Woe from Wit'in tiyatro prodüksiyonu üzerine yaratıcı bir çalışma. Komedi tarihi “Wit'ten Vay. işin genel tanımı

"l="0">

M.A. Voloshin.

"l="0">

____________________

"l="0">

[...] "Woe from Wit"in yeni bir prodüksiyonu son birkaç yıldır ortalarda ve kaçınılmaz hale geldi.

Bu süre zarfında, o zamana kadar bize yakın olan İskender dönemi, yalnızca “Woe from Wit”, “Onegin” ve “Savaş ve Barış” da, aynı dönemin edebi eserleri ve çizimleri - her biri kendi parçası için girdi. Rus resmi. Petersburg'da Benois ve Somov tarafından gündeme getirilen ve Musatov'un Moskova'da yansıttığı hareket, 19. yüzyılın başlarındaki durumun güzelliğini bize çok yakınlaştırdı. Önceleri bu çağda sadece karakterler ve olaylar bize tanıdık geliyordu, artık odalar, eşyalar, elbiseler yakınlaştı. Hatta yakın olmaktan da öte, çünkü Rus antik çağına olan tüm üzüntümüz bu çağa döndü. Bu yeni duygunun aydınlattığı Woe from Wit'in yeni bir üretimi tarihsel olarak gerekli hale geldi.

Ama Sanat Tiyatrosu sadece sanatçıların çizdiği yolları takip etmekle kalmamalı, aynı zamanda kendini de yaratmalıydı. Somov ve Benoit tarafından yapılan antik çağın ayrıntılı gelişimi,

210 Petersburg'a, Moskova'ya değil. Sadece yöntemi verdiler ve Sanat Tiyatrosu bunu Moskova döneminde uygulamak zorunda kaldı. Moskova'nın bu tamamen yeni resmi, Sanat Tiyatrosu'nun en önemli ve gerçek değeridir.

Buradaki ana karakter, Moskova'daki eski malikaneydi [...].

İlk perdenin kurgusu çeşitliliği ile şaşırtıyor [...] ama yine de içsel bütünlükten yoksun. Burada çıngıraklı saat ve odayı ayıran ışık kamışı çit, Famusov'un çizgili ipek sabahlığı ve mobilyaların şekli ve duvarlardaki minyatür portreler dikkat çekicidir, ancak tüm bunlar henüz birleştirilmemiştir.

İkinci perdenin ayarı, tüm bu farklı izlenimlere derhal bütünlük verir. Arkada bir penceresi olan uzun, dar bir portre odasıdır. Duvarlarda portreler asılı ve iki çizgili kanepe karşılıklı duruyor. Kırmızı sandalyeler, beyaz çinili soba. Pencerenin dışında, çatılar karla kaplı ve her şeyde - bu bir Moskova kış sabahı hissi, geniş bir sıcak oda, sabahtan akşam yemeğine kadar, bir şekilde yapacak bir şey olmadığında ve biraz sıkıcı ve kalbinde çok rahat .

Üçüncü perde balodur, mükemmel kostümlerin hareketidir. Ama tüm düzeni - hem beyaz sütunlar hem de iki lapis-lazuli vazo ve oturma odasının kapılarından dans salonuna, konukların yükseldiği merdivenlere ve korkulukların arkasındaki odaya açılan üçlü bir perspektif. merdivenler - en ustaca mimari kavramlara aittir. .

Dördüncü perdenin ayarı çok fazla samimiyet getiriyor. Bu gerçek bir Moskova antresidir - geniş, ancak çok geniş değil. Solda, ikinci kattan bir merdiven iniyor ve sağda, bir gölgelik çıkışın derinliklerine iniyor ve çift camlı kapıdan karlı bir şafak parlıyor, bu da olan her şeye bir tür heyecanlı yorgunluğun özel bir gölgesini veriyor. uykusuz bir gecenin ardından.

Komedideki aktörler doğrudan eski evin mobilyalarından aktı ve bu, birçok sahnenin yeni bir yorumunu sağladı. Ana özellikleri, hepsinin figür olması, ancak karakter olmamasıydı. Ve bu bir eksiklik değil, harika bir sahneleme taktiğiydi. "Woe from Wit" in klasik üretimi, her şeyden önce karakterler, türler verdi. Rus sahnesinin tüm devleri bu komedide kendi karakterlerini yarattı. Sanat Tiyatrosu onlarla bu yolda rekabet edemeyeceğini çok iyi anladı ve bu görevden alçakgönüllülükle geri çekildi, bu da bizi bu alandaki taleplerimizi kendisine sunma hakkından mahrum etti.

Figürler derken kostümü ve yüzü kastediyorum. Sanat Tiyatrosu'ndaki kostümler tam bir keşif. Chatsky'nin geleneksel arka paltosunun yerini uzun, yüksek belli, geniş, yüksek kıvrık yakalı, bağlanabilen bir kaftan aldı.

211 bir Macar gibi. Chatsky bu kaftanda ilk perdede belirir. Üçüncü perdede, çok uzun boylu, zarif ve çok mütevazı düz fırfırlı bir kuyruk ceketi içinde görünür. Üçüncü perde, ayar ve sahnelemenin tanrılaştırılmasıdır.

Sanat tiyatrosu, üçüncü perdede görünen tüm ana ve ikincil karakterleri büyük bir ciddiyetle ele aldı ve "Savaş ve Barış" figürlerine benzer, İskender döneminin bir dizi karakteristik figürünü yaratmaya çalıştı ve hiç şüphe yok. Diaghilev'in tarihi portreler sergisinin, onların anlaşılmasında belirleyici bir etkisi olduğunu. Moskova karakteri tüm yüzlerde, tavırlarda ve modalarda aktarıldı. Böyle bir sahnelemeye alışık olmayan gözler, kadın kıyafetlerinin alacalılığı ve abartılı olması karşısında önce şaşırdı. Ama sonra akla Shchukin Rus Eski Eserler Müzesi geldi ve Batı'nın tüm trendlerini ve modasını aşırıya getirmekten ibaret olan gerçek Moskova stilinin sırrı ortaya çıktı 2 . Avrupa sanatının biçimlerini tanrısızca abartan ve son sınırlarına getiren Moskova, 17. yüzyılın ahşap fırfırlarında, Aziz Vasil'in kıvrık kubbelerinde ve Kremlin katedrallerinde her zaman kendi ruhunu ve stilini yaratmıştır. ve 18. yüzyılın bayan mücevherlerinde ve Aleksandrovskaya döneminin asil konaklarında ve Moskova Tarih Müzesi'nin binasında ve tüm kesim çeşitliliği ile şimdiden başlayan mevcut "çökmüş" evlerde Moskova şeritlerinin karakterine girmek için.

Moskova gelinlerinin gösterişli elbiseleri ve büyüleyici saç stilleri, sahte coquetry ve tavırları (“Basit bir kelime söylemezler - herkes yüzünü buruşturur”), Asya kumaşları, kurdeleler, yemyeşil yaşlı bayan şapkaları, ataerkil lüks seyahat ederken her türlü çizgili manto ve kürk mantolar, muhteşem makyaj eski devlet adamları ve Prens Tugoukhovsky'nin (Bay Vishnevsky) yaşlı bir asilzadenin ölümcül ve ciddi maskesiyle öne çıktığı Moskova asları, altı prenses hepsi birlikte altı ayaklı tek vücutlarıyla titriyor ve endişeleniyorlar, yaşlı kadın Khlestova (Bayan Samarova) makyajlı ve II. Catherine kostümü içinde, Prenses Tugoukhovskaya (Raevskaya), Kontes Liven'ın bir portresinden sonra yapılmış - hepsi bu, eski bir tablonun ve eski portrelerin özgünlüğünü taşır.

"Tören vagonu treni
gürledi; peruklarını pudralamak
Potemkin yıllarda eşit,
Yaşlı as yaşlı adamlar ortaya çıktı
Saygılarımızla...
Yaşlı hanımlar, eski sarayın hanımları” 3 .

Son perdede, tüm bu Moskova eski eserlerinin gidişinin ciddi resminden sonra, bu bükülmüş ve giyinmiş sonra

Eski uşakların altın rengi üniformalarında, eski ev aniden sırlarını ve kızların sırlarını çözdü ve Famusov bir mumla aşağı indiğinde, toprak sahibinin evinin diğer tarafı arkasından göründü - gömlekli bazı köylüler, beyaz pantolonlu kadınlar. eşarplar gece boyunca başın etrafına bağlanır. Sanki eski evde yaşayan beyaz hayaletler gerçekten ayağa kalkmış gibiydi.

