Một nghiên cứu sáng tạo về dàn dựng sân khấu của Woe from Wit. Lịch sử của bộ phim hài “Woe from Wit. mô tả chung về công việc

"l =" 0 ">

M. A. Voloshin.

"l =" 0 ">

____________________

"l =" 0 ">

[...] Một bản sản xuất mới của "Woe from Wit" đã được phát sóng trong vài năm qua và đã trở thành tất yếu.

Trong suốt thời gian này, thời đại Alexander, gần gũi với chúng ta cho đến lúc đó chỉ trong “Woe from Wit”, trong “Onegin” và “War and Peace”, các tác phẩm văn học và bản vẽ cùng thời đại - mỗi tác phẩm đều có phần riêng, đã đi vào Bức tranh Nga. Phong trào nổi lên ở St.Petersburg của Benois và Somov, được Musatov phản ánh ở Moscow, đã làm cho vẻ đẹp của tình hình vào đầu thế kỷ 19 trở nên gần gũi với chúng ta. Trước đây, trong thời đại ngày nay, chỉ có các nhân vật và sự kiện quen thuộc với chúng ta, bây giờ phòng, vật dụng và trang phục đã trở nên gần gũi. Thậm chí còn hơn gần gũi, bởi vì nó cho đến thời đại này, tất cả nỗi buồn của chúng tôi đối với cổ xưa của Nga đã chuyển sang. Một sản phẩm mới của Woe from Wit, được chiếu sáng bằng cảm giác mới này, đã trở nên cần thiết về mặt lịch sử.

Nhưng Nhà hát nghệ thuật không chỉ phải đi theo con đường do các nghệ sĩ vạch ra, mà còn phải tự mình sáng tạo ra. Sự phát triển chi tiết của thời cổ đại, được thực hiện bởi Somov và Benoit, tham khảo

210 đến Petersburg, không phải Moscow. Họ chỉ đưa ra phương pháp, và Nhà hát nghệ thuật phải áp dụng nó vào thời Moscow. Bức tranh hoàn toàn mới về Matxcova này là công lao thực sự và quan trọng nhất của Nhà hát nghệ thuật.

Nhân vật chính ở đây là trang viên cũ ở Matxcova […].

Bối cảnh của màn đầu tiên gây bất ngờ với sự đa dạng của nó [...] nhưng vẫn thiếu tính toàn vẹn bên trong. Đây là chiếc đồng hồ kêu vang, và hàng rào mía nhẹ ngăn cách một phần căn phòng, chiếc áo choàng lụa sọc của Famusov, hình dáng của đồ nội thất và những bức chân dung thu nhỏ trên tường, rất nổi bật, nhưng tất cả những điều này vẫn chưa được thống nhất.

Việc thiết lập hành động thứ hai ngay lập tức mang lại sự toàn vẹn cho tất cả những ấn tượng khác biệt này. Đó là một căn phòng dài và hẹp có chân dung với cửa sổ ở phía sau. Các bức chân dung được treo dọc theo các bức tường, và hai chiếc ghế sofa sọc đứng đối diện nhau. Ghế đỏ, bếp lát gạch trắng. Bên ngoài cửa sổ, những mái nhà phủ đầy tuyết, và trong mọi thứ - đây là cảm giác của một buổi sáng mùa đông ở Moscow, một căn phòng rộng rãi ấm áp, những giờ sáng cho đến bữa tối, khi không biết làm gì và có một chút buồn chán và rất thoải mái trong lòng .

Hành động thứ ba là bóng, hành động của trang phục xuất sắc. Nhưng toàn bộ khung cảnh của nó - cả những chiếc cột trắng, và hai chiếc lọ hoa bằng đá quý, và góc nhìn ba người mở ra từ cửa phòng khách đến phòng khiêu vũ, tới cầu thang mà khách đi lên, và căn phòng phía sau lan can của cầu thang - thuộc về các khái niệm kiến trúc khéo léo nhất.

Sự sắp đặt của màn thứ tư mang lại rất nhiều sự gần gũi. Đây là một phòng chờ thực sự ở Moscow - rộng rãi, nhưng không rộng lắm. Ở bên trái, một cầu thang đi xuống từ tầng hai, và bên phải, một tán cây đi sâu vào lối ra, và bình minh tuyết lấp ló qua cửa kính đôi, mang đến cho mọi thứ diễn ra một bóng râm đặc biệt của một loại mệt mỏi phấn khích. sau một đêm mất ngủ.

Các diễn viên của bộ phim hài đã chảy trực tiếp từ đồ đạc của ngôi nhà cũ, và điều này đã đạt được một cách giải thích mới cho nhiều cảnh. Đặc điểm chính của chúng là tất cả đều là hình tượng, nhưng không phải nhân vật. Và đây không phải là một thiếu sót, mà là một sự khéo léo tuyệt vời của việc dàn dựng. Quá trình sản xuất cổ điển của "Woe from Wit" đã đưa ra, trước hết, các nhân vật, các loại. Tất cả những người khổng lồ của sân khấu Nga đã tạo ra các nhân vật của nó trong vở hài kịch này. Nhà hát Nghệ thuật hoàn toàn hiểu rõ rằng nó không thể cạnh tranh với họ trên con đường này, và đã khiêm tốn rút lui trước nhiệm vụ này, do đó tước bỏ quyền trình bày những yêu cầu của chúng tôi đối với nó trong lĩnh vực này.

Khi tôi nói hình ảnh, tôi muốn nói đến trang phục và khuôn mặt. Trang phục trong Nhà hát Nghệ thuật là một khám phá toàn bộ. Chiếc áo đuôi tôm truyền thống của Chatsky đã được thay thế bằng một chiếc caftan dài, lưng cao với cổ áo rộng và cao có thể buộc chặt

211 như một người Hungary. Chatsky xuất hiện trong caftan này trong màn đầu tiên. Trong màn thứ ba, anh ta xuất hiện trong một chiếc áo đuôi tôm, rất cao, thanh lịch và có diềm bằng phẳng rất khiêm tốn. Hành động thứ ba là quá trình sắp đặt và dàn dựng.

Nhà hát nghệ thuật đã đối xử với sự nghiêm túc cao nhất đối với tất cả các nhân vật chính và phụ xuất hiện trong màn thứ ba, đồng thời cố gắng tạo ra một số nhân vật đặc trưng của thời đại Alexander, tương tự như nhân vật của "Chiến tranh và Hòa bình", và không có nghi ngờ gì. rằng cuộc triển lãm chân dung lịch sử của Diaghilev có ảnh hưởng quyết định đến sự hiểu biết về chúng. Tính cách Mátxcơva được truyền tải qua mọi khuôn mặt, cách cư xử và phong cách thời trang. Con mắt, không quen với cách dàn dựng như vậy, thoạt đầu bị ấn tượng bởi sự chỉnh tề và phóng đại của trang phục phụ nữ. Nhưng sau đó Bảo tàng Cổ vật Nga Shchukin đã nghĩ đến và bí mật của phong cách Moscow thực sự trở nên rõ ràng, bao gồm việc đưa tất cả các xu hướng và thời trang của phương Tây lên một cực độ 2. Phóng đại một cách thần thánh và đưa đến những giới hạn cuối cùng của các hình thức nghệ thuật châu Âu, Moscow luôn tạo ra tinh thần và phong cách riêng của mình trong những đường diềm bằng gỗ của thế kỷ 17, và trong những mái vòm uốn lượn của Thánh Basil, và trong các nhà thờ ở Điện Kremlin, và trong đồ trang sức dành cho phụ nữ của thế kỷ 18, và trong các dinh thự quý tộc của thời đại Alexandrovskaya, và trong tòa nhà của Bảo tàng Lịch sử Mátxcơva, và trong những ngôi nhà "suy đồi" hiện nay, với tất cả sự đa dạng của chúng, đã bắt đầu để nhập nhân vật của làn đường Moscow.

Những bộ váy kiêu kỳ và kiểu tóc quyến rũ của các cô dâu Moscow, phong thái và cách cư xử giả tạo của họ (“Đơn giản là họ sẽ không nói một lời - ai cũng nhăn mặt”), sự đa dạng của các loại vải, ruy băng, mũ bà già sang trọng của người châu Á, sự sang trọng của gia trưởng các loại áo khoác sọc và áo khoác lông thú khi đi du lịch, trang điểm lộng lẫy của các vị quan lớn tuổi và các át chủ bài Moscow, trong đó Hoàng tử Tugoukhovsky (Ngài Vishnevsky) nổi bật với chiếc mặt nạ trang trọng và chết chóc của một nhà quý tộc già, tê liệt vì tuổi già, sáu nàng công chúa. tất cả cùng run rẩy và lo lắng với thân hình chỉ có sáu chân của họ, bà lão Khlestova (Bà Samarova) trang điểm và trong trang phục của Catherine II, Công chúa Tugoukhovskaya (Raevskaya), được tạo nên sau bức chân dung của Nữ bá tước Liven - tất cả điều này có tính chất xác thực của một bức tranh cũ và những bức chân dung cũ.

"Nghi lễ đoàn tàu
ầm ầm; nhuộm tóc giả của bạn
Potemkin bằng năm,
Những ông già át vía xuất hiện
Trân trọng kính chào ...
Các cung tần mỹ nữ của triều đình cũ ”3.

Trong hành động cuối cùng, sau bức ảnh long trọng về sự ra đi của tất cả những cổ vật Moscow này, sau khi những cổ vật này được uốn cong và bọc lại

Trong những khu nhà vàng của những tên tay sai cũ, ngôi nhà cũ đột nhiên tan hoang nơi ẩn náu và những cô gái, và khi Famusov cầm nến đi xuống cầu thang, phía bên kia ngôi nhà của chủ đất xuất hiện từ phía sau anh ta - một số nông dân mặc áo sơ mi, phụ nữ mặc váy trắng. với những chiếc khăn quàng cổ được buộc quanh đầu vào ban đêm. Cứ như thể những bóng ma trắng cư ngụ trong ngôi nhà cổ đã thực sự trỗi dậy.

