teknologien for å formidle trekk ved skjøre sjangere så autentisk som mulig.

Dette er ikke bare bøker om kunstnere. Dette er tankene til en kunstner som gir ut bøker, forstår du? Når jeg studerte dette materialet, skjønte jeg at det var med slike marginale karakterer, med øyene som bor parallelt, jeg skulle jobbe. Dette er min vei og min nisje.

Her er poeten Tatyana Shcherbina som skriver ned sine dikt, historier og essays i kalligrafi. Her skrev kunstneren Vladimir Sterligov brev i rytmisk prosa. Her laget oversetteren geniale arkitekturskisser, og kunstneren Alisa Poret kom med absurdistiske vitser med bilder.

Jeg er bekymret for omkoding, feltet til det uforutsette. Jeg er interessert i øylivet, parallelt med mainstream, når strømmer, millioner av visninger, millioner av hits og superhelter ikke er viktige. For meg er Sterligov en superhelt. En lite kjent tiggerkunstner som skrev strålende brev til den vakre damen. På sin side skrev denne damen gripende memoarer om blokaden, enestående på sin egen måte.

Hvorfor er det nå viktig å se bort fra mainstream?

Vi er omgitt av frimerker. I en tid med umiddelbar spredning av informasjon, formerer de seg i en rasende hastighet. Jeg vil virkelig ikke være en del av alt dette.

Hvem er din leser?

Folk som kan tenke. Stopp og tenk, legg merke til bevegelsen til en sky, en endring i vinden, utseendet til et barn som faktisk lenge har vært mye mer modent enn denne voksne. Mennesker som er i stand til å undre seg. De spiser og skriver takkebrev. Når de skriver: "Jeg leste, lo og gråt!" - Jeg trenger ikke mer. Dette er hovedprisen. Hvor mange kan gråte over sidene i bøkene?

Leserne av katalogene og luksusbøkene jeg designer takker meg aldri. For der er jeg i den generelle flyten. Og her er vi alle sammen og motstår denne strømmen, forstår du?

Og hvordan! På den ene siden gir du ut stykker, nesten håndskrevne bøker, på den andre siden, som designer, lager du monumentale kataloger over de mest prestisjefylte utstillingene. For eksempel malerier fra Vatikanets Pinacothek i Statens Tretjakovgalleri eller «Palladio i Russland» for Correr-museet i Venezia. Fortell oss om denne siden av arbeidet ditt. Hva er det viktigste i museumskatalogen?

Museumskatalogen er alltid et resultat av arbeidet til et stort team. Og det er også interessant. Designeren jobber her som en formidler: han må fange museumsstrømmen, la den passere gjennom seg og ikke dø.

Designeren av museumspublikasjoner har helt andre oppgaver. Katalogen er en dirigent for historie, museumsarbeid, ambisjoner, mote og stilsettinger. Designeren her er ikke lenger en demiurg - men jeg elsker å jobbe med forfattere! I denne bransjen er jeg jordmor, og er med på å føde det mange fantastiske, smarte, talentfulle mennesker har tålt. Jeg ser ikke på meg selv som å lage strålende kataloger, men jeg prøver å kombinere arbeidet til mange andre. Vanskelig oppgave, for alle skal være fornøyde. Jeg kan ikke være en jævel, presse gjennom ideene mine, lage oppstyr, bare se mine egne. På katalogene er jeg ikke godkjent som kunstner.

Hva er sirkulasjonene i Berberis?

Fra 50 til 1 tusen eksemplarer. Det er mye for bøkene mine. Vår mester er "Hundre dikt" av Leonid Aronzon, det universelt anerkjente geniet fra det 20. århundre. Opplaget har lenge passert 1000 eksemplarer.

Alisa Poret er nok en av mine ekstravagante og upåklagelige favoritter. Så Sterligov, jeg er sikker på, vil bli elsket av mange. Som kunstner er svært lite kjent om ham. Spesielt som forfatter og poet. Og for eksempel verdsatte Daniil Kharms ham veldig høyt.

Hvorfor alle de samme "Barberry"?

For meg er denne planten et symbol på frihet. I 1989 dro jeg på min første Europaturné. tsjekkisk. Der, i Tatras, strødd med snø, på bakgrunn av deilige lukter fra kaffehus og koselige butikker, lå røde berberisbær spredt overalt. Så, i november 1989, var det forferdelige ødeleggelser, skitt og mørke i Moskva. Jeg snakker ikke engang om lukter. Alt er dårlig. Og i Tsjekkia - blå himmel, ren snø, aromaer av velvære, koselige bindingsverkshus og disse røde bærene av frihet.

Berberis er vakker, sterk og ekstremt søt. Den vokser mellom hage og skog, men er samtidig ufortjent lite involvert i navngivning. Selv om mange mennesker elsker dette navnet på grunn av søtsaker.