"Wit'ten Vay" bir zamanlar bir hicivdi. Bu onun asıl hedefiydi. Ancak gerçek bir sanat eseri, yazarının amaç ve hedeflerinin asıl anlamını yitirdiği bir zamanda kendi hayatını yaşamaya devam eder. Zamanımız için, Woe from Wit bir hiciv olmaktan çıktı ve günlük bir tarihi komedi haline geldi. Sanat Tiyatrosu bunu anladı ve tüm yapımlarda her zaman vurgulanan kötü karikatür unsurunu üçüncü perdeden çıkardı.

Bu karakteristik Moskova figürlerine tarihsel olarak sakin bir bakış sayesinde, burada ve orada komedinin farklı ve daha derin bir anlamı ortaya çıktı. "Bütün kitapları topla ve yak" sözleri komik değil trajik bir karaktere büründü. Repetilov figürü (Luzhsky şehri) beklenmedik bir şekilde bize eylemin Aralık felaketinden üç yıl önce 1822'de gerçekleştiğini ve o dönemin tüm Moskova konuşmalarının yankısının Repetilov'un ağzında uğuldadığını ve tekrar ettiğini hatırlattı. idealist komploların ve coşkulu gizli toplulukların çağıdır. Skalozub'un (Bay Leonidov) ayrıldığı ve Zagoretsky'nin (Bay Moskvin) Repetilov'a karşı yalnız kaldığı ve birbirlerine baktıklarında, beklenmedik, ürkütücü bir anlam kazandıkları sahne, sanki iki boş ayna karşı karşıya yerleştirilmiş, birbirini tekrar ediyormuş gibi. sanki iki boş hayalet birdenbire birbirini tanımış gibi, sonsuzluğa ve korku içinde donup kaldılar.

Ancak bu tarihsel figürlerin ortasında tam ve eksiksiz bir karakter duruyordu. Chatsky-Kachalov'du. Bay Kachalov, yeni ve tamamen bitmiş bir Chatsky yarattı. Chatsky'nin rolü, hem oyuncularını hem de edebiyat eleştirmenlerini her zaman şaşırttı. Uzun monologları ve suçlayıcı nutukları sayesinde Chatsky, hem ezberden okuyan ilk sevgili hem de oyunun ahlak dersi veren Starodum'u olarak karışık bir karaktere sahipti. Chatsky herkes için ve her zaman yazar adına konuştu ve kendisine kesinlikle yabancı olan ve aptal insanlardan oluşan bir çevredeki bu acıklı vaaz onu gülünç hale getirdi ve kendi aklından şüphe etmesine neden oldu.

Kachalov rolü farklı anladı ve oynadı. Chatsky'si çok genç bir adam, neredeyse bir çocuk. O on dokuz veya yirmi yaşında. Chatsky'yi sahnede görmeye alışık olduğumuz gibi, olgun bir kocanın ağzından çıkan laf kalabalığı, harareti, umutsuzluğu, suçlamaları oldukça doğal, samimi ve bu genç, genç çocuğun ağzında derin bir sempati duymamıza neden oluyor. .

Chatsky sorununun böyle bir çözümünün basitliğini ve sadakatini hayal etmek için, iki yüzyılın başında o dönemin kahramanlarının kim olduğunu hatırlamak gerekir. Gençlerin krallığı 18. yüzyılın sonunda başladı. [...] Bu çağda yaşam çok erken başladı. On beş ya da on altı yaşlarındayken öğretmenlik çoktan bitmişti ve hayat başlıyordu. Chatsky'nin hayatında olduğu gibi alayın kabulüyle başladı. Kalbin ilk romanları ve ilk trajedileri tam orada gerçekleşti, vücudun gençliği ve hassasiyeti sayesinde derin ve güçlü izler bırakarak Byron'ın ölümcül tutkularının boyutlarını aldı. Ve şimdi bu çağın gençleri bu Byronik dürtüleri ve tutkuları barındırıyor, ancak gri hayatlarına gerçek değil bir rüya olarak giriyorlar ve edebiyat artık daha yaşlı, daha deneyimli ve dolayısıyla daha az doğrudan insanların elinde. Yirmi yaşından kısa bir süre sonra (bazen daha erken, bazen daha sonra), genç bir adamın hayatında keskin bir psikolojik ve fizyolojik dönüm noktası meydana gelir, bu da onu ölümün eşiğine getirir ve yaşam ve yokluk hakkında sonsuz sorular sorar. O zamanki bu dönüm noktası, yaşamın ilk çalkantılı yıllarından sonra ortaya çıkan ve bu nedenle Wertherian veya Byronic bir ruh haline yol açan hayal kırıklığı ve tokluk ile çakıştı.

Tüm bu kasvetli kahramanların gerçek ölçeklerinde ve yaşlarında ciddi sözler söylediğini hayal edersek, o zaman bizim için tekrar samimiyet ve gençliğin anlaşılmaz cazibesini alacaklar. Bu anlayış sayesinde Kachalov'un canlandırdığı Chatsky, olması gerektiği gibi tüm komedinin en canlı ve çekici yüzü oluyor. İlk sahnede neşeli, kahkahalı, heyecanlı ve sevgili ve uzun zamandır beklenen bir tarih içinde patlıyor. Çocuk gibi konuşuyor. O'nun hiçbir kin, kin, hiçbir suçlaması yoktur. Heyecanlı, neşeli, esprili, hatırlıyor, çok ilginç görünmek istiyor. Kendi esprilerine sinirli bir şekilde gülüyor. Sadece ondan daha genç olan on yedi yaşındaki Sophia, sözlerini ciddiye alıp kendi kendine şöyle diyebilir: "Bir erkek yılan değildir."

Famusov, Skalozub ile sohbetlerde, Chatsky'deki balodaki konuşmalarda, Moskova'nın görüşlerine çocukça öfkeli olan, teorilerini vaaz eden, büyüklerine küstahça konuşan bu neşeli çocuk sürekli görünür. Bu onun Moskova'daki ilk günü ve ayrıntılı konuşması, heyecanı ve izlenimlerinin bolluğu ile doğrulanıyor. Aynı zamanda Kachalov'un şiir okumayı bildiği de söylenmelidir. Gereksiz gerçekçilik aramıyor. Kafiyeleri saklamaya ve ölçüyü bozmaya çalışmıyor, onları biraz çalıyor ve ağzında Griboedov'un dizeleri tüm dolgunluğuyla çalıyor ve modern armonilerde sofistike olan kulak bu zamansız tekerlemelerin güzelliğine hayran kalıyor.

Kachalov'un son eylemi tamamen orijinal bir şekilde gerçekleştirilir. Chatsky'nin yorgun olduğu ve uyumak istediği hissediliyor,

214 ve bir çocuk gibi gücendiğini, derinden, gözyaşlarına boğulduğunu, her şeyin ona bir tür vahşi ve imkansız rüya gibi göründüğünü, tüm bu yaşlı adamları, uğursuz yaşlı kadınları, Moskova hastalıklarını, Sophia'nın Molchalin'e olan sevgisini. Ve işte eski evin bu karanlık girişleri, pencerenin dışındaki mavi şafak, göz kapaklarını kapatan yorgunluk ve bu tatlı sarı kafayı eğdiren ağırlık.

Sadece Chatsky'nin oyunda bir karakter olarak kaldığı ve diğerlerinin figür olduğu gerçeği tamamen kabul edilebilirdi. Bu hayaletler arasında tek gerçek kişi odur. Ancak bu Moskova rüyasının figürleri arasında memnuniyetsizlik hissi bırakanlar vardı. Chatsky'de çok iyi anlaşılan o genç, Sofya'da (Bayan Germanova) hiç değildi. Bu, çocukluktan yeni çıkmış on yedi yaşında bir kız değil, tamamen olgun, yirmi beş yaşında, çok deneyimli, biraz ağır oryantal güzelliğiyle dikkat çeken, Judith figürüne uygun, ancak Sofya'ya uygun olmayan bir kadındı. Pavlovna.

Liza (Bayan Lilina), Venetsianov'un tablolarından esinlenerek yapılmış, yüzü, hareketleri, her duruşu büyüleyici ve yadsınamaz bir şekilde tarihiydi ama üslubu, gerçekçi şiir söyleme tarzı kulağını acıtmıştı. Dinlemek değil, sadece bakmak ve hayran olmak istedim.

Famusov (Bay Stanislavsky) çok karmaşık ama sonuçta doyumsuz bir duygu uyandırdı. Bay Stanislavsky, uzun boylu, zayıf, kasvetli bir yaşlı adam makyajıyla ve homurdanan ve alaycı ses tonuyla, yakıcı yaşlı adamın alaycılığıyla yaşlı Yakovlev'i (Herzen'in babası) anımsatan bir figür verdi. Ama öte yandan, bir Moskova beyefendisinden çok bir memurdu ve her zaman bir tür gergin histerik ajitasyon içindeydi. Ama tek tek sahnelerde ve tek tek sözcüklerde o kadar çok düşünme ve çeşitli klasik pasajların tamamen yeni bir yorumu vardı ki, çoğu zaman yüzün gergin yüz buruşmasını unutturuyordu.