"Woe from Wit" đã từng là một tác phẩm châm biếm. Đây là mục tiêu ban đầu của anh ấy. Nhưng một tác phẩm nghệ thuật đích thực vẫn tiếp tục sống cuộc đời của chính nó vào thời điểm mà mục tiêu và mục đích của tác giả đã mất đi ý nghĩa ban đầu. Đối với thời đại của chúng ta, Woe from Wit đã không còn là một tác phẩm châm biếm và đã trở thành một bộ phim hài lịch sử hàng ngày. Nhà hát Nghệ thuật hiểu điều này và loại trừ phần ba yếu tố biếm họa ác quỷ, điều luôn được nhấn mạnh trong tất cả các tác phẩm.

Nhờ cái nhìn điềm tĩnh về mặt lịch sử đối với những nhân vật đặc trưng của Moscow, ở đây và ở đây, một ý nghĩa khác và sâu sắc hơn của vở hài kịch đã nảy sinh. Câu nói "thu thập tất cả các cuốn sách và đốt chúng đi" mang một nhân vật bi kịch, không phải là truyện tranh. Hình ảnh của Repetilov (thành phố Luzhsky) bất ngờ nhắc chúng ta rằng hành động này diễn ra vào năm 1822, ba năm trước thảm họa tháng Mười Hai, và rằng dư âm của tất cả các cuộc trò chuyện ở Moscow của thời đại đó đang văng vẳng và lặp lại trong miệng của Repetilov, rằng điều này là thời đại của những âm mưu duy tâm và những hội kín nhiệt thành. Cảnh khi Skalozub (Mr. Leonidov) rời đi và Zagoretsky (Mr. Moskvin) bị bỏ lại một mình chống lại Repetilov và họ nhìn nhau, mang một ý nghĩa bất ngờ, kỳ lạ, như thể hai chiếc gương trống, đặt đối diện nhau, lặp lại nhau. khác đến vô cùng và sững sờ kinh hãi, như thể hai bóng ma trống rỗng bất ngờ nhận ra nhau.

Nhưng ở giữa những nhân vật lịch sử này là một nhân vật toàn vẹn và hoàn chỉnh. Đó là Chatsky-Kachalov. Ông Kachalov đã tạo ra một Chatsky mới và hoàn chỉnh. Vai trò của Chatsky luôn khiến cả những người biểu diễn và các nhà phê bình văn học bối rối. Nhờ những đoạn độc thoại dài và những cung bậc buộc tội của mình, Chatsky là một nhân vật hỗn hợp, vừa là người tình đầu tiên kể lể vừa là Starodum đạo đức của vở kịch. Đối với tất cả mọi người và luôn luôn, Chatsky nói thay mặt cho tác giả, và bài giảng thảm hại này trong một vòng tròn những người hoàn toàn xa lạ với anh ta và những người ngu ngốc khiến anh ta trở nên lố bịch và khiến anh ta nghi ngờ tâm trí của chính mình.

Kachalov hiểu và đóng vai trò khác biệt. Chatsky của anh ấy là một chàng trai rất trẻ, gần như là một cậu bé. Anh ấy mười chín, hai mươi tuổi. Sự tiết lộ của anh ấy, sự kịch liệt của anh ấy, sự tuyệt vọng của anh ấy, sự tố cáo của anh ấy, hài hước trong miệng của một người chồng trưởng thành, như chúng ta vẫn quen nhìn thấy Chatsky trên sân khấu, khá tự nhiên, chân thành và gây ra sự đồng cảm sâu sắc của chúng tôi trong miệng của cậu bé trẻ tuổi này. .

Để tưởng tượng sự đơn giản và trung thực của một giải pháp như vậy cho câu hỏi về Chatsky, người ta phải nhớ những anh hùng của thời đại đó, sau hai thế kỷ, là ai. Vương quốc của những người trẻ tuổi bắt đầu vào cuối thế kỷ 18. [...] Cuộc sống ở thời đại này bắt đầu từ rất sớm. Ở tuổi mười lăm hay mười sáu, việc dạy học đã kết thúc và cuộc sống đang bắt đầu. Nó bắt đầu với việc được nhận vào trung đoàn, giống như cuộc đời của Chatsky. Những cuốn tiểu thuyết đầu tiên và những bi kịch đầu tiên của trái tim diễn ra ngay tại đó, nhờ vào tuổi trẻ và sự dịu dàng của cơ thể, đã để lại những dấu vết sâu sắc và mạnh mẽ, mang lại những chiều hướng cho những đam mê chết người của Byron. Và bây giờ những người trẻ ở độ tuổi này nuôi dưỡng những thôi thúc và đam mê Byronic này, nhưng họ bước vào cuộc sống xám xịt của mình như một giấc mơ chứ không phải thực tế, và văn học giờ nằm trong tay những người lớn tuổi hơn, nhiều kinh nghiệm hơn và do đó ít tự phát hơn. Ngay sau tuổi hai mươi (đôi khi sớm hơn, đôi khi muộn hơn), một bước ngoặt tâm lý và sinh lý xảy ra trong cuộc đời của một chàng trai trẻ, đưa anh ta đến bờ vực của cái chết và đặt ra những câu hỏi muôn thuở về sự sống và sự không tồn tại. Bước ngoặt này vào thời điểm đó trùng hợp với sự thất vọng và cảm giác no sau những năm đầu tiên đầy biến động của cuộc đời, và do đó dẫn đến tâm trạng Wertherian hoặc Byronic.

Nếu chúng ta tưởng tượng tất cả những anh hùng u ám này nói những lời trang trọng theo đúng quy mô và tuổi tác của họ, thì họ sẽ lại nhận được cho chúng ta sự quyến rũ khó giải thích của sự chân thành và tuổi trẻ. Nhờ sự hiểu biết này, Chatsky, do Kachalov thể hiện, trở thành gương mặt quan trọng và hấp dẫn nhất của toàn bộ bộ phim hài, như lẽ ra anh ta phải như vậy. Trong cảnh đầu tiên, anh ấy vỡ òa trong niềm vui, tiếng cười, sự phấn khích và cuộc hẹn hò thân thương và mong đợi từ lâu. Anh ấy nói chuyện như một cậu bé. Anh ta không có ác ý, không ác ý, không tố cáo. Anh ấy hào hứng, anh ấy vui tươi, anh ấy dí dỏm, anh ấy nhớ lại, anh ấy muốn xuất hiện rất thú vị. Bản thân anh lo lắng cười trước sự thông minh của mình. Chỉ có Sophia mười bảy tuổi, người thậm chí còn trẻ hơn anh ta, có thể nghiêm túc nói ra lời của mình và tự nói với chính mình: "Không phải đàn ông là rắn."

Trong các cuộc trò chuyện với Famusov, với Skalozub, trong các cuộc trò chuyện tại vũ hội ở Chatsky, người ta thường xuyên nhìn thấy cậu bé vui vẻ với đôi mắt lấp lánh này, người trẻ con phẫn nộ trước ý kiến của Moscow, rao giảng lý thuyết của mình, nói lời xấc xược với những người lớn tuổi của mình. Đây là ngày đầu tiên anh ấy trở lại Moscow, và sự tiết kiệm của anh ấy được chứng minh bởi sự phấn khích và dồi dào ấn tượng của anh ấy. Đồng thời, phải nói rằng Kachalov biết đọc thơ. Anh ấy không tìm kiếm chủ nghĩa hiện thực không cần thiết. Anh ấy không cố gắng che giấu các vần điệu và làm rung chuyển đồng hồ, anh ấy đặt chúng đi một chút, và trong miệng anh ấy cất lên câu hát của Griboedov với tất cả sự sung mãn của nó, và bắt tai, tinh vi trên những cách hòa âm hiện đại, chiêm ngưỡng vẻ đẹp của những vần điệu vượt thời gian này.

Hành động cuối cùng của Kachalov được thực hiện một cách hoàn toàn nguyên bản. Có cảm giác rằng Chatsky đang mệt và muốn ngủ,

214 và rằng anh ta bị xúc phạm như một đứa trẻ, sâu sắc, đến mức rơi nước mắt, rằng mọi thứ đối với anh ta dường như là một giấc mơ hoang đường và không thể thực hiện được, tất cả những ông già, những bà già đáng sợ, những căn bệnh ở Moscow, tình yêu của Sophia dành cho Molchalin. Và sau đó là những hành lang tối tăm của ngôi nhà cổ, và ánh bình minh xanh biếc bên ngoài cửa sổ, và sự mệt mỏi khép mi, và sự nặng nề đè lên mái đầu tóc vàng thân yêu này.

Thực tế là Chatsky vẫn là một nhân vật trong vở kịch, và tất cả những người còn lại đều là nhân vật, hoàn toàn có thể được chấp nhận. Anh ta là người thật duy nhất trong số những hồn ma này. Nhưng trong số những nhân vật của giấc mơ Mátxcơva này có những người để lại cảm giác không hài lòng. Tuổi trẻ đó, điều mà Chatsky hiểu rõ, hoàn toàn không phải ở Sophia (Bà Germanova). Đây không phải là một cô gái mười bảy tuổi mới xuất hiện từ thời thơ ấu, mà là một người phụ nữ hoàn toàn trưởng thành, hai mươi lăm tuổi, rất từng trải, nổi bật với vẻ đẹp có phần hơi phương Đông, phù hợp với hình tượng của Judith, nhưng không phải Sofya. Pavlovna.

Liza (Cô Lilina) được tạo nên sau những bức tranh của Venetsianov, và khuôn mặt, chuyển động, mọi tư thế của cô ấy đều quyến rũ và không thể phủ nhận lịch sử, nhưng giọng điệu, cách nói thơ hiện thực của cô ấy làm cô ấy đau tai. Tôi không muốn nghe mà chỉ nhìn và chiêm ngưỡng.