Genel olarak, tüm icracıların metnin atasözleri haline gelen bölümlerine yaklaştığı olağanüstü inceliği belirtmek gerekir. Neredeyse her yer için yeni bir şey icat edildi ve en önemlisi Famusov rolündeydi. Sadece Famusov'un sözlerini nasıl söylediğine dikkat etmek gerekiyor: “Dinlemiyorum, yargılanıyorum!” ve “Prenses Maria Aleksevna ne diyecek!” - ya da Chatsky'nin neredeyse kendi kendine fısıltı halinde söylediği gibi: "Benim için taşıma, taşıma!" Bu cümlelerin hiçbiri ayrı ayrı söylenmemiştir, genellikle söylendiği gibi, hepsi bütünle bağlantılıdır. Ayrıca metin, orijinal sürümlerden ekler ile başarıyla güncellendi. Herkes tarafından ezbere bilinen kopyaların ince taleplerine sürpriz ve tazelik getirdiler.

Alexei Petrovich Yermolov, Molchalin tarafından oluşturulan Skalozub (Leonidov) gibi karakterlerin geri kalanı

215 (Adashev), Platon Mikhalych ve karısı (Gribunin ve Litovtseva), Petrushka (Artem), Zagoretsky (Moskvin), Repetilov (Luga), Moskova Sanat Tiyatrosu'nun eşit bir topluluğu olan oyunun tamamen ayrılmaz ve uyumlu bir arka planını oluşturdu. ünlü.

Woe from Wit'in yapımında, tüm avantajları ve dezavantajları eşit derecede canlıydı. Sanat Tiyatrosunun genellikle kınandığı rollerin bireyselleştirilmemesi sınırlıdır ve doktrininin tam merkezinde yer alır. Ve bir sanat eserinin doğru değerlendirilmesi için Goethe'nin talep ettiği gibi, yaratıcısının bakış açısını almak gerekir ki burada yapmak istediğimiz tam da budur. Woe from Wit, elbette, daha farklı ve muhtemelen daha da iyi sahnelenebilirdi, ancak Moskova Sanat Tiyatrosu'nun prodüksiyonu, eski klasik prodüksiyonu, ana özelliklerinin birçoğunda artık kabul edilemez hale getirdi. Chatsky'nin rolü, zamanımız için yeni ve bence nihai bir yorum aldı.

temel elektronik kütüphaneden makale feb-web.ru

Sahne hayatı "Wit'ten Vay"

1824'te tamamlanan ve Griboedov'un yaşamı boyunca sadece alıntılar halinde yayınlanan oyunun uzun süre sahneye çıkmasına izin verilmedi. 1825'te üretim St. Petersburg'daki bir okulun öğrencileri tarafından hazırlandığında, Vali M.A. Miloradovich müdahale etti ve performans gerçekleşmedi. Aralık 1829'da, yazarın bir yardım performansında ölümünden sonra, aktris M.I. Valberkhova oyunun 1 perdesini oynadı. 7. fenomenden başlayarak. 31 Ocak 1830'da komedinin 1. perdesi M.S. Moskova Bolşoy Tiyatrosu'nda Shchepkin. Büyük aktör Famusov'u canlandırdı. Aynı yıl 3. perde St. Petersburg ve Moskova'da sahnelendi. Sadece 1831'de tüm oyunun sahnelenmesi. Ama sansürle. Oyun, sahne için beklenmedik ve sıra dışı olduğu ortaya çıktı. Ve sahnenin dışında oyun devam etti. Farklı evlerde Griboyedov'un oyunun tekrar tekrar okumalarıyla başladı. Binlerce listede Rusya'ya dağılmaya başladı. Komedi metni, kampanya itirazlarının amacına hizmet etti. Geçen yüzyılın başında Vl. I. Nemirovich-Danchenko, Chatsky oynadıklarından, imajını aşırı yüklediklerinden şikayet ediyor. Chatsky, komedideki tek kahraman kişidir. Dramatik bir yaratım olarak komedi arka plana çekildi. Aşk deneyimleri sadece I.V. 1839'da Moskova'da bu rolü oynamaya başlayan Samarin. Samoilova'nın oyununda Sofya, Chatsky'nin nüktelerini zekice kendisine karşı çevirir. 1836'da, Woe from Wit'in taşra tiyatrolarında sahnelenmesi yasağı artık yürürlükte değildi. Ama saygı duyulmadı. Kiev yapımları 1831, 1838. Kazan 1836, 1840. Astrakhan 1841. Kharkov 1840, 1842. Odessa 1837. Tambov 1838. Kursk 1842. Bu tür yapımlara sıkıntılar eşlik etti. 1850'de Kaluga'da oyun yasaklandı. Mülk-hiyerarşik sistemin çöküşü, yeni bir düşünce tarzına yol açtı, yaşam fenomenlerinin birbirinden katı bir şekilde yalıtılması ilkesinin reddi. Ve teatral performans giderek “bileşenlerinin” içsel olarak bağlayıcı bir bağlantısı olan bütünleyici bir organizma olarak algılanıyordu. 1863'ten beri, performans ülke çapında özgürce gitti. Yönetmenin puanı ilk kez yayınlandı - V.I. Rodislavsky, oyundaki olayların hareketine dansların dahil edildiği komedinin üçüncü perdesini geliştirmesini önerdi. 1864'te Maly Tiyatrosu bu puanı kullandı. 1960'lar reform öncesi dönemi reform sonrası dönemden ayırdı. Oyun görüldü - geçmiş. Ve oyunun eski kostümlerle oynaması için talepler vardı. 1870'de Noble Club'ın amatör performansında ilk deneme. 1866'da, 19. yüzyılın başlarındaki dergilere göre kostümler yaratıldı. 1864'te Maly Tiyatrosu'nda Chatsky'nin pathosu vurgulandı. Oyuncu N.E. Vilde, Chatsky rolünde 1.5 ay sürdü. Yerine S.V. Shumskaya. Karşılıksız aşkın trajedisini oynamaya başladı. Gösterinin merkezinde Sofia ve Chatsky'nin sahneleri var. Kahramanlar sadece kalp tarafından yönetildi. 19. yüzyıl boyunca insanın bütünlüğü Rus klasikleri tarafından savunuldu. I.A. Goncharov, oyunun bütünlüğü için Alexandrinsky Tiyatrosu'ndaki oyunun galasıyla bağlantılı olarak konuştu. 1906'da Sanat Tiyatrosu'nda performans Nemirovich-Danchenko tarafından sahnelendi. Psikolojik bir analiz geliştirildi. Bu zamana kadar, trajediciler-misafir sanatçılar, Chatsky'nin "yerli gelişimin dışında, arsa dışında" rolünü oynama geleneğini kurmayı başardılar. Böylece Chatsky M.T.'yi oynadılar. Ivanov-Kozelsky, M.V. Dalsky, P.V. Samoilov. Moskova Sanat Tiyatrosu, herhangi bir eylemin motivasyonuna, hatta karakterlerin her birinin herhangi bir hareketine büyük önem verdi. Sivil pathos'un da yeni bir güç ve zemin kazanacağı varsayıldı. Oyunun yolu, kazançlar ve kayıplar yolu gibiydi. 19. yüzyılın sonlarına gelindiğinde, ayetin sahneden telaffuzu yozlaşmış veya okunuşa dönüşmüştür ya da ihmal edilmiştir. Moskova Sanat Tiyatrosu'nun performansı da bir çözüm bulamadı. Yapımların tarihi daha sonra V.E. Meyerhold 1928. kendi adını taşıyan tiyatroda. Chatsky, sosyal kötülüğün suçlayıcısı gibi davrandı. Yazar, "Vay canına" orijinal başlığına geri döndü. Chatsky devrimci taslak şiir okudu. Sophia kararlılıkla Molchalin'e yaklaştı. Chatsky'nin rolü E.P. Garin. Daha sonra K.P. Hokhlov. Bize en yakın prodüksiyon 1962'de Gorky G.A.'nın adını taşıyan Leningrad Drama Tiyatrosu'nda yapıldı. Tovstonogov. Komedi uzun yıllardır sinemalarda yok. Ve sahneye dönüşü kesinlikle ve ciddi bir şekilde açıklandı. Performans, seyirciyle doğrudan temas için tasarlandı. Chatsky, S.Yu tarafından oynandı. Yursky Moskova'ya umutla gelir. Ve sonra rakipleri gördü. Chatsky, anlamak için izleyicilere döndü. Molchalin tarafından aktör K.Yu tarafından gerçekleştirildi. Lavrov çok şey anlattı. Sophia dramatik bir insan oldu. Oyunun merkezine yerleştirildi. T.V. tarafından yapıldı. Doronin. Eleştirmenler, böyle bir oyunun ana çatışmasını kaybettiğini hissetti. Başka performanslar da olacak.

Konuyla ilgili: metodolojik gelişmeler, sunumlar ve notlar

Sahne performansı "İyi ve kötü olan nedir"

Bu etkinliğin amacı, kötü alışkanlıkların kişinin sağlığı ve ahlaki karakteri üzerindeki olumsuz etkisini hiciv ve mizah yoluyla göstermektir...

Bölümün anlamı. Görüntünün ortaya çıkarılmasında sahne yorumunun rolü. Yazmaya hazırlık - bölümün anlamı hakkında akıl yürütme. (N.V. Gogol'ün komedisi "Devlet Müfettişi"ne göre: IV. hareket, yavl. XII - XV)".

Şiirsel veya dramatik bir eseri yeniden anlatmak özellikle zordur. Gogol'ün kahkahasının arkasında her zaman yansımalar vardır, çünkü komik ve trajik olan her zaman oradadır, birbirinden ayrılamaz. O yüzden beraberiz...

"Ders prömiyerinin teknolojik haritası" A.N. Ostrovsky "The Snow Maiden" tarafından şiirsel masalın sahne yorumu "OXYUMORON" okul tiyatrosunda

Hayatın anlamı, elbette, okul öğretmeyecek - bu öğretilemez! - her kişi tarafından bağımsız olarak bulunmalıdır. Ancak “yönergeler belirlemek” - bilgiyi öğretmek için ...

Temel oyunculuk dersi. Sahne hareketi. "Çiçek - yedi çiçek"

"Çiçek-Semitsvetik" dersi, tiyatro stüdyosunun giriş dersidir. Çocuklar bilecek. Tiyatronun ne olduğu, ortaya çıktığında, biçimlerinin çeşitliliği ile tanışın....

Temel oyunculuk dersi. Sahne hareketi "Adil"

"Adil" dersi, sahne hareketini geliştirmek için tasarlanmıştır. Çeşitli görüntüleri yeniden üretmeye çalışan çocuklar, farklı insan türlerini ve hayvan karakterlerini canlandırmayı öğrenirler. Oyun sırasında gelişir ...

Oyunculuğun Temelleri üzerine 3 numaralı ders. Sahne konuşma tekniği. Rol yapma oyunu "Terzi Ziyareti".

Ders, bir rol yapma oyunu şeklinde inşa edilmiştir. Derse katılanlar, kasaba halkının terziye emirlerle geliş sahnesini canlandırırlar....

A. S. Griboyedov’un komedisi “Woe from Wit”, zamanının edebiyatında ve genel olarak Rus edebiyatında istisnai bir yere sahiptir. Dönemin ana siyasi çatışmasını - toplumun muhafazakar güçlerinin yeni insanlarla ve yeni eğilimlerle çatışmasını yansıttı ve tüm tutkusu ve hiciv gücüyle yansıttı.

Chatsky'nin asil figürü - kayıtsız, aktif, savaşan değil - özünde, Decembrist türünü veya Decembristlerin saflarına katılmaya hazır olan böyle bir kişiyi temsil eder. Ama oyunda yalnızdır ve şimdiye kadar yalnız savaşmaktadır. Chatsky, Molchalin'e karşı - genç bir adamın farklı bir davranışı olarak: görünüşte iyi, mütevazı ama özünde aşağılık. Famusov, rejimin militan bir temsilcisi ve "direği" olarak tasvir ediliyor. Skalozub imajında, Arakcheevism markalıdır - askeri-bürokratik bir devletin iğrenç bir ürünü. Famusov'un kızı - Sofya - karakter tamamen net değil ve çeşitli yorumlara neden oluyor. O aynı zamanda bir üründür, aynı zamanda gerici ortamın da kurbanıdır. Moskova gerici soylularının kolektif imajı, yalnızca sahneye çıkarılan komedinin bu ve diğer ana yüzlerinden değil, aynı zamanda monologlarda ve açıklamalarda bahsedilen çok sayıda geçici görüntüden oluşur: boş “yazar” Foma Fomich, asil Tatyana Serf tiyatrosunun sahibi Yuryevna, serf grubunu “birer birer” sattı

"Woe from Wit" yapımlarının tarihi

Woe from Wit'in ideolojik ve sanatsal değerlerine toplumun birbirini izleyen nesilleri tarafından hakim olmada Rus drama tiyatrosunun faydaları çok büyük. Burada dramatik eser, roman gibi bir yorumcu ve propagandacı alır. A. S. Griboyedov bir komedi basmayı ve sahnede sahnelemeyi hayal etti. Ama oyun Decembrist'in yankılarıyla doludur: 1825'te sahneye çıkması düşünülemezdi - bu politik bir gösteri olurdu. Tiyatro Okulu öğrencilerinin yazarın katılımıyla hazırladığı amatör bir gösteriye bile izin verilmedi. Sadece 1829'da, Griboedov'un ölüm yılında, yazıldıktan beş yıl sonra, St. Petersburg sahnesinde "Woe from Wit" ortaya çıktı. Pasajın eğlenceli doğası, yakında Moskova sahnesinde görünmesine yardımcı oldu. "Wit'ten Vay" zar zor sahneye çıktı.

1830'lardan günümüze komedi, hem büyükşehir hem de taşra tiyatrolarının repertuarında yer almıştır. Birçok sanatçı bu oyundaki rolleriyle ünlendi: M. S. Shchepkin, P. S. Mochalov, I. I. Sosnitsky, I. V. Samarin, V. N. Davydov, A. A. Yablochkina, O. O. Sadovskaya , V. N. Ryzhova, A.P. Lensky, A. I. Yuzhin, K. diğerleri.

Ocak 1941'de Leningrad'daki Puşkin Tiyatrosu'nda, yönetmenler N. S. Rashevskaya ve L. S. Vivien, E. P. Korchagina-Aleksandrovskaya, V. A. Michurina-Samoilova gibi seçkin sanatçıları çekti, genç sanatçılar aday gösterdi: T. Aleshina (Sofya), V. Merkuriev (Famusov). Performans, bazı yeni mizansenlerle yenilendi. Yapım, Griboyedov'un eserinin yaratıldığı yüksek gerçekçi stile bir yaklaşımla geliştirilen birçok bölüm içeriyor. 1945'in yıldönümünde, yaklaşık kırk tiyatro Griboedov'un komedi yapımlarıyla karşılık verdi. Yıldönümünün özelliği, bu çalışmaya bir dizi ulusal tiyatronun dahil edilmesiydi.

Woe from Wit'in sahne yaşamının ilk yıllarında, oyunun yapımı yönetmenler ve eleştirmenler için pek önemli değildi; oyun hala "modern"di ve kostüm, makyaj, dekor vs. söz konusu değildi. Oyuncular rollerini yeni geleneğe göre, kısmen yazarın kendisinden, Sosnitsky, Shchepkin aracılığıyla yarattılar. Oyunlarında, yaşayan tipik Muskovitlerden birini veya diğerini doğrudan kopyalayabilirler. Gözden geçirenler, yalnızca sanatçıların yetenek derecesini değerlendirdi. Daha sonra, Griboedov'un tasvir ettiği yaşam tarihsel geçmişe çekilmeye başladığında, bir komedi sahneleme görevleri sorunu bir öncelik haline geldi; kaçınılmaz olarak kendisini tüm komedinin ve bireysel karakterlerinin yeni yeniden değerlendirmeleriyle ilişkilendirdi. "Wit from Wit" in sahneye girişi, Rus tiyatrosu tarihinde bir devrime işaret etti. Rus tiyatrosunun ünlü olduğu ve dünya sanat tarihine girdiği bu yüksek gerçekçilik, Woe from Wit yapımlarıyla başlar. Woe from Wit, gerçekçiliğinin gücüyle oyuncuları yeniden eğitti. Başlangıçta Chatsky'yi bir Moliere yanlış antropi tarzında yorumlayan Mochalov, daha sonra daha yumuşak, daha lirik ve daha basit hale geldi. Famusov'un Shchepkin tarafından gerçekçi performansının kendi anlamlı ve uzun tarihi vardı. Psikolojik gerçekçilik için büyük bir zafer, ünlü Moskova aktörü I. V. Samarin'in Chatsky rolünün 40'lı yıllardaki performansıydı. Chatsky'nin St. Petersburg sanatçılarını etkileyen Samarin'in yaratıcı başarıları, tiyatro eleştirmenleri tarafından da algılandı.