Famusov (ông Stanislavsky) gợi lên một cảm giác rất phức tạp, nhưng cuối cùng vẫn không hài lòng. Ông Stanislavsky, trong trang điểm của một ông già cao, gầy, u ám và với giọng càu nhàu và chế giễu, đã tạo ra một nhân vật gợi nhớ đến Yakovlev (cha của Herzen) với sự mỉa mai của ông già ăn da. Nhưng, mặt khác, anh ta giống một quan chức hơn là một quý ông Moscow, và anh ta luôn ở trong một kiểu kích động thần kinh nào đó. Nhưng trong từng cảnh và từng từ riêng lẻ, có quá nhiều sự cân nhắc và cách giải thích hoàn toàn mới về các đoạn cổ điển khác nhau đến nỗi nó thường khiến người ta quên đi vẻ mặt nhăn nhó lo lắng.

Nói chung, cần phải chỉ ra sự khéo léo đặc biệt mà tất cả những người thực hiện đã tiếp cận những phần của văn bản đã trở thành tục ngữ. Một cái gì đó mới đã được phát minh ra cho hầu hết mọi nơi, và trên hết nó nằm ở vai trò của Famusov. Người ta chỉ cần lưu ý cách Famusov đã thốt ra các cụm từ của mình: "Tôi không nghe, tôi đang bị xét xử!" và "Công chúa Maria Aleksevna sẽ nói gì!" - hay như Chatsky nói gần như thì thầm với chính mình: "Chở xe cho tôi, xe ngựa!" Không có cụm từ nào trong số này được nói riêng biệt, vì chúng thường được phát âm, chúng đều được kết nối với tổng thể. Ngoài ra, văn bản đã được cập nhật thành công với các phụ trang từ các phiên bản gốc. Họ đã mang đến sự ngạc nhiên và mới mẻ cho những nhu cầu về bản sao mảnh mai, được mọi người biết đến bằng trái tim.

Các nhân vật còn lại, như Skalozub (Leonidov), do Alexei Petrovich Yermolov, Molchalin tạo nên

215 (Adashev), Platon Mikhalych và vợ (Gribunin và Litovtseva), Petrushka (Artem), Zagoretsky (Moskvin), Repetilov (Luga) đã tạo thành một nền hoàn chỉnh và hài hòa của vở kịch, một buổi hòa tấu đồng đều cho Nhà hát Nghệ thuật Moscow là nổi tiếng.

Trong quá trình sản xuất Woe from Wit, tất cả những ưu điểm và khuyết điểm của anh ấy đều sinh động như nhau. Việc thiếu cá nhân hóa các vai diễn mà Nhà hát Nghệ thuật thường bị chê trách, bị hạn chế và nằm ở cốt lõi của học thuyết của nó. Và để đánh giá đúng một tác phẩm nghệ thuật, theo yêu cầu của Goethe, cần phải dựa trên quan điểm của người tạo ra nó, đó chính là điều chúng tôi muốn làm ở đây. Tất nhiên, Woe from Wit vẫn có thể được dàn dựng theo cách khác và thậm chí có thể hay hơn, nhưng việc dàn dựng của Nhà hát Nghệ thuật Matxcova đã khiến dàn dựng cổ điển cũ, trong nhiều đặc điểm chính của nó, không còn được chấp nhận. Vai trò của Chatsky đã nhận được một cách giải thích mới và theo tôi là cuối cùng cho thời đại của chúng ta.

bài báo từ thư viện điện tử cơ bản feb-web.ru

Cuộc đời sân khấu "Woe from Wit"

Được hoàn thành vào năm 1824 và chỉ được xuất bản trong các trích đoạn trong cuộc đời của Griboedov, vở kịch đã không được phép lên sân khấu trong một thời gian dài. Khi vào năm 1825, việc sản xuất được chuẩn bị bởi các sinh viên của một trường học ở St.Petersburg, Thống đốc M.A. Miloradovich đã can thiệp, và buổi biểu diễn đã không diễn ra. Vào tháng 12 năm 1829, sau cái chết của tác giả trong một buổi biểu diễn vì lợi ích, nữ diễn viên M.I. Valberkhova đã diễn 1 màn của vở kịch. Bắt đầu từ hiện tượng thứ 7. Vào ngày 31 tháng 1 năm 1830, màn hài kịch đầu tiên được thực hiện vì lợi ích của M.S. Shchepkin tại Nhà hát Bolshoi Moscow. Diễn viên tuyệt vời đã đóng vai Famusov. Cùng năm, vở diễn thứ 3 được tổ chức tại St.Petersburg và Moscow. Chỉ vào năm 1831, việc dàn dựng toàn bộ vở kịch. Nhưng với sự kiểm duyệt. Vở kịch hóa ra bất ngờ và bất thường đối với sân khấu. Và bên ngoài sân khấu, vở diễn vẫn tiếp tục. Nó bắt đầu với việc đọc đi đọc lại vở kịch của chính Griboedov trong những ngôi nhà khác nhau. Trong hàng nghìn danh sách, cô bắt đầu phân tán khắp nước Nga. Văn bản của vở hài kịch phục vụ mục đích kêu gọi chiến dịch. Vào đầu thế kỷ trước, Vl. I. Nemirovich-Danchenko phàn nàn rằng họ chơi Chatsky, họ làm quá tải hình ảnh của anh ấy. Chatsky là người anh hùng duy nhất trong phim hài. Hài kịch như một sáng tạo kịch tính lùi vào nền. Những trải nghiệm tình yêu chỉ dừng lại ở I.V. Samarin, người bắt đầu đóng vai trò này ở Moscow vào năm 1839. Trong trò chơi của Samoilova, Sofya đã khéo léo biến những lời nói của Chatsky chống lại chính mình. Năm 1836, lệnh cấm chiếu Woe from Wit tại các rạp chiếu phim của tỉnh không còn hiệu lực. Nhưng nó đã không được tôn trọng. Các tác phẩm của Kiev 1831, 1838. Kazan 1836, 1840. Astrakhan 1841. Kharkov 1840, 1842. Odessa 1837. Tambov 1838. Kursk 1842. Những tác phẩm như vậy đi kèm với những rắc rối. Ở Kaluga năm 1850 vở kịch bị cấm. Sự sụp đổ của hệ thống thứ bậc di sản đã thúc đẩy một lối tư duy mới, một sự bác bỏ nguyên tắc tách biệt chặt chẽ các hiện tượng đời sống với nhau. Và màn trình diễn sân khấu ngày càng được coi là một tổ chức toàn vẹn với sự kết nối nội tại của các “thành phần” của nó. Kể từ năm 1863, buổi biểu diễn đã diễn ra tự do trên khắp đất nước. Bản điểm của đạo diễn lần đầu tiên được công bố - V.I. Rodislavsky đề xuất phát triển màn thứ ba của vở hài kịch, nơi các điệu múa được đưa vào chuyển động của các sự kiện trong vở kịch. Năm 1864, Nhà hát Maly đã sử dụng bản nhạc này. Những năm 1960 tách biệt thời kỳ trước cải cách với thời kỳ hậu cải cách. Vở kịch đã được xem - quá khứ. Và có những yêu cầu để chơi vở kịch trong trang phục cổ đại. Lần đầu tiên vào năm 1870 trong một buổi biểu diễn nghiệp dư của Câu lạc bộ quý tộc. Năm 1866, trang phục được tạo ra theo các tạp chí của đầu thế kỷ 19. Năm 1864, sự kiện Chatsky được nhấn mạnh tại Nhà hát Maly. Diễn viên N.E. Vilde tồn tại trong 1,5 tháng trong vai Chatsky. Anh ấy được thay thế bởi S.V. Shumskaya. Anh bắt đầu diễn ra bi kịch của tình yêu đơn phương. Ở trung tâm của màn trình diễn là cảnh của Sofia và Chatsky. Các anh hùng chỉ được dẫn dắt bởi trái tim. Sự chính trực của con người trong suốt thế kỷ 19 đã được các nhà kinh điển Nga bảo vệ. I.A. Goncharov đã phát biểu liên quan đến buổi ra mắt vở kịch tại Nhà hát Alexandrinsky về tính toàn vẹn của vở kịch. Tại Nhà hát Nghệ thuật năm 1906, buổi biểu diễn được dàn dựng bởi Nemirovich-Danchenko. Một phân tích tâm lý đã được phát triển. Vào thời điểm này, các diễn viên bi kịch-khách mời đã cố gắng thiết lập truyền thống đóng vai Chatsky "bên ngoài phát triển trong nước, bên ngoài cốt truyện." Vì vậy, họ đã chơi Chatsky M.T. Ivanov-Kozelsky, M.V. Dalsky, P.V. Samoilov. Nhà hát nghệ thuật Matxcova rất coi trọng động lực của bất kỳ hành động nào, thậm chí là bất kỳ chuyển động nào của mỗi nhân vật. Người ta cho rằng các bệnh dân sự cũng sẽ có được sức mạnh và nền tảng mới. Con đường của vở kịch giống như con đường của lãi và lỗ. Vào cuối thế kỷ 19, cách phát âm của câu thơ từ sân khấu đã thoái hóa thành ngâm thơ hoặc bị bỏ quên. Buổi biểu diễn của Nhà hát nghệ thuật Matxcova cũng không tìm ra lời giải. Lịch sử của các tác phẩm sau này mở ra với màn trình diễn của V.E. Meyerhold năm 1928. trong nhà hát mang tên anh. Chatsky đóng vai trò là người tố cáo tệ nạn xã hội. Tác giả trở lại tựa gốc là "Khốn nạn tâm tư." Chatsky đọc bản thảo thơ cách mạng. Sophia kiên quyết tiếp cận Molchalin. Vai Chatsky do E.P. Garin. Sau đó K.P. Khokhlov. Lần sản xuất gần nhất với chúng tôi là vào năm 1962 tại Nhà hát kịch Gorky Leningrad. Tovstonogov. Phim hài đã không ra rạp trong nhiều năm. Và việc cô trở lại sân khấu đã được thông báo một cách nghiêm túc và trang trọng. Buổi biểu diễn được thiết kế để tiếp xúc trực tiếp với khán giả. Chatsky, do S.Yu. Yursky đến Moscow với đầy hy vọng. Và sau đó anh ta nhìn thấy đối thủ. Chatsky quay sang khán giả để hiểu. Thể hiện bởi Molchalin do diễn viên K.Yu. Lavrov đã giải thích rất nhiều. Sophia đã trở thành một người đầy kịch tính. Cô ấy được đặt ở trung tâm của vở kịch. Thực hiện bởi T.V. Doronin. Các nhà phê bình cảm thấy rằng một vở kịch như vậy đã làm mất đi xung đột chính của nó. Sẽ có những buổi biểu diễn khác nữa.

Về chủ đề: phát triển phương pháp, trình bày và ghi chú

Màn trình diễn "Điều gì tốt và điều gì không tốt"

Mục đích của sự kiện này là để chỉ ra tác động tiêu cực của thói quen xấu đối với sức khỏe và tư cách đạo đức của một người thông qua các tác phẩm châm biếm và hài hước ...

Ý nghĩa của tình tiết. Vai trò của diễn giải giai đoạn trong việc bộc lộ hình ảnh. Soạn văn - lập luận về ý nghĩa của đoạn văn. (Theo vở hài kịch “Thanh tra Chính phủ” của N.V. Gogol: hành động IV, yavl. XII - XV) ”.

Đặc biệt khó kể lại một tác phẩm thơ hoặc kịch. Đằng sau tiếng cười của Gogol luôn có những suy tư, bởi cái hài hước và cái bi kịch luôn ở đó, không thể tách rời. Vì vậy, chúng tôi cùng nhau ...

"Bản đồ công nghệ của buổi ra mắt bài học" Diễn giải câu chuyện cổ tích thơ mộng của A.N. Ostrovsky "The Snow Maiden" trong rạp hát "OXYUMORON" của trường

Ý nghĩa của cuộc sống, tất nhiên, trường học sẽ không dạy - điều này không thể được dạy! - nó phải được tìm ra bởi mỗi người một cách độc lập. Nhưng "để thiết lập các hướng dẫn" - để dạy kiến thức ...

Bài học kiến thức cơ bản về diễn xuất. Chuyển động sân khấu. "Hoa - bảy hoa"

Bài học "Flower-Semitsvetik" là một bài học nhập môn của phòng thu kịch. Những đứa trẻ sẽ biết. nhà hát là gì, nó xuất hiện khi nào, làm quen với sự đa dạng của các hình thức của nó ....

Bài học kiến thức cơ bản về diễn xuất. Chuyển động trên sân khấu. "Công bằng"

"Bài học" Hội chợ "được thiết kế để rèn luyện chuyển động trên sân khấu. Trẻ em cố gắng tái tạo các hình ảnh khác nhau, học cách khắc họa các kiểu người và tính cách khác nhau của động vật. Trong quá trình chơi, trò chơi sẽ phát triển ...

Bài học số 3 về các nguyên tắc cơ bản của diễn xuất. Kỹ thuật diễn thuyết sân khấu. Trò chơi đóng vai “Đi thăm nhà may”.

Bài học được xây dựng dưới dạng trò chơi nhập vai. Những người tham gia bài học sẽ diễn cảnh về sự xuất hiện của những người dân thị trấn với lệnh cho Thợ may ....

Hài kịch của A. S. Griboedov “Khốn nạn từ nhân chứng” chiếm một vị trí đặc biệt trong văn học thời đó và nói chung trong văn học Nga. Cô đã phản ánh xung đột chính trị chính của thời đại - sự đụng độ của các lực lượng bảo thủ của xã hội với những con người mới và xu hướng mới, và phản ánh nó với tất cả niềm đam mê và sức mạnh trào phúng.

Hình tượng cao quý của Chatsky - không thờ ơ, tích cực, chiến đấu - về bản chất, đại diện cho kiểu Kẻ lừa dối hoặc một người đã sẵn sàng gia nhập hàng ngũ Kẻ lừa dối. Nhưng anh ấy chỉ có một mình trong vở kịch, và cho đến nay anh ấy đang chiến đấu một mình. Chatsky đối lập với Molchalin - như một kiểu cư xử khác của một chàng trai trẻ: bề ngoài đàng hoàng, khiêm tốn, nhưng thực chất là thấp hèn. Famusov được mô tả như một đại diện dân quân và "trụ cột" của chế độ. Trong hình ảnh của Skalozub, chủ nghĩa Arakcheev được mang nhãn hiệu - một sản phẩm kinh tởm của một nhà nước quan liêu quân sự. Con gái của Famusov - Sofya - nhân vật không hoàn toàn rõ ràng, gây ra nhiều cách hiểu khác nhau. Cô cũng là sản phẩm, nhưng cũng là nạn nhân của môi trường phản động. Hình ảnh tập thể của giới quý tộc phản động Mátxcơva không chỉ được tạo nên từ những gương mặt này và những gương mặt chính khác của vở hài kịch được đưa lên sân khấu, mà còn từ vô số hình ảnh thoáng qua được đề cập đến trong các cuộc độc thoại và nhận xét: “nhà văn” trống rỗng Foma Fomich, người quý tộc Tatyana Yuryevna, chủ rạp hát nông nô, người đã bán hết “từng cái một” đoàn kịch nông nô của mình

Lịch sử sản xuất "Woe from Wit"

Công lao của nhà hát kịch Nga trong việc nắm vững tư tưởng và nghệ thuật của Woe from Wit của các thế hệ kế tiếp trong xã hội là rất lớn. Ở đây tác phẩm kịch nhận được một người phiên dịch và tuyên truyền như tiểu thuyết không có. A. S. Griboyedov mơ ước in một vở hài kịch và dàn dựng nó trên sân khấu. Nhưng vở kịch tràn ngập dư âm của Chủ nghĩa lừa dối: không thể tưởng tượng nổi nếu nó được trình diễn trên sân khấu vào năm 1825 — đó sẽ là một cuộc biểu tình chính trị. Ngay cả một buổi biểu diễn nghiệp dư được chuẩn bị với sự tham gia của tác giả bởi các sinh viên trường Sân khấu cũng không được phép. Chỉ đến năm 1829, năm Griboedov qua đời, 5 năm sau khi viết, "Woe from Wit" mới xuất hiện trên sân khấu St.Petersburg. Tính chất giải trí của trường đoạn đã giúp anh sớm xuất hiện trên sân khấu Mátxcơva. "Woe from Wit" gần như không được lên sân khấu.

Từ những năm 1830 cho đến ngày nay, hài kịch đã được đưa vào các tiết mục của các nhà hát tỉnh và thành phố. Nhiều nghệ sĩ trở nên nổi tiếng nhờ các vai diễn trong vở kịch này: M. S. Shchepkin, P. S. Mochalov, I. I. Sosnitsky, I. V. Samarin, V. N. Davydov, A. A. Yablochkina, O. O. Sadovskaya, V. N. Ryzhova, A. P. Lensky, A. I. Yuzhin, K. S. Stanislavslov, I. M. Moskvin, V. I. Kachalov, I. M. Moskvin, V. I. khác.

Vào tháng 1 năm 1941, tại Nhà hát Pushkin ở Leningrad, các đạo diễn N. S. Rashevskaya và L. S. Vivien đã thu hút các nghệ sĩ xuất sắc như E. P. Korchagina-Aleksandrovskaya, V. A. Michurina-Samoilova, đề cử các nghệ sĩ trẻ: T. Aleshina (Sofya), V. Merkuriev (Famusov). Màn trình diễn đã được làm mới với một số cảnh khổ sở mới. Việc sản xuất bao gồm nhiều tập được phát triển với cách tiếp cận phong cách hiện thực cao mà tác phẩm của Griboyedov đã được tạo ra. Vào năm kỷ niệm 1945, khoảng bốn mươi rạp chiếu phim đã hưởng ứng các vở hài kịch của Griboedov. Điểm đặc biệt của lễ kỷ niệm là việc đưa một số nhà hát quốc gia vào công việc này.

Trong những năm đầu tiên của vòng đời sân khấu của Woe from Wit, việc dàn dựng vở kịch không được các đạo diễn và nhà phê bình quan tâm; vở kịch vẫn rất "hiện đại", không có vấn đề về trang phục, trang điểm, dàn dựng, ... Các diễn viên đã tạo ra vai diễn của họ theo truyền thống mới mẻ, một phần từ chính tác giả, thông qua Sosnitsky, Shchepkin. Trong trò chơi của họ, họ có thể sao chép trực tiếp một hoặc một Muscovite tiêu biểu còn sống. Các nhà phê bình chỉ đánh giá mức độ tài năng của những người biểu diễn. Sau đó, khi cuộc đời do Griboedov miêu tả bắt đầu lùi vào quá khứ lịch sử, câu hỏi về nhiệm vụ dàn dựng một vở hài kịch trở thành ưu tiên; anh ta chắc chắn đã liên kết bản thân với những đánh giá lại mới về toàn bộ bộ phim hài và từng nhân vật của nó. Sự xuất hiện của "Woe from Wit" trên sân khấu đã đánh dấu một cuộc cách mạng trong lịch sử của nhà hát Nga. Chủ nghĩa hiện thực cao đó, mà nhà hát Nga đã trở nên nổi tiếng và đi vào lịch sử nghệ thuật thế giới, bắt đầu với tác phẩm Woe from Wit. Thông qua sức mạnh của chủ nghĩa hiện thực, Woe from Wit đã giáo dục lại các diễn viên. Mochalov, người ban đầu diễn giải Chatsky theo phong cách của một câu nói sai của Moliere, sau đó trở nên nhẹ nhàng hơn, trữ tình hơn và đơn giản hơn. Buổi biểu diễn thực tế Famusov của Shchepkin có ý nghĩa và lịch sử lâu dài của riêng nó. Một thắng lợi to lớn cho chủ nghĩa hiện thực tâm lý là diễn xuất vai Chatsky vào những năm 1940 của diễn viên nổi tiếng người Mátxcơva I. V. Samarin. Những thành tựu sáng tạo của Samarin, đã ảnh hưởng đến các nghệ sĩ biểu diễn Chatsky ở St.Petersburg, cũng được các nhà phê bình sân khấu cảm nhận.