A. S. Griboyedov'un yaratılması, Rus sahnesini yüksek değerleriyle zenginleştirdi, tiyatroyu gerçekçilik yoluna çevirmeye katkıda bulundu. Ancak tiyatronun oyunun estetik ve ideolojik zenginliklerine hakim olması zordu ve yavaş yavaş hakim oldular. Komedi metninde de bilinen belirsizlikler, zorluklar, hatta kısmi çelişkiler vardı ve bu da sahnede oynamayı zorlaştırıyordu. Woe from Wit, sahneye ilk çıkışında, oyun yazarının cesur yeniliğine yabancı ya da düşman olan eski geleneklerle çarpıştı. Sahneleme ve oyunculuk yöntemlerinde geri kalmışlığı ve ataleti aşmam gerekiyordu. Öte yandan, en iyi sanatçıların ve yönetmenlerin yüksek yetenekleri, parlak bir çalışmanın hazinelerini ortaya çıkardı ve yavaş yavaş zengin bir sahne sanatı geleneği yarattı.

Rus toplumunda "Vay canına" sevgisi, sahne tarihinde faydalı bir faktör oldu; Sansüre karşı, Woe from Wit'i sahneleyen yönetime karşı mücadelede, tiyatro çalışanları her zaman topluma, seyircilere ve okuyuculara güvendiler.

Famusov'un ünlü monologu "Hepinizin gurur duyduğu şey bu!" - Famusov'un sosyal ve etik özelliklerinin temellerinden biri ve aynı zamanda - Catherine zamanının "asil" asaleti. Bunun oyuncunun görevini ne kadar karmaşık hale getirdiğini, tonlamalarda, yüz ifadelerinde, oyuncunun tüm oyunculuğunda sanatsal düzenleme için aynı anda kaç zengin fırsatın yok olduğunu söylemeye gerek yok. Aynı Famusov'un kopyalarından, tiyatro sansürü diğer birçok önemli ve ağır kelimeyi ortaya çıkardı, örneğin:

Sergey Sergeyeviç, hayır! Kötülük durdurulacaksa:

Bütün kitapları al, ama yak.

Chatsky'nin dizelerinde ve monologlarında büyük istisnalar yapıldı. Komedinin tüm teatral metni sakat kaldı. Sadece sosyo-politik hiciv yumuşatılmak veya kazınmakla kalmadı, psikolojik ve gündelik özellikler bile silindi. Bu nedenle, Famusov'un aşağıdaki kendini karakterize etmesine izin verilmedi:

Bana bak: Ben bünyemle övünmüyorum;

Ancak, neşeli ve taze ve gri saçlara kadar yaşadı,

Özgür, dullar, efendim benim.

Manastır davranışlarıyla tanınır!

Ve orijinal, eksiksiz Griboedov'un metnini bilen oyuncu, seyircinin önünde kelimelere boğulmak zorunda kaldı.

Sophia imajının edebi ve sahne tarihi zor çıktı. Uzun yıllar ve hatta on yıllar boyunca, Sophia rolünün performansı tek bir aktris ortaya koymadı ve bu bir kaza değildi. Genç bir aktris on yedi yaşındaki Sophia'yı oynamalı, ancak en deneyimli, yaşlı aktrisden beceriler, sanatsal olgunluk ve düşüncelilik gerekiyor. Efsaneye göre, bazı aktrisler ilk başta Sophia'yı oynamayı reddetti. Pek çok yetkili edebiyat uzmanının belirsiz bulduğu Sophia imajı, üç zihinsel sıranın karmaşık ve zor bir kombinasyonunu içerir: derin, güçlü, sıcak bir doğa, dışa dönük kitap duygusallığı ve yozlaştırıcı sosyal eğitim. Bu kombinasyon hem eleştirileri hem de yönetmenleri ve rolün oyuncularını tamamen engelledi.

Lisa'nın rolü, Fransız soubret'in geleneksel klasik rolüyle ilgilidir. Griboyedov'un komedisinin parlak tipik karakterlerinin sahne düzenlemesi son derece zordu. Sahne tipleştirmesinin yaratıcı görevini, aramaları daha sonra taşınan canlı kişilerin, prototiplerin, orijinallerin mekanik kopyalarıyla değiştirmek veya Griboyedov'un görüntülerini klişeleşmiş "roller" ile eşitlemek ölçülemeyecek kadar kolaydı. "Woe from Wit", sahne yaratıcılığı tekniklerinde bir dönüm noktasına katkıda bulundu. Oyundaki karakterler o kadar sanatsal olarak geliştirildi ki, yetenekli oyuncuya "ikincil" veya "üçüncül" bir rolü vurgulama fırsatı verildi. Böylece Gorich eşlerinin sanatçıları ilk performanslarda ilerledi, Repetilov - I. I. Sosnitsky, Skalozub - P. V. Orlov, daha sonra - kontes-büyükanne - O. O. Sadovskaya.

Gerçek bir Griboedov'un metninin dikkatli bir şekilde okunması, kendi içinde, hem yönetmene hem de oyuncuya, oyunun sahnede gerçekleştirilmesi için gerekli olan her şeyi verir. Tiyatro ayrıca iyi gelişmiş biyografik, tarihi, tarihi ve yerli, tarihi ve teatral materyallere sahiptir. "Woe from Wit" üzerine özel tiyatro literatürü, Rus dramasının başyapıtlarını sahneleyen diğer özel literatürler kadar zengindir. Şimdi Famusov, Chatsky, Sofya, Molchalin, Lisa, Skalozub rollerinin her yeni oyuncusu, büyük bir tiyatro deneyimi ve tiyatro düşüncesi mirasına sahip.

Modern sahnede "Wit'ten Vay"

2000 yılında, Moskova Maly Tiyatrosu'nda Sergei Zhenovach'ın yönettiği bir performans sahnelendi. Sahnede kasıtlı çilecilik, yazarın malzemesini ona karşı bir tutum ortaya koymak yerine her şekilde elinde tutmaya çalışmak, göze çarpmayan agresif olmayan yönlendirme yeni bir performansın işaretleridir. Maly'nin repertuarında Zhenovich'in "Wit'ten Vay", "Woe from Wit", "avangard bir parça" gibi görünüyor. Keşke tiyatro sahnede böyle bir yoksulluğu hiç görmediyse: zarif iç mekanlar yok, yaşam biçimi yok; ön planda - evin sembolü olarak uzun bir soba ve arka planda bir kanepe - aynı setten üç veya dört sandalye. Mekanın geri kalanı, bazen sahne arkasına doğru hareket eden, bazen şartlı kapı ve duvarların geometrisini oluşturan geniş düz düzlemlerle doldurulur.

İlk perde tamamen Famusov rolündeki Yuri Solomin'e ait. Bir baba değil, koca kafalı bir aptal değil, bir Moskova asilzadesi değil - bu Famusov'un sağlam adımlarında, hareketlerinin hızında, emekli bir "Suvorov" ekşi maya subayının tutumu dikkat çekicidir. Zinde, narin dul Famusov, kendi evinin efendisi olmayı seviyor. Bakımlı, yüzüklü elinde beyaz dantelli bir mendil var - ve onu bir subay eldiveni gibi döndürüyor, emir veriyor, cesaretlendiriyor, merhamet ediyor ve cezalandırıyor. Hiçbir şekilde bir martinet değil, bir savaşçı değil, daha çok "askerlerin babası", kolayca itaat edilmeye ve hatta sevilmeye alışkın.

Sabah telaşı onu rahatsız eder, tıpkı kızı Sophia'nın (Irina Leonova) bazen canını sıktığı gibi. Annesini değiştirmeye çalışıyor (ve bu arzuda, muhtemelen, Solomin tarafından gerçekleştirilen gerekli dokunma "insan" dır), ama nasıl olduğunu bilmiyor, bilmiyor. Ve işe yaramadığı için kızgın. Famusov, "Kuznetsk köprüsü ve ebedi Fransız" hakkındaki monolog, tüm bu coquetry dünyasından, yapmacıklıktan nefret ederek; onun için bunlar kadın oyunları. Takviminde Petrushka ile birlikte hayatını, okul çocukları için defterlerle aynı şekilde çiziyor - yorucu, sıkıcı ama gerekli. Famusov kızı için de aynı şeyi hissediyor - sürekli olarak ele alınması gerekiyor; "annelik" onun için çok yorucu. Chatsky'ye bir toz parçası gibi davranıyor - dokunmak iğrenç olsa da, eğilip temizlemeniz, yatağın altına koymanız gerekiyor. Ve bu nedenle, Famusov için her ikisine de son misilleme gerçek bir neşedir; hizmetçilerle babacan bir şekilde ilgilenir - yumruğunu kafasına vurur, dizlerinin üstüne koyar, bir mendille yorgan yapar. Yorgun bir şekilde Sophia'ya bağırır: "Çölde! Sa-ra-tov'a!" - ve işaret parmağıyla yere, daha derine ve daha derine bir yere sokar.