Sự sáng tạo của A. S. Griboyedov đã làm phong phú thêm sân khấu Nga với những công lao cao đẹp, góp phần đưa sân khấu đi vào con đường hiện thực. Tuy nhiên, nhà hát khó có thể nắm vững được sự phong phú về mặt thẩm mỹ và tư tưởng của vở diễn, và họ đã được làm chủ dần dần. Trong lời văn của vở hài kịch cũng đã biết có những điểm mơ hồ, khó khăn, thậm chí mâu thuẫn cục bộ khiến việc trình diễn trên sân khấu trở nên khó khăn. Lần đầu tiên xuất hiện trên sân khấu, Woe from Wit đã va chạm với những truyền thống cũ xa lạ hoặc thù địch với sự đổi mới táo bạo của nhà viết kịch. Tôi đã phải vượt qua sự lạc hậu và sức ì trong phương pháp dàn dựng và diễn xuất. Mặt khác, tài năng cao của những người thực hiện và đạo diễn xuất sắc nhất đã tiết lộ kho báu của một tác phẩm xuất sắc và dần dần tạo nên một truyền thống giàu có về nghệ thuật thủ công.

Tình yêu đối với "Woe from Wit" trong xã hội Nga đã trở thành một yếu tố có lợi trong lịch sử giai đoạn; Trong cuộc chiến chống kiểm duyệt, chống chính quyền dàn dựng Woe from Wit, những người làm công tác nhà hát luôn dựa vào xã hội, vào khán giả và độc giả.

Câu độc thoại nổi tiếng của Famusov "Đó là điều mà tất cả các bạn tự hào về điều đó!" - một trong những cơ sở hình thành nên các đặc điểm xã hội và đạo đức của Famusov, đồng thời - là "quý tộc" thời Catherine. Khỏi phải nói, nhiệm vụ của người diễn viên phức tạp đến mức nào, bao nhiêu cơ hội phong phú đồng thời vụt tắt để thể hiện nghệ thuật trong ngữ điệu, nét mặt, trong toàn bộ diễn xuất của diễn viên. Từ các bản sao của cùng một Famusov, cơ quan kiểm duyệt sân khấu đã ném ra nhiều từ quan trọng và có sức nặng khác, ví dụ:

Sergey Sergeyevich, không! Nếu điều ác phải được ngăn chặn:

Cất hết sách đi, nhưng hãy đốt chúng đi.

Ngoại lệ lớn đã được thực hiện trong lời thoại và độc thoại của Chatsky. Toàn bộ văn bản sân khấu của vở hài kịch đã bị tê liệt. Không chỉ sự châm biếm chính trị - xã hội bị làm dịu đi hoặc bị khắc sâu mà ngay cả những nét tâm lý và đời thường cũng bị xóa bỏ. Vì vậy, không được phép tự mô tả Famusov sau đây:

Hãy nhìn tôi: Tôi không khoe khoang về hiến pháp của mình;

Tuy nhiên, vui vẻ và tươi tắn, và sống đến tóc bạc,

Miễn phí, các góa phụ, tôi là chủ nhân của tôi.

Tu viện được biết đến với hành vi của mình !.

Và nam diễn viên, người biết nguyên văn, hoàn chỉnh của Griboedov, buộc phải nghẹn lời trước khán giả.

Lịch sử văn học và giai đoạn của hình ảnh Sophia hóa ra rất khó. Trong nhiều năm và thậm chí nhiều thập kỷ, việc thể hiện vai diễn Sophia không tạo ra một nữ diễn viên nào, và đây không phải là một sự tình cờ. Một nữ diễn viên trẻ nên đóng vai Sophia mười bảy tuổi, nhưng kỹ năng, sự thành thục về nghệ thuật và sự chu đáo thì cần phải có ở một nữ diễn viên lớn tuổi, giàu kinh nghiệm nhất. Theo truyền thuyết, một số nữ diễn viên lúc đầu đã từ chối đóng vai Sophia. Hình tượng Sophia, mà nhiều nhà văn sành sỏi có thẩm quyền cho là không rõ ràng, ẩn chứa sự kết hợp phức tạp và khó khăn của ba hàng tinh thần: bản chất sâu sắc, mạnh mẽ, nóng nảy, tình cảm hướng ngoại và nền giáo dục xã hội băng hoại. Sự kết hợp này đã cản trở triệt để cả giới phê bình lẫn đạo diễn và những người thực hiện vai diễn này.

Vai trò của Lisa có liên quan đến vai trò cổ điển truyền thống của soubrette Pháp. Việc thể hiện trên sân khấu những nhân vật điển hình sáng giá trong hài kịch của Griboyedov là một việc vô cùng khó khăn. Việc thay thế nhiệm vụ sáng tạo của việc sắp xếp sân khấu bằng việc sao chép một cách máy móc các khuôn mặt sống, nguyên mẫu, bản gốc, việc tìm kiếm mà sau đó được mang đi, hoặc đánh đồng hình ảnh của Griboyedov với các "vai diễn" rập khuôn đã trở nên dễ dàng hơn bao giờ hết. "Woe from Wit" đã góp phần tạo ra bước ngoặt về kỹ thuật sáng tạo sân khấu. Các nhân vật trong vở kịch được phát triển một cách nghệ thuật đến mức diễn viên có năng khiếu được trao cơ hội để làm nổi bật vai trò "phụ" hoặc "cấp ba". Vì vậy, những người biểu diễn của vợ chồng Gorich đã thăng tiến trong các buổi biểu diễn đầu tiên, Repetilov - I. I. Sosnitsky, Skalozub - P. V. Orlov, sau này - bà bá tước - O. O. Sadovskaya.

Bản thân việc đọc kỹ văn bản thực sự của Griboedov đã mang lại cho cả đạo diễn và diễn viên mọi thứ cần thiết cho quá trình hiện thực hóa sân khấu của vở kịch. Nhà hát cũng có những tư liệu về tiểu sử, lịch sử, lịch sử và trong nước, lịch sử và sân khấu. Văn học sân khấu đặc biệt về "Woe from Wit" cũng phong phú như bất kỳ văn học đặc biệt nào khác về dàn dựng các kiệt tác kịch Nga. Giờ đây, mọi nghệ sĩ mới thể hiện các vai Famusov, Chatsky, Sofya, Molchalin, Lisa, Skalozub đều có một di sản tuyệt vời về kinh nghiệm sân khấu và tư tưởng sân khấu.

"Woe from Wit" trên sân khấu hiện đại

Năm 2000, một buổi biểu diễn của đạo diễn Sergei Zhenovach đã được tổ chức tại Nhà hát Maly Moscow. Cố ý khổ hạnh trên sân khấu, cố gắng giữ lại tư liệu của tác giả bằng mọi cách, thay vì để lộ thái độ đối với nó, sự chỉ đạo kín đáo không quá khích là những dấu hiệu của một buổi biểu diễn mới. "Woe from Wit" của Zhenovich trong tiết mục của Maly "Woe from Wit" trông giống như "một tác phẩm của người tiên phong". Huống chi vì nhà hát chưa bao giờ thấy trên sân khấu nghèo như vậy: không có nội thất trang nhã, không có lối sống; ở phía trước - một bếp lò cao như một biểu tượng của ngôi nhà và một chiếc ghế dài, ở phía sau - ba hoặc bốn chiếc ghế từ cùng một bộ. Phần còn lại của không gian được lấp đầy bởi các mặt phẳng đồng bằng rộng, đôi khi di chuyển về phía hậu trường, đôi khi tạo thành hình học của cửa và tường có điều kiện.

Công đầu hoàn toàn thuộc về Yuri Solomin trong vai Famusov. Không phải một người cha, không phải một tên ngu ngốc đầu béo, không phải một nhà quý tộc Moscow - trong bước đi vững chắc của Famusov này, trong tốc độ di chuyển của anh ta, có thể nhận thấy rõ dáng vẻ của một sĩ quan đã nghỉ hưu của "Suvorov" men. Famusov, góa phụ mảnh mai, cân đối thích trở thành chủ nhân trong ngôi nhà của chính mình. Trên bàn tay được chải chuốt kỹ lưỡng với chiếc nhẫn là một chiếc khăn tay ren trắng - và anh xoay nó như chiếc găng tay của một sĩ quan, ra lệnh, khích lệ, thương xót và trừng phạt. Anh ta không phải là một martinet chứ không phải một chiến binh, anh ta đúng hơn là một "người cha của những người lính", quen với việc dễ dàng nghe theo và thậm chí được yêu mến.

Sự nhộn nhịp buổi sáng khiến anh khó chịu, cũng như con gái Sophia (Irina Leonova) của anh đôi khi cũng làm phiền anh. Anh ta đang cố gắng thay thế mẹ cô (và trong mong muốn này, có lẽ, là "con người" cảm động cần thiết được thực hiện bởi Solomin), nhưng anh ta không biết làm thế nào, không biết làm thế nào. Và tức giận vì nó không hoạt động. Đoạn độc thoại về "cây cầu Kuznetsk và nước Pháp vĩnh cửu" mà Famusov thốt lên, căm ghét toàn bộ thế giới gò bó, ảnh hưởng này; đối với anh ta, đây là những chiêu trò của phụ nữ. Anh ấy vẽ cuộc sống của mình cùng với Petrushka trong lịch của mình theo cách giống như những cuốn sổ ghi chép của học sinh - mệt mỏi, nhàm chán, nhưng cần thiết. Famusov cũng cảm thấy như vậy đối với con gái mình - cô bé cần phải thường xuyên bị xử lý; "thiên chức làm mẹ" đối với anh rất mệt mỏi. Anh ấy đối xử với Chatsky như một cục bụi - mặc dù chạm vào thì thật kinh tởm nhưng bạn phải cúi xuống lau sạch nó, đặt nó dưới gầm giường. Và do đó, sự trả đũa cuối cùng đối với cả Famusov là một niềm vui thực sự; anh ta đối xử với những người hầu theo cách của một người cha - anh ta đập tay vào đầu, đặt anh ta lên đầu gối, đắp mền bằng khăn tay. Mệt mỏi hét với Sophia: "Vào nơi hoang dã! Đến Sa-ra-tov!" - và với ngón trỏ của mình chọc vào một nơi nào đó xuống, ngày càng sâu hơn vào mặt đất.

Famusov không nhận thấy sự phức tạp của cuộc sống, ông sẵn sàng trách móc con gái mình vì một cuộc phiêu lưu tình ái theo kiểu tiểu thuyết Pháp, mặc dù một bi kịch gần như cổ xưa đã diễn ra trong tâm hồn Sophia. Đối với cô, lưu vong đến Saratov là một niềm vui thực sự, một tu viện nơi sẽ dễ dàng hơn để sống sót sau một sai lầm chết người. Bản thân cô ấy muốn tự trừng phạt mình vì sự mù quáng và chậm hiểu của mình.

Sự căng thẳng bi thảm trong mối quan hệ giữa các nhân vật chính của vở kịch quá lớn và thú vị đến nỗi cảnh bóng chỉ cần ở đây như một thời gian nghỉ ngơi đầy cảm xúc, một đoạn kết truyện tranh. Pavlov trong vai Zagoretsky, Pankov và Kayurov - Tugoukhovsky, Eremeeva - bá tước Khryumina. Nhân vật chính tại vũ hội - Khlestova - Elina Bystritskaya - xuất hiện từ phía sau hậu trường như một nữ hoàng chiến thắng với những chiếc lông vũ mềm mại như lụa dệt trên tóc. Hành vi của cô, chuyển động cơ thể, chuyển động tay, thay đổi nét mặt - một phong cách tinh tế của "tự mình", vốn có trong cả nhân vật và nữ diễn viên.

Chatsky do Gleb Podgorodinsky đóng. Chatsky của anh ấy trầm lặng, gần như kín đáo - mặc đồ đen, anh ấy trông như một đốm đen, một cái bóng trên nền đơn sắc của khung sân khấu. Anh ta không được lắng nghe, bị né tránh, anh ta không có cơ hội thành công. Nhờ sự kém hiệu quả, không có tính cầu thị này, Chatsky của Podgorodinsky dường như, trái ngược với mọi lý thuyết, thông minh: ông nói ra suy nghĩ của mình. Chatsky không đến từ thế giới này. Đoạn độc thoại mạnh mẽ nhất do Podgorodinsky trình diễn sẽ đột ngột vang lên “Một người Pháp đến từ Bordeaux, ưỡn ngực.” Ngồi trên ghế và nhìn thẳng vào hội trường, anh nói với nỗi tuyệt vọng sâu thẳm, gần như muốn tự sát: “Moscow và St. Petersburg - nói chung là của Nga, / Rằng một người đến từ thành phố Bordeaux, / Chỉ mới mở miệng, đã hạnh phúc / Truyền cảm hứng tham gia vào tất cả các công chúa. "

Chính khách Chatsky (tương tự ở đây là chính khách Griboyedov), người suy nghĩ và biết nhiều hơn về chính sách đối ngoại và đối nội của Nga hơn là về các quy luật ứng xử trong xã hội, không công nhận Moscow ở Moscow, cũng như anh ta không nhìn thấy tình cũ ở Sophia. Anh ta nhìn thấy một vùng đất lỏng lẻo, nhếch nhác, tầm thường, nơi mà mọi thứ đều là của người khác, không phải của chúng ta.

Tại nhà hát Taganka, Yu. Lyubimov đã dàn dựng Woe from Wit nhân dịp sinh nhật lần thứ 90 của ông (2008). Dmitry Romendik viết: “Nếu bạn bỏ lỡ những tác phẩm kinh điển của Nga, nhưng muốn cảm nhận một luồng không khí trong lành và ngạc nhiên bởi sự mới lạ bất ngờ của những gì đã đi xa và rộng, thì bạn đang ở đây. Nhà phê bình ghi nhận sự tươi mới, nhẹ nhàng, thoáng đãng và duyên dáng của những gì đang diễn ra trên sân khấu. Đạo diễn nhắc nhở chúng ta rằng, bất chấp sự nghiêm túc và trường tồn của những câu hỏi được đặt ra, kiệt tác của Griboedov vẫn và trước hết có lẽ là một bộ phim hài. Anh ấy không sợ tiếng cười và khuyến khích chúng ta cười, bởi vì tiếng cười là một yếu tố tẩy rửa mạnh mẽ, trong đó mọi thứ không chân thực, trơ trọi và lỗi thời đều phải diệt vong, và trái lại, những người sống sót đã trải qua tiếng cười sẽ trở nên sống động và lấp lánh. màu sắc mới.

Các ký tự được trình bày chính xác như bóng, như bóng. Famusov, Skalozub, Molchalin, những vị khách tại vũ hội rất dễ nhận biết, được “định hình” bởi lịch sử sân khấu nhiều năm và được xây dựng trong ý thức của chúng tôi từ thời thơ ấu, đến nỗi không thể miêu tả họ như những người sống mà không có khoảng cách mỉa mai. Chúng ta nhìn thấy trước mặt chúng ta "Famusov", "Skalozub", "Hoàng tử Tugoukhovsky", "Nữ bá tước Hryumina", và dường như trong một phút nữa - và tất cả bọn họ, như thể bằng phép thuật, sẽ giảm thể tích, trọng lượng, trở nên phẳng lì . Tất nhiên, Chatsky nổi bật trên nền tảng vô tri vô giác này, người, với tư cách là một người suy nghĩ độc lập, không hòa nhập với môi trường. Nam diễn viên Timur Badalbeyli đóng vai anh ta với động lực tâm lý. Không phải ngẫu nhiên mà ngoại hình của nghệ sĩ được cho là tương đồng với Alexander Sergeevich Griboyedov. Sophia, người có linh hồn mà Chatsky đang cố gắng giành lại từ đám Famus và Silent, có thể thấy rõ đang cân bằng giữa bóng tối của chúng và hoạt ảnh của anh ta, tức là giữa hai thế giới. Giống như các nhân vật nữ khác trong vở kịch, đạo diễn khôn ngoan đã đặt Sophia (Elizaveta Levashova) vào đôi giày mũi nhọn và tạo cho hình ảnh của cô một mô hình vũ đạo phức tạp. Có rất nhiều âm nhạc trong buổi biểu diễn này (ngoài âm nhạc của chính A. S. Griboyedov, còn có các tác phẩm của I. Stravinsky, F. Chopin, G. Mahler, V. Martynov).

Cảm giác về sự liên quan mà Lyubimov tôn vinh trong những năm 80 không làm ông thất vọng bây giờ: "Woe from Wit" của ông là một minh họa châm biếm tuyệt vời cho hiện tại. Tại đây, những tin đồn về sự điên rồ của Chatsky được lan truyền theo luật PR đen: đây là cách mà ngay cả bạn bè cũng tìm thấy ở anh những nét của một tên ngốc. Trong thực tế hiện đại này, nhu cầu về khả năng suy nghĩ nhạy bén và phân tích tức thời tình huống là vô cùng cần thiết. Chatsky trông không còn giống như một nạn nhân của sự ăn da của chính mình nữa, mà là một anh hùng của thế kỷ chúng ta - một nhà sáng tạo hoặc một nhà quản lý mà một vụ bê bối là một cách hiệu quả để quảng bá. Mặc cảm về trí tuệ vượt trội của mình, anh ta cư xử tự tin đến mức người ta nghi ngờ rằng anh ta đã không có thời gian trong ba năm lang thang để làm công việc môi giới tiêu thụ đặc biệt ở đâu đó trên Sở giao dịch chứng khoán New York. Và khi Chatsky được cung cấp một chiếc xe ngựa trong trận chung kết, có vẻ như anh ta sẽ được phục vụ ít nhất là một chiếc Porsche, hoặc thậm chí là một chiếc Ferrari.

Vở kịch "Woe from Wit" cũng được dàn dựng tại Nhà hát Sovremennik. Thực tế là tác phẩm này được dàn dựng trong Sovremennik cho chúng ta biết rằng Woe from Wit vẫn còn phù hợp, hiện đại cho đến tận ngày nay. Việc sản xuất của đạo diễn nổi tiếng người Lithuania, Rimas Tuminas đã gây ra tranh cãi lớn và không được đón nhận một cách rõ ràng. Các nghệ sĩ nổi tiếng Sergey Garmash (Famusov), Marina Alexandrovna (Sofya), Daria Belousova (Lisa), Vladislav Vetrov (Molchalin), Ivan Stebunov (Chatsky) và những người khác đang đóng vai chính.