Famusov hayatın karmaşıklığını fark etmiyor, Sophia'nın ruhunda neredeyse eski bir trajedi oynanmasına rağmen, kızını bir Fransız romanı tarzında bir aşk macerası için suçlamaya hazır. Onun için Saratov'a sürgün gerçek bir sevinç, ölümcül bir hatadan kurtulmanın daha kolay olacağı bir manastır. Körlüğü ve ağır zekası yüzünden kendini cezalandırmak istiyor.

Oyunun ana karakterleri arasındaki ilişkideki trajik gerilim o kadar büyük ve heyecan verici ki, balo sahnesine burada yalnızca duygusal bir mola, komik bir ara olarak ihtiyaç duyuluyor. Pavlov, Zagoretsky, Pankov ve Kayurov - Tugoukhovsky, Eremeeva - Kontes Khryumina rolünde. Balodaki asıl kişi - Khlestova - Elina Bystritskaya - saçlarına dokunmuş yumuşak, ipek tüylerle muzaffer bir kraliçe olarak sahne arkasından çıkıyor. Davranışı, vücut dönüşleri, el hareketleri, yüz ifadelerinin değişmesi - hem karakterin hem de oyuncunun doğasında bulunan rafine bir "kendini taşıma" tarzı.

Chatsky, Gleb Podgorodinsky tarafından oynandı. Chatsky'si sessiz, neredeyse göze çarpmayan - tamamen siyah giyinmiş, karanlık bir nokta gibi görünüyor, sahne çerçevelerinin tek renkli arka planına karşı bir gölge. Dinlenmiyor, kaçınılıyor, başarı şansı yok. Bu verimsizlik, sessizlik sayesinde, Podgorodinsky'nin Chatsky'si tüm teorilerin aksine akıllı görünüyor: aklını konuşuyor. Chatsky bu dünyadan değil. Podgorodinsky tarafından gerçekleştirilen en güçlü monolog aniden "Bordo'lu bir Fransız, göğsünü şişirerek" ses çıkaracak. Rusya'nın, / Bordeaux şehrinden bir kişi, / Sadece ağzını açtı, mutluluk var / Tüm prenseslere katılıma ilham verin. "

Rusya'nın dış ve iç politikası hakkında toplumdaki davranış yasalarından daha fazlasını düşünen ve bilen devlet adamı Chatsky (burada devlet adamı Griboyedov'a benzer), Moskova'da Moskova'yı tanımıyor, tıpkı eski aşkı görmediği gibi Moskova'da. Sofya. Her şeyin bizim değil, başkasının olduğu gevşek, uyuşuk, önemsiz bir ülke görüyor.

Taganka Tiyatrosu'nda Yu. Lyubimov, 90. doğum günü (2008) için Wit'ten Woe'yu sahneledi. Dmitry Romendik, “Rus klasiklerini özlüyor, ancak temiz bir nefes almak ve daha önce çok uzaklara seyahat edilenlerin beklenmedik yeniliği karşısında şaşırmak istiyorsanız, o zaman buradasınız” diye yazıyor. Eleştirmen, sahnede olanların tazeliğini, hafifliğini, ferahlığını ve zarafetini not eder. Yönetmen bize, sorulan soruların ciddiyetine ve uzun ömürlü olmasına rağmen, Griboedov'un başyapıtının hala ve muhtemelen her şeyden önce bir komedi olduğunu hatırlatıyor. Kahkahalardan korkmaz ve bizi gülmeye teşvik eder, çünkü kahkaha, gerçek olmayan, hareketsiz ve modası geçmiş her şeyin yok olması gereken güçlü bir temizleme öğesidir ve kahkahadan geçen canlılar, tam tersine, canlanacak ve ışıldayacaktır. yeni renkler.

Karakterler tam olarak gölgeler, silüetler olarak sunulur. Famusov, Skalozub, Molchalin, balodaki konuklar o kadar tanınabilir, o kadar uzun yıllara dayanan tiyatro tarihi tarafından "şekillendirilmiş" ve çocukluğumuzdan beri bilincimize yerleşmiştir, onları ironik mesafeler olmadan yaşayan insanlar olarak tasvir etmek zaten imkansızdır. Önümüzde “Famusov”, “Skalozub”, “Prens Tugoukhovsky”, “Kontes Hryumina” görüyoruz ve görünüşe göre bir dakika içinde - ve hepsi sanki sihir gibi hacim, ağırlık kaybedecek, düzleşecek . Elbette Chatsky, bağımsız düşünen bir kişi olarak çevre ile birleşmeyen bu cansız arka plana karşı öne çıkıyor. Oyuncu Timur Badalbeyli onu psikolojik motivasyonla oynuyor. Sanatçının görünümüne Alexander Sergeevich Griboyedov ile benzerlikler verilmesi tesadüf değil. Chatsky'nin ruhu Famus ve Silent'tan geri kazanmaya çalıştığı Sophia, onların gölgeliliği ile animasyonu, yani iki dünya arasındaki sınırda elle tutulur bir şekilde dengede kalıyor. Oyundaki diğer kadın karakterler gibi, kurnaz yönetmen de Sophia'yı (Elizaveta Levashova) sivri uçlu ayakkabılara giydirdi ve imajına karmaşık bir koreografik desen verdi. Bu performansta çok fazla müzik var (A. S. Griboyedov'un kendi müziğine ek olarak, I. Stravinsky, F. Chopin, G. Mahler, V. Martynov'un eserleri var).

80'lerde Lyubimov'u yücelten alaka duygusu şimdi onu yarı yolda bırakmıyor: "Woe from Wit", günümüzün parlak bir hiciv örneğidir. Burada, Chatsky'nin deliliğiyle ilgili söylentiler, siyah PR yasalarına göre yayılıyor: Bu, arkadaşların bile onda bir aptalın özelliklerini bulduğu ortaya çıkıyor. Bu modern gerçeklikte, durumu keskin ve anında analiz etme yeteneği inanılmaz derecede talep görüyor. Chatsky artık kendi yakıcılığının kurbanı değil, yüzyılımızın bir kahramanı - bir skandalın terfi etmenin etkili bir yolu olduğu bir yaratıcı veya bir yönetici gibi görünüyor. Entelektüel üstünlüğünden zevk alarak, o kadar kendinden emin davranıyor ki, New York Menkul Kıymetler Borsası'nda bir yerde bir tüketim komisyoncusu olarak çalışmak için üç yıllık gezintilerinde zamanı olmadığına dair bir şüphe var. Ve finalde Chatsky'ye bir araba teklif edildiğinde, ona en azından bir Porsche, hatta bir Ferrari servis edilecek gibi görünüyor.

"Woe from Wit" adlı oyun da Sovremennik Tiyatrosu'nda sahneleniyor. Bu eserin Sovremennik'te sahnelenmiş olması, Woe from Wit'in günümüzde bile güncelliğini koruduğunu söylüyor. Tanınmış Litvanyalı yönetmen Rimas Tuminas'ın yapımı büyük tartışmalara neden oldu ve açık bir şekilde karşılanmadı. Ünlü sanatçılar Sergey Garmash (Famusov), Marina Aleksandrovna (Sofya), Daria Belousova (Lisa), Vladislav Vetrov (Molchalin), Ivan Stebunov (Chatsky) ve diğerleri başrol oynuyor.

Grigory Zaslavsky, 13 Aralık 2007'de Nezavisimaya Gazeta'da şöyle yazıyor: “Yönetmen, ders kitabı metnini kararlı bir şekilde kısalttı, hatta denilebilir ki, vahşice kırdı.” Eleştirmen performansı oldukça sert bir şekilde sunuyor: “Kesinlikle imkansız olan şey, Woe from Wit'te ne Sophia ne de Chatsky olmamasıdır. Bu arada, galasında ikisi de parlak bir şekilde yazılmış Famusov'un (Sergey Garmash) gölgesinde kaldı. Famusov elbette ana karakter, ancak Chatsky ve Sophia da epizodik karakterler değil. Ve burada onlar hakkında, aslında, özel bir şey söylenemez. Hiçbir şey iyi değil. Sofya (Marina Alexandrova) elbette güzeldir ama konuşmaya başlar başlamaz cazibesi bir yerlerde kaybolur ve kısa sürede kaybolur. Plastikte, kelimenin tam anlamıyla neredeyse mükemmel - ne yazık ki. Chatsky (Ivan Stebunov) çok çığlık atıyor ve rolü tüm yönetmenlik fantezilerinin iyi bir yarısını oluştursa da, yine de oyunculuk deneyimsizliği veya olgunlaşmamışlık gösteriyorlar. Belki de rolün olgunlaşmamışlığı. Bununla birlikte, Tuminas'ın performansının ana öncüllerinden biri, Famusova ve Sofya ve Sasha'nın (Alexander Andreyich Chatsky) her ikisinin de kendi çocukları gibi olması ve Chatsky'nin böyle bir palyaço, aptal ve oldukça sağlıksız olması üzücü.