Grigory Zaslavsky viết trên Nezavisimaya Gazeta vào ngày 13 tháng 12 năm 2007: “Đạo diễn đã rút ngắn một cách dứt khoát, thậm chí có người có thể nói, đã thẳng tay bẻ khóa văn bản sách giáo khoa”. Nhà phê bình trình bày màn trình diễn khá gay gắt: “Điều chắc chắn là không thể xảy ra là không nên có Sophia và Chatsky trong Woe from Wit. Trong khi đó, tại buổi ra mắt, cả hai người đều chìm trong bóng tối của tác giả Famusov (Sergey Garmash) sáng chói. Famusov, tất nhiên, là nhân vật chính, nhưng Chatsky và Sophia cũng không phải là nhân vật nhiều tập. Và ở đây về họ, trên thực tế, không có gì đặc biệt có thể được nói. Không có gì tốt đẹp cả. Sofya (Marina Alexandrova) tất nhiên là một người đẹp, nhưng ngay khi cô ấy bắt đầu nói chuyện, sự quyến rũ biến mất ở đâu đó và nhanh chóng biến mất. Trong nhựa, nó gần như hoàn hảo, nói cách khác - than ôi. Chatsky (Ivan Stebunov) la hét rất nhiều, và mặc dù vai diễn của anh ấy chiếm một nửa tốt trong tất cả các tưởng tượng của đạo diễn, họ vẫn cho thấy một số diễn xuất thiếu kinh nghiệm hoặc non nớt. Có thể là sự non nớt của vai diễn. Tuy nhiên, một trong những tiền đề chính cho sự thể hiện của Tuminas là Famusova và Sofya và Sasha (Alexander Andreyich Chatsky) đều giống như con ruột của họ, và anh ấy buồn vì Chatsky là một chú hề, một kẻ klutz và khá không lành mạnh.

Tuy nhiên, bất kể các nhà phê bình chấp nhận việc sản xuất Sovremennik mới như thế nào, hầu như tất cả mọi người đều lưu ý rằng việc sản xuất Rimas Tuminas khiến không ai thờ ơ.

Marina Zayonts viết trên “Itogi” ngày 24 tháng 12 năm 2007: “Gần đây, hầu hết các màn trình diễn được xem, tệ và trung bình, khá và không cao, đều bị lãng quên ngay lập tức. Họ không bám víu vào bất cứ thứ gì. Ở họ không có cuộc sống sinh tồn, mọi thứ đều quen thuộc, quen thuộc, xóa nhòa và nhàm chán đến mức tuyệt vọng. Và màn trình diễn đương đại, tương tự, vụng về, bạn không thể hiểu nó ra khỏi đầu, nó thực sự rất đau. Để ai đó bị xúc phạm, buộc phải tức giận - suy cho cùng, đó là những cảm giác sống động, thú vị, được sinh ra ở đây và bây giờ. Từ xưa, nhà hát đã dựa trên chúng, và chúng tôi bắt đầu cai sữa. "Woe from Wit", một tác phẩm kịch tính bằng câu thơ của nhà văn Griboyedov, tất cả chúng ta ngay lập tức có được những bức ảnh chuẩn. Ở trường họ đã qua, những đoạn độc thoại buộc tội được ghi nhớ thuộc lòng. Tất cả chúng ta đều biết về "một triệu cực hình" và về Mátxcơva của Famusov, hoảng hốt bởi "Công chúa Marya Aleksevna sẽ nói gì!" Rimas Tuminas cũng học ở trường Liên Xô, và khoảng năm phút sau Kẻ lừa đảo Chatsky được biết, và về lãnh chúa phong kiến trì trệ Famusov. Có vẻ như kể từ đó anh ta đã phát ốm vì tất cả những thứ xác sống này. Ít nhất, màn trình diễn của anh ấy xung đột tích cực với truyền thống (đọc, sáo rỗng), chiến đấu đến mức rách da, đổ máu. Đến nỗi bây giờ không thể nhận ra bài văn nổi tiếng, xé ra thành tục ngữ và câu nói. Và nó không đáng để thử. "

Vladimir Putin đã đến thăm Nhà hát Sovremennik và ở hậu trường, ông đã phẫn nộ trước sự "yếu kém" của Chatsky trong cách diễn giải Rimas Tuminas và diễn xuất của nam diễn viên Ivan Stebunov. Theo người đứng đầu nhà nước Nga, Chatsky là một "người đàn ông mạnh mẽ" và không nên khóc.

Việc giải thích “Chatsky người đấu tranh sự thật và Chatsky người khai sáng” đã bị chỉ trích bởi những người cùng thời với Griboyedov, bao gồm cả Alexander Sergeevich Pushkin, người đã viết trong một bức thư cho Bestuzhev: “Dấu hiệu đầu tiên của một người thông minh là ngay từ cái nhìn đầu tiên đã biết bạn là ai. đối phó và không ném ngọc trai trước mặt các Repetilovs và những thứ tương tự. »

Vladimir Putin nhận xét: “Tôi không sợ có vẻ như là một người không chuyên nghiệp ở đây, bởi vì tôi là một người không chuyên nghiệp, nhưng tại sao bạn lại cho anh ấy, Chatsky, khóc ngay từ đầu? Ngay lập tức người ta có ấn tượng về anh ta như một kẻ yếu. Vị giám đốc, nói về cách diễn giải của mình, kể lại rằng Chatsky là một đứa trẻ mồ côi không có người thân bên cạnh. Tuy nhiên, lập luận này không làm tổng thống hài lòng: “Tôi sợ phạm sai lầm, Alexander Matrosov cũng là một đứa trẻ mồ côi, nhưng anh ấy đã che chở cho chính mình. Anh ấy là một người đàn ông mạnh mẽ."

Cách giải thích của Putin về hình ảnh Chatsky như một chiến binh chân lý mạnh mẽ chống lại thế giới trơ trọi được lấy từ sách giáo khoa của trường học Liên Xô. Trong hóa thân này, "Chatsky chắc chắn là đại diện của một xã hội tiên tiến, những người không muốn chịu những tàn dư, những mệnh lệnh phản động và đang tích cực chống lại chúng."

Oleg Efremov, giám đốc sản xuất bộ phim Woe from Wit trước đây trên sân khấu Sovremennik, coi một tầm nhìn như vậy là ngây thơ và yếu ớt.

Pyotr Vail và Alexander Genis đồng ý với điều này: “Nếu Chatsky ngu ngốc, mọi thứ đều theo thứ tự. Đó là cách nên làm: một người có chiều sâu và sức mạnh không nên bây giờ và sau đó bộc phát tâm thần bằng những bài phát biểu dài dòng, không ngừng chơi chữ và chế giễu những đối tượng không đáng được chú ý.

Sự kết luận.

Người ta có thể đồng ý hoặc không đồng ý với cách giải thích vở kịch nổi tiếng của các đạo diễn đương thời. Có một điều chắc chắn rằng: Bộ phim hài “Woe from Wit” của A. S. Griboyedov là bất hủ nếu nó khiến những người cùng thời, những đại diện của thế kỷ 21, phải suy nghĩ, đau khổ và tranh cãi

Griboyedov bắt đầu đọc vở hài kịch của mình trong các tiệm rượu của giới quý tộc ngay từ năm 1823, thu hút sự chú ý của mọi người. Sau đó, vào năm 1824, ông tiếp tục các buổi đọc sách trước công chúng ở St.Petersburg, đồng thời xin phép được tổ chức. Nhưng vụ náo loạn mà cô gây ra đã làm dấy lên nghi ngờ: giám đốc nhà hát ở Matxcơva, Kokoshin, nói với Tổng thống đốc Matxcơva Golitsyn rằng đây là "một sự phỉ báng trực tiếp chống lại Matxcơva." Và bộ phim hài chỉ được xuất bản thành từng mảnh vào năm 1825.

Ở St.Petersburg, theo sáng kiến của Karatygin và Grigoriev, các sinh viên của trường sân khấu đã quay được một vở hài kịch. Nhưng nó đã bị nghiêm cấm để chơi nó trước mặt công chúng.

Chỉ đến năm 1828, Griboedov mới lần đầu tiên được xem vở hài kịch của mình trên sân khấu ở Caucasus; nó được chơi ở Erivan, nơi vừa bị quân đội Nga chiếm đóng, trong cung điện Sardinia một Sĩ quan Ray của Sư đoàn 2 Bộ binh. Đó là một buổi biểu diễn nghiệp dư.

Năm 1829 Griboedov bị giết ở Tehran. Sự chú ý của công chúng đến cái chết bi thảm của nhà thơ đã buộc chính phủ phải bỏ lệnh cấm vở kịch, và vào ngày 2 tháng 12 năm 1829 tại St.Petersburg, tại Nhà hát Bolshoi, một cảnh trong vở kịch đầu tiên đã được trình diễn lần đầu tiên. Sosnitsky đóng vai Chatsky, Boretsky đóng vai Famusov. Cảnh này được dàn dựng như một sự phân kỳ sau một thảm kịch kéo dài năm hành động. ( Trong các nhà hát của Nga trong nhiều thập kỷ, một truyền thống vẫn được lưu giữ khi sau một buổi biểu diễn năm màn, một vở tạp kỹ hoặc một cảnh trong một vở hài kịch được đưa ra làm phân kỳ).

Năm 1830, màn thứ ba cũng được diễn ra như một sự phân kỳ (một quả bóng ở Famusov's). Sau đó, cùng năm ở St.Petersburg, tại Nhà hát Maly, màn thứ tư cũng được diễn như một sự chuyển hướng (lái xe theo quả bóng).

Và chỉ vào ngày 26 tháng 1 năm 1831, với màn trình diễn có lợi của diễn viên Bryansky lần đầu tiênđã chơi tất cả các một bộ phim hài, mặc dù nó đã bị cắt xén và kiểm duyệt. Chatsky do V. Karatygin đóng, Sofya - của E. Semenova, Repetilov - của Sosnitsky. Karatygin đã chơi Chatsky theo phong cách cổ điển cổ điển của "anh hùng sân khấu của thời cổ đại."

Đồng thời, và theo cách tương tự, hài kịch cũng thâm nhập vào sân khấu Mátxcơva. Vào ngày 27 tháng 11 năm 1831, buổi công chiếu diễn ra tại Nhà hát Maly. Chatsky do P. Mochalov, Famusov - M. Shchepkin đóng. Trong trò chơi của Shchepkin, sự khởi đầu thực tế của vở kịch mâu thuẫn với thói quen của sân khấu, anh ta đã tạo ra một hình ảnh có sức mạnh buộc tội lớn. Và Mochalov đã truyền tải những cảm xúc dân tộc của Chatsky với sự nhiệt tình và biểu đạt. Từ năm 1839 I. Samarin bắt đầu chơi Chatsky. Trong phần trình diễn của mình, sự kết hợp hài hòa giữa kịch tính công cộng và cá nhân của Chatsky đã đạt được.