Ancak eleştirmenler Sovremennik'in yeni yapımını nasıl kabul ederse etsin, hemen hemen herkes Rimas Tuminas yapımının kimseyi kayıtsız bırakmadığını belirtiyor.

Marina Zayonts 24 Aralık 2007 tarihli “Itogi”de şöyle yazıyor: “Son zamanlarda görülen, kötü ve ortalama, iyi ve çok olmayan performansların çoğu anında unutuluyor. Hiçbir şeye yapışmazlar. İçlerinde yaşayan bir hayat yok, her şey tanıdık, tanıdık, silinmiş ve umutsuzluk noktasına kadar sıkıcı. Ve çağdaş performans, falan filan, sakar, kafanızdan çıkaramıyorsunuz, gerçekten acıtıyor. Birinin öfkelenmesine, öfkelenmesine izin verin - sonuçta, bunlar canlı, heyecan verici, burada ve şimdi doğan duygulardır. Çok eski zamanlardan beri tiyatro onlara dayanıyordu ve biz de zayıflamaya başladık. Yazar Griboyedov'un şiirsel bir çalışması olan "Woe from Wit", hepimiz anında standart resimlere ekleriz. Okulda geçtiler, suçlayıcı monologlar ezbere ezberlendi. Hepimiz "bir milyon işkence" ve "Prenses Marya Aleksevna'nın ne söyleyeceği" ile alarma geçen Famusov'un Moskova'sını biliyoruz. Rimas Tuminas da Sovyet okulunda okudu ve yaklaşık beş dakika sonra Decembrist Chatsky ve durgun feodal lord Famusov'un farkında. Görünüşe göre o zamandan beri tüm bu leşlerden bıkmış. En azından, performansı gelenekle (okuma, klişeler) aktif bir çatışma içinde, derisinin yırtılması, kan dökülmesine kadar savaşıyor. Öyle ki, atasözleri ve deyimlere bölünmüş ünlü deneme, şimdi tanınamaz. Ve denemeye değmez."

Vladimir Putin, Sovremennik Tiyatrosu'nu ziyaret etti ve sahne arkasında, Chatsky'nin Rimas Tuminas'ın yorumlanmasındaki "zayıflığına" ve aktör Ivan Stebunov'un performansına kızdı. Rus devlet başkanına göre Chatsky "güçlü bir adam" ve ağlamamalı.

“Gerçek savaşçı Chatsky ve aydınlatıcı Chatsky” yorumu, Bestuzhev'e bir mektup yazan Alexander Sergeevich Puşkin de dahil olmak üzere Griboyedov'un çağdaşları tarafından eleştirildi: “Akıllı bir insanın ilk işareti, ilk bakışta kim olduğunuzu bilmektir. Repetilovs ve benzerleriyle uğraşmak ve önüne inci atmamak. »

Vladimir Putin şunları söyledi: “Burada profesyonel olmayan biri gibi görünmekten korkmuyorum, çünkü ben profesyonel değilim, ama neden ona Chatsky'yi ağladığını en başından gösterdin? Kişi hemen onun zayıf biri olduğu izlenimini edinir. Yorumu hakkında konuşan yönetmen, Chatsky'nin akrabaları olmayan bir yetim olduğunu hatırladı. Ancak, bu argüman cumhurbaşkanını tatmin etmedi: “Hata yapmaktan korkuyorum, ancak Alexander Matrosov da yetimdi, ancak kabartmayı kendi kendine kapattı. O güçlü bir adam."

Putin'in, Chatsky'nin hareketsiz dünyaya karşı güçlü bir hakikat savaşçısı olarak imajını yorumlaması, doğrudan Sovyet okul ders kitaplarından alınmıştır. Bu enkarnasyonda, "Chatsky, şüphesiz, artıklara, gerici düzenlere katlanmak istemeyen ve aktif olarak onlarla savaşan ileri bir toplumun temsilcisidir."

Sovremennik sahnesinde Wit'ten Woe'nun önceki prodüksiyonunun yönetmeni Oleg Efremov, böyle bir vizyonu saf ve zayıf buldu.

Pyotr Vail ve Alexander Genis buna katılıyor: “Chatsky aptalsa, her şey yolunda. Olması gereken şudur: Derinliği ve gücü olan bir insan, arada sırada uzun konuşmalarda psikopatik bir tavır takınmamalı, durmadan kelime oyunu yapmamalı ve dikkat edilmeyen konularla alay etmemelidir.

Çözüm.

Ünlü oyunun çağdaş yönetmenler tarafından yorumlanmasına katılabilirsiniz veya katılmayabilirsiniz. Kesin olan bir şey var: A. S. Griboyedov'un “Woe from Wit” adlı komedisi, çağdaşlarımızı, 21. yüzyılın temsilcilerini düşündürüyor, acı çekiyor, tartışıyorsa ölümsüzdür.

Griboyedov, komedisini 1823 gibi erken bir tarihte soyluların salonlarında okumaya başladı ve herkesin dikkatini çekti. Ardından, 1824'te St. Petersburg'da halka açık okumalara devam etti ve aynı zamanda sahnelemek için izin istedi. Ancak neden olduğu kargaşa şüphe uyandırdı: Moskova tiyatrolarının yönetmeni Kokoshin, Moskova Genel Valisi Golitsyn'e bunun "Moskova'ya karşı doğrudan bir iftira" olduğunu söyledi. Ve komedi 1825'te sadece parçalar halinde yayınlandı.

St. Petersburg'da, Karatygin ve Grigoriev'in girişimiyle tiyatro okulu öğrencileri bir komedi sahnelemeyi başardılar. Ancak halkın önünde oynamak kesinlikle yasaktı.

Sadece 1828'de Griboedov komedisini Kafkasya'da ilk kez sahnede gördü; Rus birlikleri tarafından yeni alınan Erivan'da Sardunya sarayında oynandı. a 2. Piyade Tümeni'nin Ray subayları. Amatör bir performanstı.

1829'da Griboedov Tahran'da öldürüldü. Şairin trajik ölümüne halkın dikkati, hükümeti oyun yasağını terk etmeye zorladı ve 2 Aralık 1829'da St. Petersburg'da Bolşoy Tiyatrosu'nda ilk perdeden bir sahne ilk kez oynandı. Sosnitsky Chatsky'yi, Boretsky Famusov'u oynadı. Bu sahne, beş perdelik bir trajediden sonra bir oyalama olarak sahnelendi. ( Rus tiyatrosunda uzun yıllar boyunca, beş perdelik bir gösteriden sonra bir vodvil veya bir komedi sahnesi bir oyalama olarak verildiğinde bir gelenek korunmuştur).

1830'da üçüncü perde de bir oyalama olarak oynandı (Famusov'da bir top). Daha sonra, aynı yıl St. Petersburg'da Maly Tiyatrosu'nda dördüncü perde de bir oyalama olarak (topun peşinden sürüş) oynandı.

Ve sadece 26 Ocak 1831'de, aktör Bryansky'nin fayda performansında ilk kez oynandı Tümü kesintiler ve sansürle karıştırılmış olmasına rağmen bir komedi. Chatsky, V. Karatygin, Sofya - E. Semenova, Repetilov - Sosnitsky tarafından oynandı. Karatygin, Chatsky'yi "antik çağın tiyatro kahramanı"nın arkaik-klasik tarzında canlandırdı.

Aynı zamanda ve aynı şekilde, komedi de Moskova sahnesine girdi. 27 Kasım 1831'de galası Maly Tiyatrosu'nda gerçekleşti. Chatsky, P. Mochalov, Famusov - M. Shchepkin tarafından oynandı. Shchepkin'in oyununda, oyunun gerçekçi başlangıcı teatral rutinle çatıştı, büyük bir suçlayıcı güce sahip bir görüntü yarattı. Ve Mochalov, Chatsky'nin yurttaşlık duygularını coşku ve ifade ile aktardı. 1839'dan beri I. Samarin Chatsky oynamaya başladı. Performansında Chatsky'nin kamusal ve kişisel dramasının uyumlu bir kombinasyonu elde edildi.

Taşra tiyatrolarında "Woe from Wit"in yapımına izin verilmedi.

Chatsky'nin görüntüsünün sahnede yorumlanması üzerine

1860'lara kadar Chatsky rolünün oyuncuları ilk etapta gazetecilik anlarını ortaya koydu ve Chatsky'nin Famus toplumunun bir suçlayıcısı olarak rolünü oynama geleneği gelişti.

1864'te Moskova Maly Tiyatrosu'nun aktörü S.V. Shumsky ilk kez soruyu farklı bir şekilde ifade edin: Chatsky, yalnızca toplumun adetlerini suçlayan biri yapılamaz, bundan dolayı o bir klişe haline gelir. Monologların sadece ustaca telaffuzunu talep etmek imkansızdır. Chatsky, Sophia'ya tutkuyla aşık olan genç bir adamdır ve onda karşılıklı duygular uyandırmak için her şeyi yapar. Aşktan derinden acı çekiyor. Böylece Shumsky, Chatsky'nin performans geleneğini kırmaya çalıştı. Chatsky'si "daha insancıl" oldu. Ama bu başka bir uç noktayı da gösterdi: komedinin suçlayıcı yanı ortadan kayboldu. Chatsky'yi yorumlama geleneği 20. yüzyılın başına kadar devam etti. Chatsky, Maly Tiyatrosu Lensky, Gorev, Ostuzhev, P. Sadovsky'de (torunu) böyle oynadı. Ve Alexandrinsky - Maksimov, Dolmatov'da.

1906'da Woe from Wit, Moskova Sanat Tiyatrosu'nda sahnelendi. Chatsky'nin yorumuyla ilgili olarak, Nemirovich-Danchenko, Chatsky'nin öncelikle aşık genç bir adam olduğunu yazdı. Daha sonra, istemese de suçlayıcı olacaktır.

Daha sonra, zaten Sovyet sahnesinde, Chatsky imajında kişisel drama ve sosyal mücadele unsurlarını organik olarak birleştirme görevi belirlendi. Chatsky'yi yorumlama geleneği 20. yüzyılın ortalarına kadar devam etti.

Kuşkusuz ilgi çekici olan, Vs.E.'nin "Woe from Wit" adlı komedisinin yapımıdır. Meyerhold ("Woe to the Wit" oyununun ilk baskısı - 1928, ikinci baskı - 1935). Zorluk, oyunun zaten kanatlı kelimeler, sevilen sözler ve sözler koleksiyonu karakterini kazanmış olması, eski bir çağın müze resmi haline gelmesiydi. Ben de onun şiirine, acılarla, düşüncelerle, öfkeyle, aşkla, hayal kırıklıklarıyla, insan düşüncesinin cesareti ve duygu gücüyle dolu, yaşayan bir hayata dönmek istedim. Meyerhold, komedi yorumlama geleneğinden uzaklaşmaya çalıştı. Oyunu okurken, mizacına, sanatsal vizyonunun derinliğine ve keskinliğine özgü keşifler, kavrayışlar ve varsayımlar sundu.

Dört perdelik komedinin metnini 17 bölüme ayırdı; oyunun orijinal baskılarından ve keyfi kesimlerden kanonik metin eklerine dahil edildi; müzik, sadece bir arka plan değil, aynı zamanda bir karakter olarak da hareket eden performanslarda önemli ve aktif bir rol oynadı. Roller dağılımı da çağdaşları şok etti: Chatsky, komik aktör Erast Garin (rol - basit bir adam) tarafından oynandı.

Meyerhold'un performansa kattığı bölümlerden bazıları: "Taverna", "Anteroom", "Dans sınıfı", "Portre", "Kanepe", "Kütüphane ve bilardo salonu", "Tir", "Üst vestibül", “Yemek odası”, “ Şömine”, “Merdiven” vb. Eylem, Famusov'un büyük evinin farklı yerlerinde ve bunun dışında gerçekleşti (“Kabak”, hafif süvarilerin içtiği yer “Tir”). Kütüphanede özgürlük seven şiirler okundu, pub Molchalin'de Sofya, Repetilov'un şirketindeki Paris şarkılarını dinledi - bu ve diğer bölümler dönemin yaşamının bir resmini çizdi.

Ve performansın adı “Vay canına”. Bu Meyerhold'un bir icadı değil, Griboyedov'un kendisinin bir versiyonu. Chatsky - Garin, lirik ve dramatik komedi çizgisini, Meyerhold'un eleştirmenler tarafından kınandığı hicivli, suçlayıcı olandan daha fazla dile getirdi. Ama aslında, yönetmenin ana keşfi buydu: şımarık bir çocuk, bir tribün değil! Chatsky'de lirik bir kahraman gördü. Ve Molchalin - aktör Mukhin - uzun boylu, görkemli, bir kuyruk ceketi giyebiliyor. Karakterlerin böyle bir yan yana gelmesi beklenmedik bir şeydi, ancak Meyerhold'un yorumunda ilginç olan şey tam da bu. Chatsky yalnız. Ve ona, çürüyen, yıpranmış, güçsüz bir dünya değil, canlı sularla dolu bir dünya, güçlü gelenekler, varlığının sarsılmaz kalesine güvenen bir dünya karşı çıkıyor. Chatsky'nin tüm rakipleri yönlendirilerek "iyileşir". Bu Famusov, Skalozub ve Molchalin ve hatta Khlestova. Kendi dünyalarının inkarı onlara bir hastalık, delilik ve Chatsky onlara eksantrik görünüyor. Chatsky'nin çılgınlığı hakkında büyüyen dedikodu sahnesi böyle inşa edildi. Portaldan portala sahnede Famusov'un konuklarının yemek yediği bir masa var. Aynı metin parçaları masanın farklı köşelerinde ses çıkarır, dedikodu tekrar eder, değişir, yüzer ve daha fazla yeni misafir çeker ve masanın ortasında oturan Famusov gelişimini yürütür. Bu doruk noktası olan sahne, müzikal temanın büyüme yasalarına göre inşa edilmiştir. Ön planda görünen Chatsky, yanlış yere geldiğini fark eder; bu çiğneme misafir kitlesi, sanki onu çiğniyormuş gibi, onu sahneden uzaklaştırır. Ve performansın sonunda, günün olaylarından tamamen bitkin, sessizce, neredeyse bir fısıltıyla Chatsky'nin neden “Benim için taşıma, taşıma ...” dediği anlaşılabilir.

Performans iyi eleştirmenler tarafından alınmadı. İlk performanslar düzensizdi, ancak performanstan performansa daha ince, kompozisyonda daha katı hale geldi ve sonunda seyirciler arasında hak ettiği başarıyı elde etti. (Kitaptaki bu performans hakkında daha fazla bilgi: A. Gladkov. Meyerhold, cilt 1. - M.: STD, 1990).

Bu yapımdan sonra tiyatrolar defalarca komediye döndü. Ancak yorumları, sosyal iyimserlik geleneğinde kaldı ve Chatsky, Famus toplumunun suçlayıcısının cothurnas'ında tekrar ayağa kalktı.

Ancak 1962'de Leningrad'da Bolşoy Drama Tiyatrosu G.A. Tovstonogov, alışılmamış bir şekilde "Woe from Wit"i sahneledi. İlk başta, rollerin dağılımı şaşırtıcıydı: Chatsky - S. Yursky, Molchalin - K. Lavrov, Sofya - T. Doronina, Lizanka, hizmetçi - L. Makarova, Famusov - V. Politseymako, Repetilov - V. Strzhelchik, vb. . Ve bir karakter daha vardı - "tiyatronun yüzü" (S. Karnovich-Valois). Bu karakter, oyuncuları tanıtarak oyuna başlamıştır. Gösteriyi ciddi bir şekilde ilan ederek bitirdi: "Performans bitti." “Tiyatrodan bir yüz” yaşananların teatralliğini vurguladı, size tiyatroda olduğunuzu ve sahnede olanın şimdiki zamandan büyük bir mesafeyle ayrıldığını hatırlattı. Ve performansta olan her şey Griboedov dönemini doğru bir şekilde yansıttı - kostümler, aksesuarlar, ortam, görgü kuralları. Yine de keskin bir çağdaş performanstı. (Kitapta bununla ilgili daha fazla bilgi: Yu. Rybakov. G.A. Tovstonogov. Yönetmenlik sorunları. - Leningrad Sanat şubesi, 1977, s. 85-95)

St. Petersburg'da, Karatygin ve Grigoriev'in girişimiyle tiyatro okulu öğrencileri bir komedi sahnelemeyi başardılar. Ancak halkın önünde oynamak kesinlikle yasaktı.

Taşra tiyatrolarında "Woe from Wit"in yapımına izin verilmedi.

Chatsky'nin görüntüsünün sahnede yorumlanması üzerine

1860'lara kadar Chatsky rolünün oyuncuları ilk etapta gazetecilik anlarını ortaya koydu ve Chatsky'nin Famus toplumunun bir suçlayıcısı olarak rolünü oynama geleneği gelişti.