Ở các rạp chiếu phim tỉnh, phim "Woe from Wit" không được phép sản xuất.

Về việc giải thích hình ảnh của Chatsky trên sân khấu

Cho đến những năm 1860 những người thực hiện vai Chatsky đã đưa ra những khoảnh khắc báo chí ngay từ đầu, và một truyền thống đã phát triển về việc đóng vai Chatsky như một người tố cáo xã hội Famus.

Năm 1864, diễn viên của Nhà hát Maly Moscow S.V. Shumsky lần đầu tiên Hãy đặt câu hỏi theo một cách khác: người ta không thể khiến Chatsky chỉ là kẻ tố cáo những mặt trái của xã hội, từ đó anh ta trở nên bế tắc. Không thể chỉ đòi hỏi khả năng phát âm thuần thục các đoạn độc thoại. Chatsky là một chàng trai trẻ yêu Sophia say đắm, và anh làm mọi cách để khơi gợi tình cảm lẫn nhau trong cô. Anh ấy đau khổ tột cùng vì tình yêu. Vì vậy, Shumsky đã cố gắng phá vỡ truyền thống biểu diễn của Chatsky. Chatsky của anh trở nên "nhân văn" hơn. Nhưng điều này cho thấy một thái cực khác: khía cạnh buộc tội của vở hài kịch đã biến mất. Truyền thống phiên dịch Chatsky này tồn tại cho đến đầu thế kỷ 20. Đây là cách Chatsky chơi tại Nhà hát Maly Lensky, Gorev, Ostuzhev, P. Sadovsky (cháu trai). Và ở Alexandrinsky - Maksimov, Dolmatov.

Năm 1906 Woe from Wit được dàn dựng tại Nhà hát Nghệ thuật Moscow. Về cách giải thích về Chatsky, Nemirovich-Danchenko viết rằng Chatsky chủ yếu là một chàng trai trẻ đang yêu. Sau này, anh ta sẽ trở thành người tố cáo, thậm chí làm trái ý mình.

Sau đó, đã có mặt trên sân khấu Xô Viết, nhiệm vụ kết hợp một cách hữu cơ các yếu tố của kịch cá nhân và đấu tranh xã hội trong hình ảnh của Chatsky đã được đặt ra. Truyền thống phiên dịch Chatsky này tồn tại cho đến giữa thế kỷ 20.

Sự quan tâm chắc chắn là việc sản xuất bộ phim hài "Woe from Wit" của Vs.E. Meyerhold (ấn bản đầu tiên của vở kịch "Woe to the Wit" - 1928, ấn bản thứ hai - 1935). Cái khó là vở kịch vốn đã có được nhân vật của tập hợp những lời có cánh, những câu nói hay và câu nói được yêu thích, trở thành một bức tranh bảo tàng của một thời đại lỗi thời. Và tôi muốn trở lại với thơ của cô ấy, một cuộc đời sống động, đầy đau đớn, suy nghĩ, giận dữ, yêu thương, thất vọng, lòng dũng cảm của tư tưởng con người và sức mạnh của cảm giác. Meyerhold tìm cách rời xa truyền thống diễn giải hài kịch. Khi đọc vở kịch, ông đã giới thiệu những khám phá, hiểu biết sâu sắc và phỏng đoán về tính khí, chiều sâu và tầm nhìn nghệ thuật sắc sảo của ông.

Ông đã chia văn bản của vở hài kịch bốn hồi thành 17 hồi; đưa vào phần chèn văn bản chính tắc từ các phiên bản gốc của vở kịch và các đoạn cắt tùy ý; âm nhạc đóng một vai trò quan trọng và tích cực trong các buổi biểu diễn, không chỉ là nền mà còn đóng vai trò như một nhân vật. Sự phân bố các vai diễn cũng gây sốc cho những người đương thời: Chatsky do nam diễn viên truyện tranh Erast Garin (vai - một nhân vật đơn giản) thủ vai.

Dưới đây là một số đoạn mà Meyerhold đưa vào buổi biểu diễn: “Quán rượu”, “Phòng chờ”, “Lớp học khiêu vũ”, “Chân dung”, “Ghế sofa”, “Thư viện và phòng chơi bi-a”, “Tir”, “Tiền đình trên”, “Phòng ăn”, “Lò sưởi”, “Bậc thang”, v.v. Hành động diễn ra ở các phần khác nhau của ngôi nhà rộng lớn của Famusov, cũng như bên ngoài nó (“Zucchini”, nơi những con hussars đang uống rượu, “Tir”). Những bài thơ yêu tự do được đọc trong thư viện, trong quán rượu Molchalin, Sofya nghe những bài hát của Paris trong bầu bạn của Repetilov - những bài thơ này và những tập khác đã vẽ nên một bức tranh về cuộc sống của thời đại.

Và chính cái tên của buổi biểu diễn là "Woe to the Mind". Đây không phải là một phát minh của Meyerhold, mà là một phiên bản của chính Griboyedov. Chatsky - Garin thể hiện dòng hài kịch tính và trữ tình ở một mức độ lớn hơn dòng châm biếm, buộc tội, mà Meyerhold đã bị các nhà phê bình chỉ trích. Nhưng trên thực tế, đây là phát hiện chính của đạo diễn: một cậu bé hiếu động, không phải kẻ tiểu nhân! Anh nhìn thấy ở Chatsky một anh hùng trữ tình. Còn Molchalin - nam diễn viên Mukhin - thì cao ráo, đẹp như tạc tượng, có thể mặc áo đuôi tôm. Một sự ghép nối các nhân vật như vậy thật bất ngờ, nhưng đây chính xác là điều thú vị trong cách giải thích của Meyerhold. Chatsky chỉ có một mình. Và nó bị phản đối không phải bởi một thế giới mục nát, mục nát, không có sức mạnh, mà bởi một thế giới đầy những nguồn sống, những truyền thống mạnh mẽ, một thế giới tin tưởng vào pháo đài không thể lay chuyển được về sự tồn tại của nó. Tất cả các đối thủ của Chatsky đều được "chữa lành" bằng cách chỉ đạo. Đây là Famusov, Skalozub, Molchalin, và thậm chí là Khlestova. Chính sự từ chối thế giới của họ đối với họ dường như là một căn bệnh, sự điên rồ, và Chatsky đối với họ dường như là một kẻ lập dị. Khung cảnh của những lời đồn đại ngày càng tăng về sự điên loạn của Chatsky được xây dựng như thế này. Trên sân khấu từ cổng này sang cổng khác là một chiếc bàn mà những vị khách của Famusov đang dùng bữa tối. Những đoạn văn bản giống nhau vang lên ở các góc khác nhau của bàn, những câu chuyện phiếm lặp đi lặp lại, thay đổi, trôi nổi và thu hút ngày càng nhiều khách mới, và Famusov, người đang ngồi ở trung tâm bàn, tiến hành phát triển nó. Khung cảnh cao trào này được xây dựng theo quy luật tăng trưởng của chủ đề âm nhạc. Chatsky, xuất hiện ở phía trước, nhận ra rằng mình đã đến nhầm chỗ; khối lượng khách nhai này, như thể đang nhai nó, đẩy anh ta ra khỏi sân khấu. Và có thể hiểu được tại sao khi kết thúc buổi biểu diễn, Chatsky, hoàn toàn kiệt sức trước những biến cố trong ngày, lặng lẽ, gần như thì thầm, nói: "Chở cho tôi, xe ...".

Màn trình diễn không được giới phê bình đón nhận. Những buổi biểu diễn đầu tiên không đều, nhưng từ trình diễn đến trình diễn anh trở nên gầy hơn, chỉn chu hơn trong sáng tác và cuối cùng, anh đã gặt hái được thành công xứng đáng với khán giả. (Thông tin thêm về màn trình diễn này trong cuốn sách: A. Gladkov. Meyerhold, tập 1. - M .: STD, 1990).

Sau tác phẩm này, các rạp chiếu liên tục chuyển sang hài kịch. Nhưng cách giải thích của nó vẫn theo truyền thống lạc quan xã hội, và Chatsky lại đứng lên bênh vực người tố cáo xã hội Famus.

Nhưng vào năm 1962 tại Leningrad tại Nhà hát kịch Bolshoi G.A. Tovstonogov đã dàn dựng "Woe from Wit" một cách độc đáo. Lúc đầu, sự phân bố các vai diễn rất đáng ngạc nhiên: Chatsky - S. Yursky, Molchalin - K. Lavrov, Sofya - T. Doronina, Lizanka, người hầu gái - L. Makarova, Famusov - V. Politseymako, Repetilov - V. Strzhelchik, v.v. . Và còn một nhân vật nữa - “bộ mặt của nhà hát” (S. Karnovich-Valois). Nhân vật này bắt đầu vở kịch bằng cách giới thiệu các diễn viên. Anh kết thúc màn biểu diễn, trịnh trọng tuyên bố: "Buổi biểu diễn đã kết thúc." “Một khuôn mặt từ nhà hát” nhấn mạnh tính chất sân khấu của những gì đang diễn ra, nhắc nhở bạn rằng bạn đang có mặt trong nhà hát và những gì đang diễn ra trên sân khấu cách biệt với thời điểm hiện tại một khoảng cách lớn. Và mọi thứ diễn ra trong buổi biểu diễn đều phản ánh chính xác thời đại Griboedov - trong trang phục, đạo cụ, bối cảnh, nghi thức. Và đó là một màn trình diễn đương đại sắc nét. (Thêm về điều này trong cuốn sách: Yu. Rybakov. G.A. Tovstonogov. Những vấn đề về đạo diễn. - Chi nhánh Nghệ thuật Leningrad, 1977, trang 85-95)

Ở các rạp chiếu phim tỉnh, phim "Woe from Wit" không được phép sản xuất.